쿠키의 뮤직세계-근대,현대음악가

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근대,현대 음악가

존 케이지

클로드 드뷔시 (Claude Debussy, 1862~1918, 프랑스) 음악가 모듈 다운!

'드뷔시'는 1862년 8월 22일 프랑스 산 제르만 안 레이에서 태어나 1918년 3월 25일 역시 프랑스의 파리에서 56세로 세상을 떠난 프랑스의 근대 작곡가이다. 근대음악에서 맨 먼저 낭만 음악에 반기를 든 사람이 '드뷔시'이다. 이 사람은 음악을 감각 적인 면에서 구성하는 이른바, 인상주의를 주장한 개척자로서, 그를 인상파 음악의 시조라고 도 한다. '드뷔시'는 일찍부터 음악에 재능을 보여 11살 때 파리 음악원에 입학을 하였고, 1884 년 22살 때에는 칸타타<방탕아>로 로마 대상을 받아 로마로 유학을 하였다. 그러나 그 앞에 약 반년 가량, 러시아의 부호이며 차이코프스키의 경제적인 후원자였던 멕크부인의 주선으로 러시아, 오스트리아, 이탈리아 등지를 여행하며 견문을 넓혔다.
바그너의 <트리스탄과 이졸데>를 처음 들어 본 것도 이 때이며, 그는 이 <트리스탄과 이졸데>에 열광해 버렸다. '드뷔시'에게는 로마 유학 3년이 견디기 어려운 무미건조한 생활이었던 모양으로 1887년 3년 의 시한을 채우지 못하고 2년만에 파리로 돌아왔다. '드뷔시'도 처음에는 열렬한 바그너 신봉자가 되었고, 당시의 인상주의 시인 보오드레르에 경주하였다. 또, 그는 벨레느라든가 마라르메 등의 시인들과도 친교를 가져 문학적인 교양도 쌓았다. 20세기 음악 혁명의 기수인 '드뷔시'도 그의 초기의 작품 이를테면, <방탕아>라든가 피아노 곡인 <아라베스크>혹은 <베르자모 조곡> 등에는 아직 후기 낭만주의의 영향이 남아 있다. 그러나 '드뷔시'는 점차 바그너에서 멀어져서 사티의 주장에 공감하여 문학과 예술의 사조와 동조해야 한다는 생각으로 기울어져 인상주의의 표현양식에 도달하게 된 것이다. '드뷔시'가 후기 낭만주의 특히, 당시 음악계를 석권하고 있던 바그너주의와 손을 끊고 새로운 음악 즉, 인상주의음악을 창시한 첫 작품이 마라르메의 시에 의한<목신의 오후에의 전주곡>이다. 이 관현악곡이 작곡된 것은 1892년 인데, 2년 후인 1894년 12월, 파리의 국민 음악 협회에서 초 연 되었을 때 센세이션을 일으켜 큰 충격을 주었다. 이 소동은 1829년 베를리오즈가 <환상교향곡>을 처음 발표할 때 이상으로 컸다고 한다. '드뷔시'가 주장한 인상주의 음악은 원래 미술 계에서 일어난 운동의 영향을 받은 것으로서 외계의 사물을 사실적으로 묘사하는 것이 아니라, 순간적인 감각적 인상만을 표현한 것이다. 여기서는 물체의 형태가 아니라 색채와 빛, 그 리고 생기이다. 선은 확실치 않지만 색채만은 아름답고 감각적인 농도가 있다. '드뷔시'는 이것을 음악에 옮기려고 했고, 한편 당시 문학에서 쓰이던 상징주의 즉, 반자연주의적인 태도에서 주관적인 기분을 표현하고 명확한 관념보다는 막연한 느낌, 환각과 같은 정조를 중요시하는 이 상징주의를 음악에 실현시킨 것이다. 따라서 지금까지 선을 취급하는 법칙 즉, 조성이라든가, 음계라든가, 대위법도 보다 자유롭게 생각하게 되었다. 규칙적인 박자의 관념도 없어지고 까다로운 화성법도 기능적으로 다루는 것이 아니라 색채적으로 취급 되었다. 이리하여 '드뷔시'는 이 인상주의 수법으로 근대 오페라의 특이한 존재인 <페레아스와 메리 산드>를 비롯하여 관현악곡, 실내악곡 피아노곡, 성악곡 등 많은 작품을 남겼다.

<주요작품>
《방탕아》《아라베스크(Arabesque) 》《페레아스와 메리장드》《목신의 오후》 전주곡[Prélude à l'aprèsmidi d'un faune]. 가곡, 《화려한 잔치》中 "달빛"["clair de lune" from Fetes galantes" No. 1].

쇤베르크 (Schonberg, Arnold, 18741951, 오스트리아)

오스트리아의 작곡가. 빈 출생. 빈의 유대인 상인의 가정에서 태어났다. 8세 때에 바이올린을 배우고 9세 때 습작으로 작곡을 하기도 하였다. 1891~95년 은행근무를 하는 한편 아마추어 오케스트라 첼로 연주자로 활동하며 지휘자 체믈린스키로부터 대위법을 배웠다. 12음기법의 창안으로 20세기 음악에 가장 큰 영향을 끼쳤으며, 또 베르크, 베베른 등 많은 뛰어난 제자를 육성, 그들과 더불어 제2차 빈악파로 불리기도 한다. 그는 경제적으로 윤택하지 못하여 거의 독학으로 음악의 기초를 닦았다. 초기의 작풍은 연면(連綿)한 주정(主情)의 세계를 묘사하는 후기 낭만파의 연장선상에 있었으며, 현악6중주곡 《정화된 밤：Verkl？te Nacht》(작품 4, 1899), 교향시 《펠레아스와 멜리잔데：Pelleas und Melisande》(작품 5, 1903) 《구레의 노래：Gurrelieder》(1900∼11) 등의 작품에서는 바그너와 말러의 영향을 찾아볼 수 있다. 이러한 초기 작풍을 거치고 나서 조성(調性:tonality)의 틀에 박힌 음악에 질식감을 느끼게 된 그는, 마침내 이를 무시하는 방향으로 나가 《3개의 피아노 소품》(작품 11, 1909)에서 조성과 결별하기에 이르렀다. 이 무렵부터 12음기법을 고안하기까지를 ‘무조(無調)시절’이라고도 부르는데, 이 시기에 그는 《관현악의 5개 소품》(작품 16, 09)과 《달의 피에로 Pierrot lunaire》(작품 21, 12) 등의 걸작을 내놓았다. 12음기법은 조성조직(調性組織)을 대신하는 이론으로서 《피아노를 위한 모음곡》(작품 25, 21)에서 이룩되었다. 이 무렵부터 비난의 대상이었던 그는 점차 인정받게 되어 25년에는 베를린의 예술아카데미의 교수로 초청되어 이듬해 베를린으로 이사하였다. 옛 도시 빈에서 나와 자유로운 베를린의 공기를 마시게 된 이 시기에 《관현악을 위한 변주곡》(작품 31, 1928), 미완성 오페라 《모세와 아론 Moses und Aron》(32)을 작곡하여 그의 충실한 기량을 보였다. 그러나 나치스의 대두와 더불어 유대인이었던 그는 33년 미국으로 망명하였고, 그 후로는 미국에 영주하였다. 그는 만년에도 많은 작품을 남겼으며, 히틀러에 대한 분노를 곁들인 《나폴레옹에로의 오드》(작품 41, 42)와 유대인 대량학살을 소재로 한 《바르샤바의 생존자》(작품 46, 47) 등은 특히 유명하다. 저서에 《화성악：Harmonie Lehre》(1911) 《작곡 초보자를 위한 범례：Models for Deginners in Composition》(40), 논문집 《스타일과 아이디어：Style and idea》(50) 《화성의 구조적 기능：Structural Functions of Harmoney》(54) 등이 있다. 쇤베르크는 고전파 이래의 조성음악 체제를 12음기법에 의해서 완전히 파괴하고 새로운 음악의 가능성을 열어놓았다. 작곡교사로서는 《화성악》 이래 많은 음악이론서를 집필하여 많은 제자들을 육성해냈으며, 그 체계적인 음악의 사고법은 블레즈, 슈토크하우젠 등 전후 작곡가들의 방향에 결정적인 영향을 주었다.

