코가 찌부러진 사나이(1864년, 대리석, 파리 로댕미술관 소장)



	폴 볼랭이 제작한 로댕상 (석조)

알려 드립니다~~~!!!

먼저 로댕의 작품을 감상하기 전에 여러분들의 이해를 돕기 위해 <로댕 작품 올바른 이해>라는 코너를 마련하였습니다. 작품을 감상하시면서 함께 읽어 보시면 로댕작품을 이해하는데 큰 도움이 될 것이며, 또한 작품세계에 더욱 명료하게 접근할 수 있으리라 생각합니다. 그리고 <로댕 작품 올바른 이해>에서는 (1) 작품을 감상하기에 앞서 로댕의 작품세계 이해하기 (2) 우리 나라 삼국시대 신라(고신라)의 <금동미륵보살 반가사유상>과 로댕의 <생각하는 사람>과의 비교 설명 (3) 오귀스트 르네 로댕과 카미유 클로델 작품에서 느껴지는 유사성 (4) 로댕 브론즈(청동조)작품 중 똑같이 제작된 작품이 많은 이유 (5) 세계의 여러 나라 미술관들이 로댕의 동일한 작품을 소장하고 있는 이유 등의 참고 정보들을 다양하게 올렸사오니 많은 참고 바랍니다.------ 운영자 ------

로댕 작품의 올바른 이해 Ⅰ

  작품을 감상하기에 앞서 로댕의 작품세계 이해하기

  로댕의 예술세계는 아주 다양하므로 어떤 정의를 내리기 어렵다. 로댕은 작업을 하는데에 있어서 19세기와 20세기를 거치면서 과거 유럽조각의 다양한 조류에 민감하지 않을 수 없었다. 그러나 그 개인적 천재성은 동시에 현대적 감각에 충만한 표현양식에의 길을 열어놓았다. 그러므로 아래에 전시되는 로댕작품들은 이와같이 다양한 양상들을 잘 나타내었고, 동시에 로댕의 영원성과 새로움을 보여줄 수 있는 작품들이 중심으로 선정되었다.

  로댕은 작품을 제작하는데에 있어서 줄곧 인물을 대상으로 제작에 몰두하였고, 그리고 인물상에서 실지 인물이나 모델에 대한 정확한 묘사보다 더 깊고 넓은 현실감 넘치는 인물상을 표현하게 된다. 로댕은 항상 자신의 작품에 심리적이고 도덕적인 묘사를 덧붙였기 때문에 홈페이지 방문객들은 그의 작품에 나타난 장식적(裝飾的)이고 상징적(象徵的)인 특징을 우의적(寓意的)인 입장에서 감상할 수 있다고 본다.

장 밥티스트 로댕(로댕의 아버지)의 흉상 (1864년,브론즈, 파리 로댕박물관 소장)

이 흉상은 로댕의 첫 작품으로 간주되고 있다. 그 로마풍의 생김새가 너무나 뚜렷하기 때문에 제작 연도가 논란의 대상이 되어 있다. 그러나 <코가 찌그러진 남자>도 동일한 기법을 사용하고 있다는 점에서 이 로댕의 아버지의 흉상도 초기의 작품이 아닌가 한다. 로댕의 말에 의하면 그의 아버지는 작품에서 머리를 빡빡 깎아 버린 자기 자신의 모습, 특히 구렛나루를 깎아 버린 모습을 그다지 좋아하지 않았다고 한다.

코가 찌부러진(깨진) 사나이(1864년, 대리석, 파리 로댕박물관 소장)

생 마르세구에서 "비비"라는 별명으로 통하던 이 호인다운 노인은 자기의 마스크를 만들도록 모델이 되어 주었다. 추위 때문에 찰흙에 금이 가 머리 뒷부분이 떨어져 나가자 로댕은 이 작품을 마스크로 제작, 살롱전에 출품했으나, 입선되지 않았다.
이 얼굴이 만들어진 것은 로댕의 작품 활동 초기로 생계를 이어가기가 매우 어려운 때였다. 그는 버젓한 모델을 구할 수 있는 돈이 없었기 때문에 이웃집에 사는 비비라는 가난한 노인의 얼굴에서 착상을 얻었다. 그러나 난방 시설이 없는 아틀리에는 너무 추워서 비비의 머리를 빚은 점토가 얼어 갈라졌으며 두개골은 깨지고 간신히 얼굴만 지탱할 수 있었다. 그래서 코가 깨진 이런 얼굴의 형태가 되고 말았다.
그는 이런한 얼굴을 탄생시킨 후 계속해서 시리즈로 이 작품을 제작하였는데 나중에는 대리석으로 조각한 <코가 깨진 남자>는 드디어 살롱전에 입선하였다.
그리고 이 작품은 1880년 <지옥의 문>의 제작 때 계속 사용되어 <생각하는 사람>의 바로 옆에 배치되게 하였다.

젊은 여인의 초상 (1865년, 테라코타, 파리 로댕박물관 소장)

21세 때 처음으로 제작된 젊은 모습의 Rose Beuret의 초상으로, 그녀는 53년간의 충실한 내조 끝에 1917년 2월, 죽기 며칠 전에 정식으로 로댕과 결혼한다. 작품을 설명한다면, 장미와 백합 다발, 그리고 나뭇잎 몇 장이 소녀의 모자를 장식하고 있으며 소녀가 두른 스카프는 리본으로 묶여 있다. 테라코타로 제작된 이 흉상은 아직 앳 된 소녀티를 벗지 않은 고운 얼굴을 소박하게 표현하고 있다. 1865년에 제작된 이 작품은 로댕의 초기 작품에 속하는 것으로 로댕의 원숙기에 보여지는 남성적인 역동성보다는 유려한 선, 부드러운 모델링이 한층 더 돋보인다. 살아 있는 사람의 숨결과 인상이 그대로 느껴지는 수작이다.

이 작품의 실제 모델은 마리 로즈 뵈레로서, 평생 로댕 곁을 지켰던 그의 부인이다. 로댕과 마리 로즈 뵈레는 평생을 동거하였으나, 로즈가 죽던 해에야 정식으로 결혼하여 늦깍이 부부가 된다. 이 작품이 제작될 무렵 로댕은 처음으로 살롱에서 입선하여 정신적으로 고무되어 있었으며, 또한 살롱의 성공과 함께 흉상들의 주문으로 재정 형편도 점차 안정되어 가고 있었다. 그러한 생활의 안정은 작품 속에서 여유와 평화스러운 분위기로 표출되었다.

이 작품은 젊은 날 로댕이 그의 부인을 처음 만났을 무렵의 설레임이 엿보이는 아름다운 작품으로서 프랑스 조각가 존 밥티스트 카르포(Jean-Baptiste Carpeaux 1827∼1875)와 Carrier-Bellouse의 장식적인 부분에서 많은 영향을 받았다.

설교하는 성 요하네 (1870년, 브론즈, 파리 로댕박물관 소장)

몸은 <걷는 사람>으로 하고, 얼굴은 그의 친구 Danielli를 모델로, 몸가짐은 이탈리아 사람을 모델로 한 작품으로 원래 어깨에 십자가를 메도록 구상하였으나 전체적인 동작이 깨지게 되어 로댕은 그것을 없앴다. 이 작품은 로댕의 화실에 모델이 되겠다고 찾아왔던 농부 세자르 피냐텔리를 보고 영감을 받아 제작한 작품이다. 피냐텔리는 전혀 모델 경력이 없었던 농부였지만, 로댕은 꾸밈없는 그의 자연스러운 자세가 오히려 마음에 들어 그를 모델로 삼았다고 술회하기도 하였다.

  이 작품은 비슷한 시기에 제작된 <청동 시대>, <걷고 있는 남자> 등의 작품과 함께 로댕의 인체 해부학에 대한 진지한 탐구를 잘 보여준다. 그는 과거의 거장들이 과장되게 근육을 묘사하였던 것과 달리 사실성에 기초한 조각을 제작, 동시대 화가들과 마찬가지로 조각 분야의 리얼리즘을 선도하였다.

설교하는 성 요하네 2 (1870년, 브론즈, 파리 로댕박물관 소장)

<청동시대>와 마찬가지로 <설교하는 성 요하네(세례 요한)>도 미켈란젤로 등 르네상스 시대의 여러 조각가들의 영향을 많이 받은 작품 중에 하나다.

여인의 흉상 (1875년, 테라코타, 파리 로댕박물관 소장)

로댕이 제작한 테라코타 작품 중의 하나로 그의 친구인 심슨부인을 모델로 제작한 흉상 작품이다. 나중에 이 작품은 심슨부인을 위해 그녀에게 기증이 되었다. 이 작품에서 로댕은 모자 위의 장식에 특히 신경을 쓴 흔적이 보인다. 로댕은 장미꽃이나 포도잎사귀 몇 개를 보태거나, 리본 등으로 매듭을 지어 머리 전체의 느낌을 다르게 표현하곤 하였다.