<주요작품>

실내교향곡 E장조》《달에 홀린 피에로》《모세와 아론》, 바이올린 협주곡 《바르샤바의 생존자》 등이 있다.

스트라빈스키 (Stravinsky, Igor Fyodorovich 1882~1971, 러시아)

페테르스부르크 마린스키극장의 유명한 베이스 가수였던 아버지로부터 음악적 재능을 이어받아 일찍부터 음악과 친숙하였다. 9세 때 피아노를 배우는 동시에 화성법과 대위법을 공부하였다. 양친의 권유로 관리가 되기 위하여 페테르스부르크의 법학과를 입학하였으나, 림스키-코르사코프의 아들과 같이 공부하면서 림스키-코르사코프에게 1903년 그의 지도하에 피아노소나타를 처음 작곡하게 되었다. 1906년 대학을 졸업하고 사촌누이와 결혼하고, 이듬해 교향곡E♭장조와 메조소프라노와 관현악을 위한 《목신과 양치기》가 페테르스부르크 궁정관현악단에 의해서 초연되었다. 이어서 1908년 발표한 《환상적 스케르초》《불꽃》이 1909년 러시아 발레단의 주재자 디아길레프에게 인정받아, 이 두 사람의 콤비에 의해 발레단은 많은 성공을 거두었다. 1910년 파리 오페라좌에서 초연된 《불새》는 대성공하여 그 명성이 파리음악계를 흔들어 놓았고, 드뷔시, 라벨, 사티, 팔랴 등의 작곡가와 교류하면서 많은 영향을 받았다. 1913년 러시아의 전통적인 민화를 제재로 사용하여 작곡한 《봄의 제전》은 그의 최대의 걸작으로 샹젤리제극장에서 초연되었으며, 찬부양론의 격렬한 스캔들을 불러 일으켰다. 1917년 러시아혁명으로 고국으로 돌아갈 수 없게 되자, 스위스 각지를 전전하며 궁핍한 생활을 하면서도 《여우》《병사의 이야기》 등을 작곡하여 신고전주의의 작풍을 준비하였다. 1921~39년의 약 20년간 프랑스에 거주하면서 중기 신고전주의적 작품을 작곡하였으며, 1934년 프랑스 국적을 취득하고, 1940년 W.누벨의 협력으로 《나의 생애와 연대기》를 집필하였다. 1939년 제2차세계대전이 발발하자 미국으로 건너가 하버드대학에서 강의를 맡고, 1945년 미국국적을 취득하게 되었다. 1951년 쇤베르크 사후 12음기법에 관심을 갖고, 만년에는 시어리얼(serial)한 작곡기법에 의한 종교음악 작곡에 전념하여 《칸티쿰 사크룸》《설교, 설화 및 기도》《레퀴엠 칸티클스》 등의 작품을 남기고 1971년 뉴욕에서 세상을 떠나, 생전에 그가 사랑하여 《칸티쿰 사크룸》을 헌정하였던 베네치아에 묻혔다. 오페라 오라토리아인 《오이디푸스왕：Oedipus Rex》(27)과 《시편교향곡：Symphony of Psalms》(30) 등을 통해 이 작풍의 완성을 보았다. 39년 제2차 세계대전이 발발하자 45년 미국으로 망명, 귀화하였다. 그는 한때 침체기를 거쳐 《3악장의 교향곡：Symphony in 3 Movements》(45)과 《미사：Mass》(48) 등으로 재기, 다시 제2의 전기(轉機)를 맞이하였다. 이는 이미 쇤베르크일파가 취해 온 음렬작법(音列作法)으로부터 12음작법(音作法)으로 갈라지는 분기점이었으며, 《칸타타：Cantata》(52)에서 시작하여 《아곤：Agon》(57)과 《트레니：Threni》(58) 등의 시도로 차차 엄격한 12음작법을 구사하였다. 그 이후로는 종교음악에 관심을 두어 《설교, 설화 및 기도：a Sermon, a Narrative and a Prayer》(61), 칸타타 《아브라함과 이삭：Abraham and Isaac》(63), 합창곡 《케네디의 추억을 위하여： la m？oire de Kennedy》(95) 등의 작품을 남겼다. 저서로는 《내 생애의 연대기：Chronicle of My Life》(35)와 그가 하버드대학에서 강연한 것을 정리한 《음악의 시학：Poetics of Music》 등이 있다.

<주요작품>

"미국" [1893],"성 루드밀라" [1886],,"미사" [1887],"레퀴엠" [1890],"신세계 교향곡 e단조" [1893],"첼로 교향곡" [1895],"쟈코뱅" [1897],"자연, 삶, 사랑" [1892]

라흐마니노프 (Rachmaninoff, Sergey Vasilyevich 1873~1943, 러시아)

'라흐마니노프'는 1873, 4월 1일 러시아의 북부지방 노브고로드의 오네그라는 조그마한 마을 에서 태어나, 1943년 3월 28일 미국 캘리포오니아에서 70세를 일기로 세상을 떠난 피아노의 거장인 동시에 작곡가이다. '라흐마니노프'는 보기 드문 거인적인 스케일의 피아니스트로서, 뛰어난 테크닉을 가지고 있었고, 또한 이에 못지 않게 화려하고 호담한 지극히 개성적인 표현을 하는 피아니스트였기 때문에 작곡가로서의 '라흐마니노프'의 창작 중심은 역시 피아노 음악이라 하겠다. 라흐마니노 프는 차이코프스키, 안톤 루빈스타인, 그라즈노프, 이런 사람들 처럼 러시아적인 경향을 다분 히 갖는 작곡가로서, 같은 러시아 작곡가인 무소르그스키나 보로디 등의 국민악파와는 전혀 다른 길을 걸었다. 그러기에 이 보편성으로 그가 세계적인 명성을 얻게 된 것인지도 모르겠다.
귀족가문의 아버지와 어머니사이에 세미요노바에서 출생하였다. 어릴적 어머니에게서 피아노를 배우기 시작하여 낭비벽이 심한 아버지 때문에 페테르스부르크에 이사하여 1882년 페테르스부르크음악원에 입학하였다. 이후 1888년 부터 7년간 모스크바음악원에서 피아노와 작곡을 즈베레프와 아렌스키, 타네예프로 부터 사사받고, 구미 각지에서 피아니스트·지휘자로 활약하였다. 1892년에는 오페라 《알레코》를 작곡하여 금메달을 수상하며 음악원을 졸업하였으며, 같은 해에 작곡한 피아노곡 《환상 소곡집》으로 국내외에 이름이 알려졌다. 1893년 마린스키 여자전문학교의 피아노 교사로 재직하였고 교향곡1번이 글라주노프에 의해 1897년 초연하였으나 실패로 끝나자 지휘자로의 전향도 모색하게 되었다. 1898년 영국의 필하모니 협회의 초청으로 방문하여 지휘자, 피아니스트, 작곡가로서 호평을 받았으며, 1901년 직접 초연한 《피아노 협주곡 제2번》으로 글린카상을 수여받았고, 1904년 볼쇼이극장 지휘자로 2년간 재직하면서 자작 오페라 《프란체스카 다 리미니》을 초연하기도 하였다. 1906년 작곡에 전념하기 위해 드레스덴으로 옮겨가 《교향곡 제2번》을 작곡하여 두번째 글린카상을 수상받았다. 1909년 미국을 방문하여 2년 동안 피아니스트로서 활약했으며 귀국후 1917년까지 모스크바를 중심으로 연주 및 창작활동을 하였으나 혁명으로 인하여 파리로 망명, 1918년 미국에 정착하게 되었다.