Ixelles의 전원시 (1876년, 브론즈, 파리 로댕박물관 소장)

<소학원>에서 18세기의 큐피트상을 연구한 후 로댕은 자신의 독자적인 큐피트상을 만들게 되었다. 로댕은 1871년에서 1876년까지 벨기에에 있는 동안 그림을 그리고 조각상 제작은 프랑스로 돌아간 후에 기념물로 장식할 때 이를 사용했다.



청동 시대(靑銅時代)( (1876년, 브론즈, 파리 로댕박물관 소장)

이 작품은 로댕이 만든 최초의 입상(立像)으로, 그의 가장 유명한 조각품 중의 하나이다. 1870년도 살롱전에 출품했을 때 이 조각이 너무나 완벽하게 인체를 표현하였다고 하여 무명의 작가인 로댕이 살아 있는 인체를 그대로 형을 떠낸 작품이라 하여 비난을 많이 받았던 작품이다. 사실 이 작품은 네이(Auguste Neyt)란 젊은 군인을 모델로 <패배자>란 명칭으로 제작되어 브뤼셀 살롱전에 출품하였으나, '실물에 의한 주조'로 비난을 받자 로댕은 <청동시대>로 이름을 바꿔 파리 살롱전에 출품하였다. 원래 이 작품은 헤리클레스나 프로메테우스와 같은 영웅이 아니라 보불전쟁(프로이센(독일) 비스마르크의 엠스전보사건에 대응하여 프랑스의 나폴레옹 3세는 1870년 프로이센에 선전포고를 했으나 프랑스의 패전으로 파리에 공화정이 선언되고 국방정부가 성립되었다.)에서의 패배로 패배의식이 가득한 프랑스 민중들에게 용기와 힘을 다시 불어 넣고자 제작한 비애로 가득찬 근대인, 즉 이름없는 아폴로를 형상화한 것이라 할 수 있다.

Bellona (1878년, 테라코타, 파리 로댕박물관 소장)

로댕은 이 작품을 공화국을 상징케하는 흉상으로서 파리의 13구청에 기증하기 위해 제작한 것으로 사자의 갈기로 장식된 투구와 깊게 패인 강렬한 눈 등을 아주 극적으로 묘사하고 있다. 그러나 이 작품은 평온한 공화국을 상징하기에는 너무 고통받는 표정을 짓고 있어서 제목을 전쟁의 여신인 <벨론>으로 지었다. 이 작품은 Rose Beuret를 모델로 하여 만든 것으로, 여기서 그녀의 모습은 매우 긴장되고 상기되어 있다. 그리고 그녀의 얼굴에서는 나이와 고생의 자국이 잘 나타나 있다. 이 Rose Beuret의 초상에 나타나 있는 어떤 서러움은 로댕이 1860년에 그린 그의 어머니 마리의 모습을 연상케 하고 있다.

무기를 들어라 (1878년, 브론즈, 파리 로댕박물관 소장)

우의적(寓意的)인 이 작품은 1870년의 보불전쟁(프러시아(독일제국)와 프랑스간의 전쟁)에서 파리시를 방어한 것을 기념하기 위한 국방 기념비로 제작된 것으로 살롱전에 출품되었으나 제대로 심사평을 받지 못하고 홀대받은 작품이다. 그러나 1916년에 이것을 확대한 작품이 <Verdum의 수비>라는 제목으로 1922년에 이르러 그 전쟁터에 세워졌다. 이 작품은 죽어가는 전사와 파리시를 상징하기 위하여 프리지아 모자(프랑스 혁명 당원들이 즐겨 쓰던 붉은 모자)를 쓴 싸우는 수호신을 나타내고 있다.밑의 털썩 주저앉은 전사의 모습은 틀림없이 미켈란젤로의 <피에타>에서 영감을 얻었을 것이라 생각한다. 즉 <피에타>의 그리스도는 이 전사의 모습인 것이다.

무기를 들어라 2 (1878년, 브론즈, 파리 로댕박물관 소장)

1870년 프랑스와 프러시아 사이의 전쟁에서 파리시를 방어한 것을 기념하고자 파리시가 기념비 선정을 위해 개최한 공모전에 출품한 작품이다. 죽어가는 전사와 파리를 상징하기 위해 프리지아 모자(프랑스 혁명당원이 쓰던 붉은 모자)를 쓴 싸우는 수호신으로 구성되어 있다.