라흐마니노프의 작품은 쇼팽과 리스트의 후기 낭만파적 경향과 고전적 수법을 절충한 작풍으로 슬라브적 색채가 농후한 어두운 서정성, 애수를 띤 풍부한 선율성을 기초로 작품을 작곡하였으며, 특히 피아노의 대가인 만큼 그 분야에 우수한 작품을 많이 남겼다.

<주요작품>
교향곡 3곡과 《피아노협주곡 제2번 》《피아노협주곡 제3번》 교향시 《죽음의 섬》《파가니니의 주제에 의한 광시곡》 등이 있다.

라벨 (Maurice Ravel, 1875~1937, 프랑스) 음악가 모듈 다운!

드뷔시 이후에 가장 대표적인 프랑스 음악가로 평가되는 작곡가.
음악을 사랑하는 부모를 가진 '라벨'은 어려서부터 여러가지 음악 교육을 받을 수 있었다.1889년 14세의 나이로 파리 음악원에 입학한 '라벨'은 베리오로부터 피아노를 배우고, 1893년에 첫 작품 <그로테스크한 세레나데>를 썼다. 한때 음악원을 떠나기도 했던 그는 1897년 돌아와 포레에게 작곡을, 제달즈에게 대위법과 관현악법을 배워 여러가지 편성으로 작품을 쓰게 되었다. '라벨'은 로마대상을 목표로 계속 도전했였으나 목표를 이루지 못했다.당시 '라벨'의 로마대상 낙선 사건은 결국 음악원장의 경질로 이어져 큰 파문이 되었다. 이 시기의 작품 중에서 <물의 희롱>은 리스트의 흐름을 계승하는 새로운 피아노 서법으로 인정 받았다. '라벨'은 재즈, 폭스트로트, 찰스톤 등 다양한 대중음악 양식에까지 폭넓게 관심을 보인 사람이었다. 이국정취와 상상력과 유모어가 풍부한 그의 작품들은 독자적인 매력을 풍겼다. 1907년에 발표한 가곡집 <박물지>는 논란을 불러일으켰다.
자신의 작품을 연주하거나 성악가들의 반주를 할 때만이 피아니스트로 활동하였으나, 암스텔담, 베니스, 스웨덴, 영국, 스코트랜드, 미국(1928)에서는 자신의 음악을 위해 오케스트라를 지휘도 했다. 1929년 옥스포드 대학으로부터 명예박사학위를 받았다 ,1930년엔 전쟁중 오른손을 잃은 오스트리아의 파울 비트겐슈타인을 위해 <왼손을 위한 피아노협주곡>을 완성하기도 했다. 그러나, 1932년 10월에 자동차 사고로 인해 뇌질환으로 폐인의 생활을 보내다가 1937년 뇌수술 실패로 사망했다. 라벨은 이미 20세에 나중에「스페인 라프소디」의 제3악장으로 쓰이게 되는 「하바네라」를 작곡한다. 전통적 음악기법에 대한 그의 긍정적 수용현상은 그가 제달즈와 포레로부터 수업을 받던 학창시절부터 이미 잘 나타난다. 라벨의 초기작품활동에 영향을 끼친 사람은 쇼팽, 리스트, 샤브리에, 포레, 림스키 코르사코프 등이다. 1890년경에 라벨은 사티의 화성학적 실험들로부터 한동안 큰 영향을 받기도 했다. 드뷔시의 작품 「프렐류드」도 그의 작품활동에 큰 영향을 끼쳤다. 러시아 5인조그룹 중에서는 특히 보로딘이 라벨에 의해 높이 평가되었다. 드뷔시에서와 마찬가지로 라벨의 상당 작품들에서는 프랑스 로코코의 목가풍이 반영되어 있다(예, 라모에 근접된 양식). 쿠프랭과 라모 이상으로 라벨의 흥미를 끈 것은 스카를랏티의 기교적 측면이었다. 이것은 이미 리스트에 가까운 그의 작품 「물의 희롱」(Jeux d'eau)에서 잘 드러난다. 하지만 리스트의 역동적인 기교주의와는 다르게 라벨의 기교적 작품들은 세밀한 음향구성에도 강하게 집착하는 면을 보여준다. 라벨의 음악에는 유희적인 놀이와 고풍스러운 멋, 감각적인 것과 지적인 것, 자연적인 것과 기계적인 것 등이 잘 조화되어 있다. 라벨의 멜로디는 부드러우면서도 분명한 선을 가진다. 화성에서는 높은 3도층들이 즐겨 사용된 반면 증3화음이나 온음음계 등은 거의 사용되지 않는다. 폴리포니적 작곡경향은 현악사중주나 피아노삼중주의 파싸칼리아 등에서 자주 찾을 수 있다. 복조성도 가끔씩 발견된다. 라벨의 작품에서는 또한 오스티나토 기법 등이 곡의 뼈대로 자주 사용된다. 예로써 G장조 피아노 콘체르토의 중간악장은 요한 세바스챤 바하의 오스티나토 기법을 연상시킨다. 가장 잘 알려져 있고 당시에 대성공을 거두었던 「볼레로」역시 멜로디와 기본음향은 변하지 않으면서 음색만이 바뀌는 특징을 보인다. 이곳에서는 한개의 오스티나토 리듬과 두개의 오스티나토 선율이 많은 악기들이 점차적으로 참여하면서 도취적인 ff로 상승한다. 라벨은 이 곡에서 단순성을 이용하여 의식적(儀式的) 효과를 거둔다. 즉, 모티브작업도 없고 섬세한 형식도 없으며, 전조조차 하지 않다가 끝에 가서야 E장조로 전조한다.라벨은 오랫동안 심도있게 숙고를 하는 반면 빠르게 악보를 써내려가는 작곡방법을 가졌다. 작품을 위해 쓰여진 스케치를 찾을 수 없는 것도 이를 증명한다.

<주요작품>
<물의 희롱>(1901), 현악사중주 F장조(1902-03), 소나티네(1903-05), 거울(1904-05), 밤의 가스파르(1908), 관현곡 <스페인 광시곡>(1908), 피아노곡 <밤의 가스파르>(1908), <마 메르 루와>(1911), <우아하고 감상적인 왈츠>(1911), 발레음악 <다프니스와 클로에>(1911), 스페인의 시간(1911), 피아노삼중주(1914), 쿠프랭의 무덤(1917), 왈츠(1920), 치가느(1924), 어린이와 요술(오페라, 1925), <볼레로>(1928), <왼손을 위한 피아노협주곡>(1930), <피아노 협주곡 G장조>(1929-1931),

바르토크 (Béla Bartók, 1881~1945, 헝가리)