설교하는 성 요하네 (St. John the Baptist) 두상 (1878년, 석고조, 파리 로댕박물관 소장)

  Pignatelli라는 이름을 가진 Abruzzi출신의 건장한 농뷰인 그는 옷을 벗고 모델 스텐드로 올라가서 똑바른 자세를 취한다. 그리고는 고개를 쳐들고 줄곳 말을 하면서 팔을 마구 휘저으며 앞으로 나가고 있다. 헝클러진 머리에 눈을 번뜩이는 모습이 마치 야만인 같은 느낌을 준다. 오귀스트 로댕은 이 모델의 모습을 보고 꼭 늑대같은 느낌이 난다고 하였다. 원래 이 작품의 제목은 <사막에서 설교하는 성 요하네>로 하고, 어깨에 십자가를 메도록 구상하였으나 동작이 깨지게 되어 로댕은 그것을 없애 버렸다. 이 작품은 <설교하는 성 요하네>의 모습 중 일부인 두상 작품이다.

아담 (1880년, 브론즈, 뫼동 로댕박물관 소장)

로댕이 이탈리아 여행에서 돌아와 아담의 상을 조각하였지만 마음에 안들어 깨뜨려 버렸다. 처음에는「원시인 」, 「창조」라는 제목을 붙여 문 위에 <세 명의 망령>에 배치할 생각으로 제작하였다. 이 상은 흔히 "노예'의 모습과 같을 정도로 미켈란젤로의 스타일에 매우 가깝게 느껴진다.
<지옥의 문> 문짝에 조각되어 있으며, '이브'와 함께 지옥에 떨어진 사람들의 고통을 상징적으로 나타내고 있다. 1875년 로댕은 이탈리아 여행 중 그리스의 조각 작품들이 아름다움과 죄에 대한 기독교적 의식을 결합시킨 미켈란젤로의 작품 <아담과 이브>를 성 시스티나 성당에서 보았다. 로댕은 그의 작품 <아담과 이브>를 제작하기 위해 미켈란젤로의 <아담과 이브>의 특징과 해부학적 형태를 정확히 기억해 냈다. 즉 앞으로 뻗친 집게 손가락은 미켈란젤로의 벽화 <천지창조> 중 <아담의 창조>에서 하느님이 아담에게 생기를 불어넣고 있는 것을 나타내며, 구부린 다리와 뒤틀린 왼쪽 팔, 어깨에 떨어뜨린 머리 등의 모습은 프랑스 바로크 시대 조각가 피에르 퓌세가 제작, 마르세이유 미술관에 소장된 <반인반수(半人半獸)>의 모습을 닮고 있다.

세 망령 (1880년, 브론즈, 파리 로댕 박물관 소장)

<지옥의 문> 맨 위에 있는 세사람은 단테의 시에서 유추해 보자면 자신의 고통을 이야기하는 지옥에 떨어진 사람들 틈 속에서 도망치는 망령들을 나타낸 것이라 볼 수 있다.
  1880년 무렵 로댕이 제작한 다른 많은 작품들처럼 미켈란젤로의 영향을 많이 받은 작품이라 할 수 있다. 강건하고 근육과 약간 뒤틀린 형태는 작품 <아담(Adam)>과 함께 줄리어스 2세 교황의 무덤을 위해 미켈란젤로가 제작한 <노예들>과 비슷한 점이 있다.

생각하는 사람 (1880년, 브론즈, 파리 로댕박물관 소장)