일생동안 헝가리 민속음악과 피아노음악에 지대한 관심을 가졌던 바르토크(Béla Bartók, 1881~1945)는 부다페스트 음악원(Budapest Academy)에 다니는 동안 국민주의 음악가들로부터 자극을 받았고 1905년부터는 코다이와 함께 헝가리, 루마니아 근처의 다른 슬라브 국가들의 종족음악을 수집 · 정리하기 시작하였다. 그 후 자신의 관심을 중부 유럽, 터키, 북아프리카 지역까지 확장시켰고 민요를 편곡하거나 민속음악에 대한 많은 저서를 남겼으며 순수음악에 민속적 특징을 융합시킨 양식을 발전시켰다. 피아니스트로서 국제적인 명성을 얻기도 한 바르토크는 아들을 위하여 6권 153곡으로 된 교육적 작품인 <미크로코스모스(Mikrokismos)>를 작곡했는데 여기에는 매우 단순한 구조로부터 비대칭 리듬이나 복조성 등 극도로 복잡하고 난해한 곡까지 전부 포함되어 있어서 사실상 바르토크 자신의 기법 뿐만 아니라 20세기 전반기의 전체적 작곡기법을 요약해 놓았다고도 볼 수 있다.바르토크는 1902년 이전에 주로 낭만주의 양식의 피아노곡이나 노래들을 썼는데 이들은 그다지 크게 중요하지는 않고 점차로 민족주의적 성향을 띠게 되는 1902~1907년 사이에 바이올린 소나타(Violin sonata, 1903), 피아노 5중주(Piano quintet, 1903~1904), 교향시(Kossuth, 1903) 등을 작곡했다. 그는 당시 드뷔시 음악에 내재한 민속적 요소와 그의 색채적, 비기능적 화성에 흥미를 느꼈다. 민요 수집에 몰두하게 되는 1908~1911년 동안에는 자신의 개성적인 양식을 분명히 하는데에 주력하였다. 즉, 선법적이거나 5음음계에 기초한 선율과 화성을 사용하고, 회문(palindrome)구조, 피보나치(fibonacci)음열과 황금분할 법칙을 적용한 것이다. 이 많은 특징들은 그의 피아노곡 <14바가텔(bagatelles, 1908)>에 주로 나타나며, 이외의 주요작으로는 현악 4중주(string quartet) 제1번, <푸른 수염 공작의 성(Duke bluebeard;s castle,1911)>, <알레그로 바르바로(Allegro Barbaro, 1911)>가 있다. 쥬디트(Judith)를 위해서는 낭만적인 음악을 설정하여 작곡한 1막 오페라이고, <알레그로 바르바로>는 피아노를 타악기적으로 처리하여 달리는 리듬과 오스티나토를 만들어 주고 있고 그밖에도 날카로운 화음, 좁은 음역의 많은 반복 등을 통하여 새로운 원시주의적 기법에 접근하고 있다. 1912~1919년 동안에는 교육활동과 민속음악에 치중하다가 그 후 다시 작곡 활동을 재개하여 4분음을 시도하는 현악기의 글리산도가 포함된 <중국의 이상한 관리(The Miraculous Mandarin)>을 썼고, 1923년에는 축제 행사를 위해 위촉받아 코다이와 함께 오케스트라를 위한 무용모음곡(dance suite)을 썼다. 모두 5곡으로 되어 있는 춤곡에는 제1 · 4곡에 아랍적, 제2 · 3곡에 마자르족, 제5곡에 루마니아적 요소가 내포되어 있어서 그가 지니고 있던 폭넓은 민속음악적 관심을 드러내어 주고 있다. 1926년 다시 작곡을 시작했을 때는 대위법과 전통적 형식을 사용한 피아노곡 <Out of Doors, 1927>를 비롯, <현악기 타악기 그리고 첼리스타를 위한 음악(Music for strings, percussions, and celesta)>, <피아노와 타악기를 위한 소나타(Sonata for piano and percussion)>, 피아노 소나타(1926)들을 썼다. 1927~1939년 사이에는 현악 4중주 제3번부터 제6번까지를 작곡했는데, 그의 현악 4중주 여섯곡은 실내악 분야에서의 바르토크 양식을 종합하는 의미를 갖는 작품들이다. 그중 제4번은 palindrome arch형식의 5개 악장으로 구성되어 있고 전체적으로 순환형식이어서 제1 · 5악장과 제2 · 4악장이 각각 서로 공통되는 재료를 사용한다. 또한 대위법이 상당히 포함되어 있고 복조성도 다소 언급되어 있다. <세속 칸타타(Cantata profana, 1930)>는 테너, 바리톤, 독창, 2중합창, 오케스트라를 위한 바르토크의 가장 중요한 성악 작품이다. 아취형이라는 대칭적 구조 안에 민속적 재료를 직접 사용하지는 않았지만 민요적 정서를 느끼게 하는 음악으로 채워져 있다. 바르토크의 음악양식을 총괄적으로 요약해 보면 동유럽 민요에서 파생된 선율, 불규칙 박자와 색다른 강세에 의한 강하고 역동적인 리듬, 모방이나 포가 또는 카논 등의 선적 흐름과 이들이 결합해서 울리는 수직적 음향을 특징으로 하고, 전통적인 온음계와 반음계 그리고 모든 종류의 음계를 다양하게 사용하며, 3화음 외에 2도 · 4도 · 5도 구성의 화음, 3화음에 장 · 단2도를 첨가함으로써 나타나는 불협화음적 충돌 등이 자주 나타나고 있다. 이외에도 간헐적이긴 하지만 복조성도 나타나며 화려하고 상상력이 풍부한 새로운 음향들을 사용하였다.

<주요작품>
20세기의 최고 걸작으로 꼽히는 6곡의 현악4중주 중《현악4중주 제2번》 오페라 《푸른 수염 공작의 성(城)》《2대의 피아노와 타악기를 위한 소나타》《현악기, 타악기, 첼레스타의 음악》《피아노 협주곡 제2번》《바이올린 협주곡 제2번》등이 있다.

벤자민 브리튼 (Benjamin Britten, 1913 -1976,영국) "청소년 관현악 입문" 감상학습 모듈 다운

브리튼(Benjamin Britten, 1913~1976)은 20세기 중엽 영국의 성악음악, 특히 독창, 합창, 오페라 분야에서 큰 공헌을 하였다. 브리튼은 미국으로 이주한 1942년 이전까지는 기악음악을 주로 썼으나, 그 이후부터는 성악음악을 더 많이 썼다. 20세기 영국에서는 퍼셀의 음악에 대한 관심이 부활하였고 이러한 경향이 그의 음악에도 나타나서 <청소년을 위한 관현악 입문(The young person's guide to the orchestra, 1945)에서는 퍼셀의 주제가 변주되고 푸가와 브리튼 자신의 주제가 수록되어 있다. 그의 대표작인 오페라 <피터 그라임스(Peter Grimes, 1944~1945)>는 영국으로 돌아오기 직전, 쿠세비츠키(Koussevitsky)재단의 의뢰로 작곡한 오페라이다. 이 작품은 프롤로그와 3막으로 구성되어 있는데 순진무구함이 폭력에 의해 희생되고 사회의 의심이 해로운 영향을 준다는 교훈을 담고 있다. 이 오페라의 낭송부분은 secco recitative로 처리되고, 아리오조와 아리아가사용되며, 관현악은 반주 외에도 막이나 장 사이에서 묘사적으로 분위기를 이끌어 가는 간주 역할을 한다.음악은 전통적인 3화음 음향에 선법으로 채색된 선율이 반복되는 동기에 의해 진행된다. 이 작품 이외에도 작은 무대에서 연주할 수 있는 실내 오페라들을 많이 작곡했는데 이런 곡들은 주로 몇 명의 가수와 독주 악기로 구성된 관현악 만을 사용한다. 이런 류의 대표작이 <루크레스아의 분노(The Rape of Lucretia, 1946>와 <앨버트 허링(Albert Herring, 1947)>이다. 그의 실내 오페라는 주로 사회적 쟁점을 다루며 영국 오페라의 미래에 대한 확고한 기반을 마련해 준다. 성악음악으로서 중요한 작품은 전통적인 레퀴엠의 라틴어 가사와 오웬(Wilfred Owen)의 시가 교대로 나오는 <전쟁 레퀴엠(War Requiem, 1961)>이다. 소프라노 독창, 오케스트라 반주의 합창, 오르간 반주의 소년합창으로 구성된 이 작품은 20세기를 대표하는 영국의 합창음알그오서 세계적으로 널리 연주되고 있다.그는 예술가의 정치적·사회적 책임에 대한 인식이 강했으며, 제2차 세계대전 때는 양심적인 이유로 종군을 거부하여 법원의 인정을 받았다. 45년의 오페라 《피티 그라임스》로 오페라 작가로서도 위치를 굳혔으며, 이어 《루크레티아의 능욕》(1946) 《나사의 회전》(54) 등의 걸작을 차례로 발표하였다. 54년 벨파스트대학에서 명예 음악박사학위를 받고, 64년에는 케임브리지대학에서 같은 학위를 받았다. 그의 작풍은 기법상으로는 보수적이지만, 색채적인 관현악법과 표출력에 감각적인 날카로움을 보이고 있다. 그 밖의 주요작품으로는 《청소년의 관현악 입문》(45) 《전쟁 레퀴엠》(61), 오페라 《앨버트 헤링》(47) 등이 있다.작품은 실내 관현악을 위한 <심포니에타(1932)를 비롯하여 실내악곡, 독주곡, 합창곡 그리고 1949년 6월 7일 런던에서 초연된 가극 <피터 그라임즈>에 이르기까지 다작은 아니었지만 모든 것이 충실된 작품으로서 주목되고 있다