     <--이 쪽을 누르시면 자세한 내용을..
처음 <지옥의 문>을 구상하면서 작품에 들어 갈 부분 작품들을 한 작품, 한 작품 씩 제작해 나갔다. 이 작품도 그 작품들 중 일부이다. <지옥의 문>의 중앙에 있는 인물로 지옥에 자신의 몸을 내던지기 전에 자신의 운명에 대해 심각하게 고민하고 있는 인간의 내면 세계를 긴장감있게 표현한 작품. 이 작품은 미켈란젤로의 <생각하는 사람>과 비슷한 서글프고 체념에 찬 인간의 고독과 집중적인 정열이 잘 나타나 있다.
6미터가 넘는 거대한 문의 위쪽 팀파늄의 중앙에 홀로 외로이 앉아있는 이 누드의 남성은 자신의 발 아래로 펼쳐지는 지옥의 풍경, 특히 시인 단테의 <신곡>의 '지옥'편에 등장하는 <파올로와 프란체스카>와 <우골리노와 아들들> 등 저주받은 인간 군상들을 힘없이 내려다 보고 있는 모습이다. 1880년 로댕은 장식미술관의 문을 장식할 조각을 주문 받자마자 점토로 몇 개의 모형(에스키스)을 제작하였는데 세 번째 모형부터 <생각하는 사람>의 모습이 나타나고 있음을 알 수 있다. 원래 이 생각하는 사람의 모습은 단테의 <신곡> 지옥편에 나오는 저승의 음산한 심문자, 즉 죽은 사람들의 영혼을 심문하는 미노스(Minos)의 모습으로부터 나온 것이 아닌가 생각한다. 턱을 괴고 깊은 상념에 잠긴 사람의 형상은 특히 르네상스 미술에 많이 나타나고 있는데 도상해석학적 관점에 따르자면 이러한 도상은 모두 고대 그리스, 로마시대부터 내려온 체질론 중 우울질과 밀접한 관련을 갖고 있다. <생각하는 사람>은 <지옥의 문>으로부터 분리되어 여러 개로 제작되었으며, 1904년에 대형의 석고상으로 확대된 작품은 1906년에는 브론즈로 주조해 파리의 판테옹 앞에 설치되었다가 로댕이 죽은 후 뮈동의 로댕미술관(로댕의 묘소)으로 이전되었다.

생각하는 사람 (1880년, 석고조, 파리 로댕박물관 소장)

너무나 유명한 작품으로 정문을 통해 들어서면 오른쪽으로 돌아가면 정교하게 다듬어진 화단 안쪽에 보인다.

처음 <지옥의 문>을 구상하면서 작품에 들어 갈 부분 작품들을 한 작품, 한 작품 씩 제작해 나갔다. 이 작품도 그 작품들 중 일부이다. <지옥의 문>의 중앙에 있는 인물로 지옥에 자신의 몸을 내던지기 전에 자신의 운명에 대해 심각하게 고민하고 있는 인간의 내면 세계를 긴장감있게 표현한 작품으로
이 작품은 미켈란젤로의 <생각하는 사람>과 비슷한 서글프고 체념에 찬 인간의 고독과 집중적인 정열이 잘 나타나 있다. .

(확대사진을 감상하시려면 그림을 떠블클릭 하세요~!! *^^*)

로댕 작품의 올바른 이해 Ⅱ

우리 나라 삼국시대 신라(고신라)의 <금동미륵보살 반가사유상>과 로댕의 <생각하는 사람>과의 비교 설명

우리 나라의 <금동미륵보살 반가 사유상(金銅彌勒菩薩半跏思惟像) >과 로댕의 작품 <생각하는 사람>을 비교해 보면, 먼저 <반가 사유상>은 관념적인 인간의 세계를 실존적으로 형상화 내지는 고뇌로부터 초탈하는 인간의 모습을 정신적인 사유로 나타낸 것이지만 <생각하는 사람>은 단테의 신곡을 주제로 <지옥의 문>에 여러 인간들의 고뇌를 바라보며 깊이 괴로움에 빠진 왜소할 수밖에 없는 한 인간의 외로운 모습을 서양의 이상적인 아름다운 근육미에 의해 물질적으로 나타낸 것이 아닌가 한다.
원래 서양인들은 조각에 있어서 육체와 물리적인 힘을 숭상하여 육체가 인간의 실존을 상징하는 것에 관점을 두고 표현하였고, 우리 나라를 비롯한 동양에서는 육체에 별다른 의미나 가치를 부여하지 않고 정신과 신체와의 합일 및 조화를 추구하여 서양의 이상적인 아름다움과 동양의 정신적인 아름다움의 차이를 인체를 통해 느낄 수 있다.
그리고 <반가 사유상>은 직관적 명상의 정형이라면 <생각하는 사람>은 논리적 사고의 전형적인 표현이라 할 수 있겠다.

돌을 지고 있는 여인상 (1880-1881년, 브론즈, 파리 로댕 박물관 소장)

이 작품은 <지옥의 문> 왼쪽 기둥 꼭대기에 주름에 약간 가려진 채로 건축물과 잘 조화를 이루고 있다. 1883년부터 로댕은 이 주제를 소재로한 작품을 출품하였는데 그는 여인좌상의 오래된 주제-즉 그리스 조각에 나타난대로 물건을 나르는 여인의 모습-를 전체적으로 새롭게 재창조하였다. 로댕 자신은 작품 생활 초기에 브뤼셀에서 장식적이고 근육이 발달한 역학적인 여인좌상을 빚었었다. 인간의 존재를 억누르고 있는 절망감을 표현하기 위해 로댕은 이 여인이 돌의 무게 때문에 지치고 찌그러진 모습을 하고 있도록 표현함으로써, 마치 여인이 운명 때문에 슬픔에 잠겨 있는 것처럼 표현하였다. 로댕은 돌 대신 유골단지를 메고 있는 다른 여인의 모습을 제작하기도 하였다.
  1909년 가을 살롱전 때 정부에서 이를 3,000프랑에 구입하였다. 이 작품은 <지옥의 문>에 들어갈 작품으로 제작하였는데 로댕은 끝내 완성을 보지 못하였다.

돌을 지고 있는 떨어진 여인상 (1881년, 도금한 브론즈, 파리 로댕박물관 소장)

이브 (1881년, 브론즈, 필라델피아 로댕박물관 소장)

로댕 작품 중 가장 유명한 것 중의 하나로서 세계 최고의 걸작으로 손꼽히는 작품으로 평가받고 있다.이 작품의 모델인 Judith Cladel이라는 이탈리아 여자가 도중에 임신을 해 인체의 부피가 커지게 되었으며, 해산이 가까워 지면서 커진 골반이 약간 처져 있는 모습이 오히려 인류의 어머니로서의 <이브>의 개념을 적절하게 강조하고 있다. 일설에는 이 이탈리아 모델이 임신했다는 사실이 드러나자 로댕이 모델을 내쫓고, 모델없이 기억에 의존하여 이 작품을 완성했다는 이야기도 있다. 어쨋든 이 작품이 매일 변해가는 모델의 신체상태에 따라 세부묘사보다 전체 형태에 주력했던 까닭에 작가의 손자국이 그대로 남아있어 작품의 터치와 질감이 더욱 분명하게 잘 나타나고 있다.
서양의 기독교적 세계관으로 볼 때, 원죄의 근원인 이브는 인류의 어머니이며 동시에 인류를 괴롭히는 모든 불행의 씨앗이다. 이런 이유로 <이브>가 <지옥의 문>에 묘사되어 있는 것은 자연스럽다고 할 수 있다.

  전체적으로 미켈란젤로의 영향을 받은 이 작품은 부끄러움과 회한을 나타내는 모습이 민감하게 드러나면서, 이 조각과 짝을 이루는 <아담>보다 더욱 독창적인 특징을 가지고 있다. 로댕은 조각을 하는 것보다 조각의 원형을 만드는 것이 더 뛰어났는데, 이 작품도 처음엔 석고로 만들었다가 나중에 청동으로 주조한 것이다. 로댕은 표면을 아름답게 하기 위해서 이러한 제작 과정을 선호하였다.



이브 2 (1881년, 브론즈, 파리 로댕박물관 소장)

1881년에 제작된 <이브>는 <아담>과 같이 <지옥의 문> 옆에 놓이도록 계획되었다. 이 상의 모델이 된 이탈리아 여인의 포동 포동하고 탄력있는 근육을 지나치게 강조한 나머지 나중에는 모델의 크기가 점점 더 커져만 갔다. 로댕은 부피를 계속 수정하다가는 그녀가 임신 중임을 실토하고 모델을 그만두자(이 내용에서는 임신중인 모델이 벗은 상태로 오랫동안 서있기 힘들어서 스스로 그만 두었다는 로댕의 이야기와 임신한 사실이 드러나자 그 즉시 모델을 내쫓았다는 그 당시 주위 사람들의 이야기가 전해 내려오는데 그 진실은 후세사람들이 판단하리라 믿는다.) 로댕도 이 작품을 미완성으로 남겼다. 그리고 나중에 이 작품의 두 점의 변형작이 만들어지게 된다.