힌데미트 (Paul Hindemith: 1895- 1963, 독일)

독일 프랑크푸르트 근교 하나우(Hanaue)에서 출생. 어려서부터 음악교육을 받았고, 일찍이 연주자로서 재능을 보였다. 프랑크프루트 콘서바토리에서 바이올린과 작곡(A. Mendelssohn, B.Sekles에게 사사)을 전공하였고, 프랑크프루트 오페라 관현악단의 악장, 아마르 현악4중주단의 단원으로 활동하였다. 본격적으로 작곡에 몰두한 후 20년대에는 독일을 대표하는 현대음악의 선구적 인물로 명성을 얻었으나, 점차 신고전주의적 경향으로 양식을 전환하였고, 특히 실용음악에 많은 관심을 갖았다. 나찌 정권이 들어선 후 터어키로 망명하여, 그곳에 음악학교를 세워 터어키 음악교육에 영향을 미쳤고, 이후 미국을 거쳐 스위스에서 계속적으로 작곡활동 뿐만 아니라, 이론적 저서를 발표하고, 또한 지휘자로서도 활동을 하였다. 힌데미트는 평생 작곡가, 연주자(바이올린, 비올라 등), 지휘자, 이론가, 교육가 등 다양한 음악활동을 전개했고, 그의 활동만큼이나 다양한 음악양식에 의한 다수의 작품을 발표했다. 그는 급격한 현대적 어법과 조성에 바탕을 둔 전통적 양식을 모두 사용한 작곡가이다.20년대 초 발표된 힌데미트의 작품들은 전통적 양식을 거부하는 경향이 뚜렷하게 드러나는데, 조성적 작품보다는 표현주의적 무조음악 경향이 뚜렷하고, 낭만적 서정성과 감상성이 배제된 것이 특징이다. 전통적 미학관을 거부하는 반(反)낭만적 경향을 보인 이 시기의 음악을 통해 힌데미트는 독일 아방가르드의 선두 주자로서 명성을 얻었다:「현악사중주」 op.22(1921),「실내음악 1번」(Kammermusik, 1922), 3개의 단막 오페라(1919, 1920, 1921),「피아노 모음곡」 op.26(1922).힌데미트의 반(反)낭만적 경향은 낭만이전의 음악에 대한 관심을 강화시켰고, 특히 바로크 음악관과 음악양식을 적극적으로 수용하게 한다. 힌데미트는 전통적 요소를 단순히 수용하지 않고 개성 있게 변화시킴으로써, 전통을 현대적으로 변화시키는 <신고전주의> 양식을 성립하게 된다. 그는 음악의 선적(수평적) 흐름을 중시한 대위법을 사용하므로써 기능 화성법칙을 무시하고, 논리적 음악구조, 감정의 극대화, 테마-모티브 발전기법 대신에, 단순하고 간결한 음악 재료와 형식, 곡을 통일적으로 발전시키는 리듬을 강조했다:「첼로와 피아노를 위한 소나타」 op.11, Nr.3(1921),「실내음악 2번, 5번」(1924.1927),「현악4중주」op.32(1923) 등.다른 한편 힌데미트는 음악애호가들이 직접 연주할 수 있는 실용음악을 많이 작곡하였다. 그는 평생 음악활동을 하는 아마추어 그룹을 중요하게 생각하였고, 청중을 단순히 수동적으로 음악을 수용하는 대상으로 보는 견해를 비판하였다: 「현악오케스트라, 플루트, 오보에를 위한 유희음악」op.43, 「관현악 협주를 위한 교육용 음악」(Schulwerk) op.22, 「애호가를 위한 유희음악」op.45 등.30년대 이후 힌데미트는 전통적 양식으로 복귀하며, 조성이 강조된 "구조적 대위법" 양식에 의한 작품을 발표한다. 특히 1937년 발표된 『작곡지침서』(Unterweisung im Tonsatz)에서 힌데미트는 음악의 자연법칙과 조성을 강조한 독자적인 이론을 확립하고, 이 이론에 따른 16곡의 소나타(1935-39)를 비롯한 많은 작품을 썼다. 그는 조성에 근거한 폴리포니 양식에 의한 전통적 형식의 곡을 쓰면서, <작곡가의 책임의식>, <청중과의 의사소통>을 강조한다. 즉 힌데미트는 "음악은 그것을 노래하고 연주하고 듣고자하는 사람을 위한 것"이라고 생각했다. 대표적 작품: 「음의 유희」(Ludus Tonalis, 1942),「마리아의 생애」 수정판(1934-35), 오페라 캐릭달(1926년, 호프만 원본)「조화의 세계」(Harmonie der Welt, 1951),「피츠버그 심포니」 (Pittsburg Symphonie, 1958), 「미사」(1963)., 가고 오기(hin und Zuruck,1927), 천공 하모니(Harmonie der Welt,1957,케플러에 관한 오페라), 교향적 협주곡, 실내악(6개의 현악 사중주), 합창곡, 가곡, 학교 교육용 음악:우리는 도시를 세운다(1930), 플린의 음악제(1932), 저서:작곡의 가르침(1937/38)

졸탄 코다이 (Kodaly, Zoltan 1882~1967, 헝가리)

바르토크와 함께 헝가리 민속음악을 대표하는 코다이는 철도공무원이었던 아버지를 따라 성장기에 헝가리 국내 여러곳에서 살았다. 아버지와 어머니가 바이올린과 피아노를 연주하여 음악적 환경에서 성장했는데, 1891년 나지솜바트의 가톨릭교회 고등학교를 다니면서 피아노와 바이올린을 정식으로 배우고, 집시민요와 가톨릭교회음악에 관심을 가졌으며, 관현악과 합창을 위한 미사곡 《아베 마리아》을 작곡하기도하였다. 1900년 파즈마뉴 페테르대학 철학과에 입학하고 대학에 적을 둔채 1901년 부다페스트음악원을 입학하여 H.케슬러에게서 작곡을 배웠다. 이 시기에 독일풍 실내악곡과 종교적 작품을 작곡하였는데, 민족주의 영향을 받아 국민음악 창조에 관심을 갖고 1905년부터 헝가리 민요와 농민음악 연구를 B.바르토크와 더불어 시작하게 되었다. 1907년 부다페스트음악원 교수로 임명되어 작곡과 함께 민요연구를 계속하였고, 이 무렵 알게된 드뷔시의 인상주의 음악에 영향을 받았으며, 민속음악에 바탕을 둔 독자적 선법을 개척한 결과, 1913년 《헝가리 민속음악》 1951년 《헝가리 민속음악 대관》으로 결실을 맺게되었다. 작곡가로서 1923년 부다페스트시의 50년 축제를 위해 작곡한 《헝가리 시편》이 초연되어 대성공을 거두고 세계적 명성을 얻기도 하였다. 음악교육가로서는 1925년부터 현저해지며, 스스로 발굴한 마자르민요 3,500여곡에 의거한 음악교육을 고안, 이를 위한 교재용 작품을 작곡하고 실험학교를 설립하여 교육함으로써 헝가리 국내외의 음악교육에 지대한 영향을 주었다. 바르토크가 미국으로 이주한 후에도 계속해서 민요를 수집하고 이에 대한 과학적 연구와 창작 활동을 하였으며, 음악교육 분야에서도 중요한 공헌을 하였다. 특히 성악 교육에 관심이 있었던 그는 시창교육을 위하여 민요를 다성음악으로 편곡하여 만든 노래들을 이용하기도 하였다. 기본적으로는 조성적이고 온음계적인 음악을 선법성으로 채색한 그의 작품에는 헝가리의 민속적 요소들이 침투되어 있으나 이들을 직접 인용하기 보다는 바흐 양식의 대위법, 팔레스트리아의 합창 어법, 그레고리안 성가와 같은 과거의 양식들과 혼합하여 사용하고 있다. 코다이의 작품들은 민속음악과 예술음악의 결합이라는 측면에서 바르토크 보다는 작품성이 부족하며, 민족주의 면에서도 바르토크와 비교한다면 비교적 좁은 의미의 민족주의자라고 할 수 있다.그의 작풍은 온건하고 고전적인 균형과 명확한 형식을 가진다. 또한 점진적인 발전을 통하여 명쾌한 작품을 작곡하였는데 이러한 면은 바르토크와 대조되는 모습이었다. 초기의 성악곡에서는 16세기 이탈리아 폴리포니적 요소가 많이 보이고 기악곡에서는 드뷔시의 영향으로 인상파풍 수법이 두드러진다. 대표작품으로 대위법적 서법에의한 합주곡《헝가리 시편(詩篇)》《미사 브레비스》 관현악곡 《가란타 무곡(舞曲)》 오페라 《하리 야노스》외에 실내악곡 등이 있다.

존 케이지 (John Cage: 1912∼1992 , 미국)

아돌프 바이스, 헨리 카우엘, 아놀드 쇤베르크에게 사사하였으며,1936∼1938년 시애틀 코니시 스쿨에서 교편을 잡으면서 타악기만으로 된 앙상블을 조직하였고, 시카고의 디자인 학교에서 1년 간 가르친 후 뉴욕으로 옮겨갔다. 1943년 부터 콘서트를 열기도 하고 교편을 잡기도 하며 작곡을 계속, 1949년 프리페어드 피아노의 창시를 비롯한 새로운 창조활동을 하여 구겐하임 재단과 국립문예 아카데미로부터 장학금과 상을 받았다. 1951년 음악가와 기술자에 의한 그룹을 결성해 직접 자기(磁氣)테이프로 음악을 창작하는 새로운 수법을 개발, 크리스티안 울프, 얼 브라운, 모톤 펠드만 및 자신의 작품을 창작하였다. 1954년에는 도나우에싱겐 현대음악제에 참가, 유럽 현대작곡가들에게도 커다란 영향을 끼쳤다. 프리페어드 피아노의 창시를 위해서 불확정적 요소의 도입, 도형악보의 창안, 콘택트 마이크나 스피커를 이용한 음악세계의 확대 등을 독창성에 넘친 새로운 활동을 선보이고 있다. 케이지는 피아노에 다양한 프레퍼레이션을 줄 수 있는 프리페어드 피아노를 고안해 내고, 그 이후로는 많은 프리페어드 피아노를 활용한 작품을 썼다. 음악을 생각할 때, 악음을 전제로 하기보다는 음색이나 음 자체를 문제시하는데 관심을 갖고 있던 케이지는 프리페어드 피아노를 「한 사람의 주자에 의하여 컨트럴 가능한 타악기 오케스트라」라고 부르고, 그 음색적 가능성을 여러 가지 형태로 추구해 왔다. 피아노의 현 사이에 고무나 코일, 볼트, 창틀을 메우는 패킹, 플라스틱이나 참대 조각, 천 조각 등을 끼워 넣음으로써 평균율로 조율된 피아노의 음을 변질시킨다. 그러면 피아노는 음고의 면에서나 음색의 면에서 이질적 악기로 변모되어서 마치 인도네시아의 가믈란 음악을 연상시키는 음향을 낸다. 프리페어드됨에 따라서 악음 음악(樂音音樂)의 왕자로서 다이내믹한 표현력을 갖고 있던 피아노는 악음과 조음이 섞인 섬세한 음색 타악기의 성격을 띠게 된다. {그의 작품에는 R(고무), S(나사못), B(볼트), SR(나사못과 고무의 병용) 같은 것들이 적혀 있음.케이지는 1945∼46년에 키타 사라브하이(Gita Sarabhai)로부터 동양 철학을, 일본의 스즈키(鈴木大出)로부터 선(禪)을 배움으로써 동양 사상에 접근하기 시작했다. 그의 초기에 있어서 타악기의 앙상블이나 프리페어드 피아노에 의한 음악의 창시자로서 음악을 악음의 세계에서 해방하고 조음을 포함한 다채로운 음색에 의한 작품과 리듬 구성법에 의한 작품을 쓴 작가로 알려져 왔다. 또한, 1950년대에 불확정성 음악을 확립하고서는, 근대 유럽적 음악에 대한 생각과 결별하고 찬스 오퍼레이션에 의하여 작곡가의 의지나 음의 선택이 될수 있는 대로 개입되지 않는 방법을 씀으로써 인간 중심의 미 의식과는 다른 새로운 예술의 개념을 탄생시킨 작곡가로서 유명하다.

쇼스타코비치 (Dmitri Dmitrievich Shostakovich ; 1906~1975, 러시아)