우골리노(Ugolino:1882년, 브론즈, 파리 로댕박물관 소장)

이 작품은 <지옥의 문>의 왼쪽 문에 배치된 것으로 <설교하는성 요하네>의 모델이 된 이탈리아 사람 Pignatelli가 모델이 되었다. Dante의 <신곡>에서 자기 자식들과 함께 옥에 갇힌 Ugolino가 죽은 자식을 하나씩 차례로 먹어 치우는 장면을 표현하였다. 13세기 이탈리아 두 도시국가들간의 전쟁에서 생포된 우골리노 델라 게라르데스카는 반역죄를 선고받고, 두 아들 및 손자 두 명과 함께 피사에 있는 기아의 탑에 투옥이 되었다. 탑의 열쇠는 강으로 내던져졌고 그들은 서서히 아사상태에 이르렀다. 이렇게 되자 아이들의 죽음을 목격한 우골리노는 죽기 전에 그들의 시신을 먹었다. 교회가 금기시한 이러한 행동 때문에 그는 지옥으로 보내졌다. 이 내용은 단테의 <신곡>의 지옥편에 나오는 내용이다.

나는 아름답다 (1882년, 브론즈, 파리 로댕 박물관 소장)

오! 인간들이여! 나는 꿈꾸는 석고상처럼 아름답다.
모든 사람들을 상심하게 하는 나의 가슴은 시인에게 사랑 이야기를 불러 일으키게 하기 위해 생겼다.
물질같이 영원하고 말이 없는 사랑을........
이 2인상은 <지옥의 문>오른쪽 기둥 꼭대기에 있는데 <떨어지는 사람>과 <웅크린 여인>으로 각각 한 사람씩의 독립된 작품으로도 제작되었다.각각 다른 작품들을 서로 결합 및 접합시키는 기법은 로댕이 자주 사용한 기교로, 여기서는 놀라운 동질성과 강력한 힘의 효과를 나타낸다. 원래의 제목은 <납치>였다. 지금의 제목은 보들레르의 시 <아름다움>에서 따온 것으로 첫 번째 시행(詩行)이 받침돌 위에 새겨져 있다. 그러나 이 시와 조각 사이에는 아무런 관련이 없고, 다만 보들레르의 시<악의 꽃>이 유행하던 시기에 만든 작품이라는 것만을 연관 지어 생각해 볼 수 있다. <악의꽃>의 영향은 로댕의 <저주받은 여인들>이란 작품에도 민감하게 나타난다.

떨어지는 사람 (1882년, 브론즈, 파리 로댕 박물관 소장)

육상 선수의 모습인 이 작품은 <지옥의 문> 왼쪽 문짝 위에 상체를 뒤로 젖히면서 허공을 떨어져 내리는 모습이다. 힘이 강하고 역학적인 근육을 가진 사람을 묘사함으로써 로댕에게 많은 영향을 준 미켈란젤로의 작품 세계를 반영하는 대표적인 작품중의 하나이다.
로댕은 또 시인 샤를르 보들레르의 시집 <악의 꽃>에 있는 시에서 영향을 받아 그에 대한 영감으로 <나는 아름답다>는 작품을 제작하는데, 그것도 역학적인 긴장을 나타내기 위하여 상체를 뒤로 젖힌 모습을 하고 있다.

팀파눔 왼쪽 끝에 필사적으로 매달려 있는 <아델의 토르소> 처럼 문짝 틀에서 등장하는 <추락하는 사람>은 <지옥의 문> 에서 가장 극적인 형상 가운데 하나이다. 그것은 제시 립스콤이 1887년 로댕에게서 보낸 사진에서 분명히 볼 수 있듯이 작업 처음 단계에서부터 존재하였다.
그러나 이 인물 주변의 패널 꼭대기는 비어 있었고, 이 부분이 작은 인물들로 꽉 채워진 것은 완성작에서 였다.
현재 우리가 알고 있는 <문>에는 <추락하는 남자> 형상이 두 번 나타난다. 오른쪽 기둥 위쪽에 있는 <추락하는 남자>의 형상은 1887년의 <생각하는 사람> 오른쪽에 이미 있었던 <웅크린 여인>과 결합되어 <나는 아름답다>라는 유명한 그룹을 형성했다.
독립적으로된 <나는 아름답다>의 받침대에는 보들레르의 시 『악의 꽃』 중 '깊은 심연에서'의 네 구절 "오 인간들이이여, 나는 돌의 꿈처럼 아름답다네. 모든 이들을 상심케 하는 나의 가슴은 시인에게 물질과 같이 영원하고 침묵하는 사랑을 불러일으키기 위해 만들어졌다네."가 씌여 있다.