드미트리 드미트리예비치 쇼스타코비치는 양친이 모두 시베리아 출신으로 아버지는 폴란드계로 광산기사였고, 어머니는 음악원의 피아니스트 였다. 9세 때 어머니로부터 처음으로 피아노를 배웠다. 13세 때, 페테스부르크 음악학교에 입학하여 피아노와 작곡(특히 막시밀리안 스타인베르크에게서)을 공부했다. 당시 이 음악원의 원장은 알렉산드르 글라주노프였다.
그가 초기의 작품을 작곡한 것은 이 시기였고, 그 작품으로는 피아노곡 '환상적 춤(1922)'이나 이후에도 정기적으로 연주하게 되는 '교향곡 제1번(1925)' 등이 있다. 이 음악원의 악기법의 교수(1937)와 이어서 작곡과 교수(1939)에 임명되었으며, 1943년에는 모스크바로 거처를 옮겨 그곳 음악원에서 가르치는 한편 중요한 창작활동을 계속했다. 그는 외국으로 나간 적이 없고, 그의 생애에 대해서는 그다지 알려진 것이 없지만, 그의 공적인 활동을 엄하게 비판하는 소리가 서방측에서 없었던 것은 아니었다. 창작 능력은 전혀 쇠퇴하지 않았으나 몇 차례의 심장 발작으로 인해 사망했다. 그것은 '비올라 소나타 op. 147'을 완성한 직후였다. 1927년이래 정부는 그에게 10월혁명을 기념하는 '교향곡 제2번'의 작곡을 요청했다. 그것이 체제파 작곡가로서의 기묘한 인생의 출발이었으며, 그것은 놀라운 봉사와 징계의 되풀이에 의해서 특징지워지게 되었다. 수년간의 성공 후에 오페라 '므첸스크의 맥베드 부인'은 1936년 1월 26일 프라프다지에 의해서 음악이 아니라 엉터리이다라는 격렬한 비난을 받기도 했다. 이 작품은 니콜라이 레스코프의 동명의 러시아의 위대한 고전 작품(1865)에서 착상을 얻은 것이었으며, 그는 '교향곡 제5번'에 의해서 명예를 회복하였고, '피아노 5중주곡(1940)' 과 히틀러의 침공에 대한 레닌그라드의 시민을 찬양한 '교향곡 제7번(1941)'에 의하여 계속해서 스탈린상을 획득했다. 그러나 1948년에 즈다노프 비판에 의한 '사회주의 리얼리즘' 미학의 정의는 또다시 쇼스타코비치와 그의 1945년작 '교향곡 제 9번'에 타격을 주었다. '숲의 노래(1949)'에 의해서 다시 인정을 받았으며, 1962년 에프투셴코의 시를 사용한 '교향곡 제 13번'으로 스탈린 지배하의 러시아 사회주의가 무겁게 짓누르고 있었던 재난 반유대주의, 억압, 일상의 불안, 출세주의를 공격하였고, 그의 작품은 공연 금지가 되었던 것이다. 이 교향곡은 가사의 일부를 수정한 후에 러시아에서도 재상연이 가능하게 되었으며, 이때부터 쇼스타코비치는 보다 자유롭게 작곡할 수 있었다. 쇼스타코비치의 예술은 러시아인의 영혼을 그 미묘한 부분에 이르기까지 표현하려고 애썼고, 불안한 건강 상태와 분명히 비관주의적인 성격의 쇼스타코비치는 보통은 극적이고 장엄하지만 가끔 삐걱거리는 해학적 감흥에 몸을 맡기기도 했다. 초기부터 서양의 전위음악, 특히 쇤베르크, 스트라빈스키, 그리고 힌데미트에게 관심을 가져 오페라 '코'와 같은 대담한 작품도 나왔지만, 1920년대 말부터 영원한 러시아의 음성에만 귀를 기울이겠다는 결심을 한 것처럼 보이기도 했다. 그는 대체로 조성 체계에 충실하면서 지극히 개인적인 어법을, 그리고 '기법'에 대해서는 시대의 밖에 있으면서 현대적 감성에 지극히 가까운 어법을 조금씩 만들어 나갔다. 이렇게 본다면 만년의 작품은 절정에 달했고, 약간 고르지 못한 이전의 작품을 상회하고 있다. 그러나 쇼스타코비치는 남다른 힘을 가진 음악가이며, 웅장한 지평과 서사적 사건을 불러일으킬 수 있을 뿐만 아니라 인간의 영혼 속에 깊게 들어가서 해학적 감흥을 보일 수 있는 음악가였다. 그의 서법이 상대적으로 전통적이기는 했지만 그는 위대했고, 상당히 빈번하게 무소르그스키(그가 평생 연구한)의 환시적 깊이와 교향곡의 영역(특히 교향곡 제4번)에서는 그가 직접적 계승자인 또 그가 현악4중주곡이나 교향곡 등 확립한 형식으로 본령을 발휘했다는 사실과 매우 신고전주의적인 몇 작품 '피아노를 위한 전주곡과 푸가 op. 87 (1950~51)'도 착상이 풍부한 그의 성공작의 하나로 간주된다는 사실은 놀랄 것이 없다. 쇼스타코비치 말년의 작곡생활의 특징은 성악곡에의 회귀이다.사샤 초르니 Sacha Chorny의 시에 의한 5곡의 연작가곡 '풍자(1960)'는 빈정거림이 넘쳐 있지만, 뒤이은 '교향곡 제13번'은 결코 특이한 작품이 아니었다. 이어서 작곡한 '교향곡 제14번(1969)'은 악상의 풍성함과 정서적인 성격에 의해서 한 시대를 구획한 작품으로 가르시아 로르카, 아폴리네르, 퀴헬베커, 릴케의 시라는 사려 깊은 선택에 의해서 생의 의미와 인간과 예술가의 고독, 그리고 죽음에 대한 그의 의문을 나누고 있다. 이 철학적 연대 속에서 가끔 나타나는 테마의 하나는 전제적 군주에 의해서 창작자인 예술가가 짓눌린다는 테마이며, 연작 가곡으로는 이밖에 비약과 순수성의 걸작인 '블로크에 의한 7편의 시(1967)', '츠베타예바의 6편의 시(1974)', '미켈란젤로의 시에 의한 모음곡(1974)', '도스토예프스키에 의한 레뱌드킨 대위의 4편의 시(1975)'를 들 수 있다. 최후의 '교향곡 제15번(1971)'은 순수하게 기악적이고, 운명을 앞에 놓고, 조용하고, 침착하게 있지만 자연 그 자체와 생명의 항상성(恒常性)에 대한 확신에서 작품의 본질을 얻고 있는 것으로 생각되기도 하였다. 주요 작품으로는 15곡의 교향곡과 15곡의 현악4중주곡, 6개의 협주곡(바이올린협주곡 2곡, 첼로협주곡 2곡, 피아노협주곡 2곡, 그 중 1곡은 트럼펫을 수반), 3편의 오페라
고골리 원작의 '코(1928)', 레스코프 원작 '므첸스크의 맥베드 부인 또는 카테리나 이즈마일로바(1932, 초연 1934. 1. 22 레닌그라드 개작 1962)', 고골리 원작 '도박자(1941, 미완)', 한 편의 오페레타 '모스크바의 체리용(1958)', 3곡의 발레음악 '황금시대(1929~30)', '볼트(1930~31)', '밝게 빛나는 시냇물(1934~35)', 수많은 오케스트라와 소편성을 위한 작품, 매우 많은 부수음악(말할 것도 없이 마야코프스키를 위한 것과 셰익스피어의 햄릿을 위한)과 영화음악 '황금의 산맥(1931)', '총잡이(1938)', 한 편의 오라토리오 '숲의 노래 (1949)', 칸타타 '스테판 라지나의 처형(1964, 작사 E. A. 에프투셴코)'과 피아노곡, 두 곡의 소나타, 24개의 전주곡과 푸가가 있다. 또한 쇼스타코비치는 무소르그스키의 보리스 고두노프를 림스키 크르사코프보다 더욱 원곡에 가까운 형태로 오케스트레이션(1940)을 했고, 동시에 같은 무소르그스키의 호반시치나의 복원과 오케스트레이션을 다시 했다.

메시앙 (Olivier Messiaen, 1908 ~ 1992, 프랑스)

올리비에 메시앙(1908 ~ 1992)은 드뷔시 이후 최고의 프랑스 작곡가로서 대중들이 20세기의 음악이 '난해하다'고 받아들이게 되는 가장 결정적인 동기를 제공한 작곡가이다. 물론 화성의 질서가 무너지려는 조짐은 이미 스크리아빈 시대부터 시작되고 있었으며, 드뷔시의 여러 실험적인 작품들에서 이미 무조음악은 시작되었다고 볼 수 있을 것이다. 이러한 음악들은 모두 당시의 청중들에게 난해하다고 받아들여지는 것이었지만 메시앙의 음악이 가지는 난해함은 스크리아빈, 드뷔시의 음악은 물론 스트라빈스키나 바르토트, 프로코피에프의 음악이 가지는 당혹스러움과는 분명히 그 궤를 달리하는 것이기도 하다.
메시앙은 베베른과 더불어 쇤베르크의 12음기법으로부터 시작된 음렬작법의 영향을 강하게 받은 작곡자이며, 그 자신이 독실한 카톨릭 신자였던 관계로 중세 이후 가장 많은 종교음악을 작곡한 작곡가이기도 하다.
실제로 메시앙이 평생동안 작곡한 방대한 작품 중 가장 오랜 기간에 걸쳐 작곡되었고, 또한 가장 많은 양을 차지하는 음악은 오르간을 위한 작품들인데 예외없이 성경의 내용을 기초로 하고 있으며, 교회 음악적인 성격을 가지고 있으며, 메시앙의 작품경향의 변화는 보통 3시기로 나누어 보고 있다. 1기를 '이조 (移調)가 제한되는 선법', 제 2기를 '비가역행리듬 등 다양한 리듬이 등장하는 시기', 제 3기를 '음가 (音價)와 그 밖의 요소와의 결합'으로 나누어진다고 하며, 방대한 오르간곡을 제외하면 각 시기에 작곡된 음악을 다음과 같이 분류하고 있다.

제 1기: 1929-1935, 개성적 선법이론의 확립
-성악곡: '3개의 멜로디(피아노 반주 1930)', '수(number)의 죽음(소프라노, 테너, 바이올린, 피아노, 1930)'
- 피아노곡: '전주곡집(8곡, 1929)'
- 관현악곡: '잃어버린 봉헌(3곡, 1930)', '그리스도의 승천(4곡, 1933)'
- 실내악곡: '주제와 변주, 환상곡(피아노, 바이올린, 1932-1933)'
이 시기에 이미 메시앙만의 독특한 화성과 리듬이 나타나기 시작한다. 전쟁 전 메시앙의 음악은 표현주의적인 성격이 강한 음악들이었고, 다소 낭만적인 음악이었다. 메시앙이 만들어 내는 화음은 마치 자연계에 존재하는 '평형의 법칙'을 나타내는 듯 계속적으로 안정적인 화음을 지향하여 움직이지만 평형상태는 곡의 마지막에 존재하고 있을 뿐이었다. 메시앙은 이러한 작곡양식을 평생을 통해 고집했다. 이러한 개성이 잘 나타난 곡으로 1933년에 작곡된 '그리스도의 승천'이 메시앙의 초기 작품 중 가장 뛰어난 것으로 평가받고 있다.
제 2기 : 1936-1948, 새로운 리듬법의 개척
- 성악곡 : '미 (Mi)를 위한 시 (피아노반주 9곡, 1936)', '하늘과 땅의 노래 (피아노반주 6곡, 1938)'
'신의 강림을 위한 세 개의 전례(체임버 오케스트라 반주, 1944)',
'하라위-사랑과 죽음의 노래 (피아노반주, 1945)'
- 실내악곡 : '세상의 종말을 위한 4중주곡 (클라리넷, 바이올린, 첼로, 피아노, 1940)'
- 피아노곡 : '아멘의 환상 (두 대의 피아노, 1943)'
- 관현악곡: '투랑갈릴라 교향곡 (10악장, 1946-48)'
이 시기는 전쟁으로 인하여 자유로운 작곡활동을 할 수 없었던 시기였지만, 세상의 종말을 위한 4중주곡과 투랑갈릴라 교향곡 등 메시앙의 가장 대표적인 작품들이 이 시기에 작곡되었다. 대부분의 작곡동기를 성경에 두고 있던 메시앙으로서는 여러 장애요소가 많기는 하지만 금방이라도 세상의 종말이 다가올 것 처럼 혼란했던 이 시기에 결정적인 음악적 영감을 받았을 지도 모를 일이었다. 세상의 종말을 위한 사중주곡은 특히 요한 묵시록에 기초하고 있으므로 혼란스러운 전쟁상황과 포로신분이 작곡에 어떤 형태로든 영향을 주었다는 것은 의심할 여지가 없는 사실이다.

제 3기 : 1948-1992, 리듬과 그 밖의 요소와의 결합
- 성악곡 : '5개의 르샹(혼성합창, 1949)'
- 피아노곡 : '칸테요자야 (1948)', '4개의 리듬연습곡(1949)' '새의 카탈로그 7권, 13곡, 1956-58)'
- 관현악곡 : '새의 눈뜸(피아노, 오케스트라, 1953)', '이국의 새들(1955-56)' '천국의 색채(1963)',
'크로노크로머(7곡, 1960)', '7개의 하이카이(1962)', '우리들 죽은자의 부활을 기다린다(1964)'
- 오페라 : '아시씨의 성 프란시스(1975-1983)'
전쟁이 끝난 후 메시앙은 교육에도 많은 관심을 보이며 칼 슈톡하우젠이나 피에르 불레즈같은 훌륭한 음악가를 지도하였다. 또한 그에게 많은 영향을 주었던 쇤베르크와는 달리 메시앙은 나이를 먹어 가면서 점차 실험적인 음악에 관심을 기울이기도 하였다. 메시앙은 새 소리를 채보하는데에 굉장한 열정을 보였었는데, 그 활동이 본격적인 음악적인 업적으로 나타나게 된 것도 바로 이 시기의 일이었다. 그는 "나는 새 소리를 두 가지의 다른 방법으로 음악에 사용하였다. 하나는 가능한 한 가장 절대적인 음악적 양식의 윤곽을 그리려 한 것이었고, 다른 하나는 새 소리를 부드럽고, 신축성 있는 물질로서 다룬 것이다(아마도 오늘날의 음악 연구가들이 탐닉하는 전자적인 음악의 합성을 의미하는 것 같다)"고 자신의 새 소리 채보에 대해 이야기 한 적이 있다. 위의 목록은 메시앙의 주된 작품을 망라한 것이며 오르간곡은 모두 빠져 있으므로 메시앙이 작곡을 계속한 시기는 고전음악역사상 모든 작곡가를 통틀어서 가장 긴 편에 속한다고 할 수 있다. 그는 불란서(La Jeune France)악파의 주재(主宰)자이며, 수많은 종교적 작품을 작곡하는 한편 파리 음악원 교수와 교회의 오르가니스트로 분주한 시간을 보내고 있다. 특히 매 주일의 낮 미사 때에는 오르간의 즉흥연주를 하는 것이 그의 임무로 되어 있다. 오늘 날 흔히 교회 안에서 음악을 배운자가 이름 있는 음악가가 되기가 무섭게 교회 문을 나가 버리는 우리네의 경우를 생각해 볼 때 메시앙은 진정한 의미의 교회음악인이며, 20세기의 바하(Bach)라고 말해도 과언이 아닐 것이다. 역대의 수많은 카톨릭 작곡가들 가운데 팔레스트리나, 라소, 몬테베르디, 하이든, 모짜르트, 베토벤, 케루비이니, 슈베르트, 리스트, 베르디, 구노, 생상, 프랑크, 레거어, 포레, 라인베르거, 드보르작, 브루크너, 레스피기, 피제티, 메시앙은 미사곡, 레퀴엠, 모테트 등 위대한 작품을 남겼다. 그 가운데서도 종교적인 기악 작품을 많이 남긴 작곡가는 리스트, 프랑크, 그리고 메시앙이다. 또한 작곡가 자신이 오르가니스트로서 교회를 섬긴 예로 볼 때에 메시앙은 20세기의 프랑크(Cesar Franck)라고도 말할 수 있을 것이다.