Mask of Madame Rodin (1882년, 석고, 미국 필라델피아 로댕박물관 소장)

로댕의 영원한 연인이었으나 로댕의 혼인에 대한 무관심과 인격적 무시로 인하여 로댕과 사는 54년동안 한 번도 로댕으로부터 부인으로서 따스한 사랑을 받지 못하고 1917년에 사망하게 된다. 그리고 로댕이 유명해 지면서 로댕 주변에는 항상 카미유 클로델 등 여러 부류의 여성들이 맴돌았다. 이때에도 실제부인(결혼은 로댕의 거부로 하지 못했지만)으로서 당당하게 이야기하지 못했던 그녀는 말년에 이르러 그녀가 사망하기 직전에 로댕으로부터 결혼허락이 떨어지면서 힘들었던 동거생활을 청산하고 정식 결혼을 하게 된다. 이 작품은 로즈뷔레가 36-38세 때 로댕이 제작한 두상 작품이다.

Albert-Ernest Carrier-Belleuse (1882년, 대리석, 미국 필라델피아 로댕박물관 소장)

그 당시의 인기있던 조각가로서 Paris Sevres국립 도자기 제작소의 미술 책임자였던 Carrier-Bellouse가 벨기에 부뤼셀에 정착하여 작업소를 내자 나중에 그의 휘하에 들어간 로댕은 처음에는 부하직원으로서 자신이 제작한 작품에 Carrier-Bellouse의 싸인을 넣어 판매하였으나 파리에서 굶고 있는 가족들 때문에 자신의 싸인을 넣어 Carrier-Bellouse 몰래 판매하여 집으로 생활비를 보내다가 적발이 되어 Carrier-Bellouse작업소에서 나온다. 그러나 로댕은 브뤼셀의 미술청이 Carrier-Bellouse의 동업자인 Rasbourg에게 일을 맡기면서 그의 능력을 잘 알고 있는 Rasbourg이 로댕과 동업하여 로댕이 독자적인 싸인으로 작품 제작하면서 로댕은 직접 조각 제작자로서 그 시기 문화의 중심지로 발전한 브뤼셀에 진출하게 되었다.
이렇게 되면서 그 동안 경제적으로 궁핍했던 로댕에게 커다란 수입을 보장하게 됨과 동시에 조각가로서 그 중요한 위치를 서서히 차지하게 되었다.

절망하는 청년 (1882년, 브론즈, 파리 로댕박물관 소장)

  탄원하는 듯한 자세와 몸짓은 <탕아>의 습작에 가깝게 느껴진다. 그러나 죠르쥬 그다프는 <위골랭의 아들>을 제작하기 위한 습작으로 말하기도 한다. 지옥에서 자신의 구원을 매우 애뜻하게 호소하는 듯한 포즈를 하고 있는 작품이다.

Camille Claudel (1884년, 브론즈, 파리 로댕박물관 소장)

로댕의 연인 카미유 클로델의 젊은 모습을 표현한 것으로 이 머리의 모습은 <늙은 창부(娼婦)>와 같은 시기에 제작된 작품인데 여기에서는 그의 강력한 사실주의적 대조를 잘 나타내고 있다.

저주받은 여인 (1885년, 브론즈, 파리 로댕 박물관 소장)

이 작은 조각은 <지옥의 문>의 배경을 만들기 위해 제작한 많은 소품들 중에 하나이다. 두 사람의 동작이 <지옥의 문>에 다양한 형태로 나타나기 때문이다. 분명히 로댕은 보들레르의 시집 <악의 꽃> 중 이 작품과 같은 제목을 가진 시에서 영감을 받았다. 보들레르의 영향이 조각에 뚜렷이 나타나고 있으며 이 아름다운 여인의 육체는 이 작품에 묘사된 바와 같이 로댕 자신 스스로를 매혹시킨 작품이다.

칼레의 시민(1885년, 브론즈, Richelieu광장과 영국 런던의 Victoria Tower Garden에 설치)

  <-자세한 내용은 이쪽을 클릭하시면 됩니다....

  원래 북프랑스 칼레시의 광장에 놓여있는 기념상으로 로댕의 걸작 중 하나이다. 14세기 중엽 칼레시는 영국군의 침입을 받아 함락되는데 그때 전시민을 위해 희생의 제물이되어 적진으로 향한 6인의 시민들의 심리적인 모습을 표현한 작품이다.
6명의 영웅적인 인물이 군중의 전송을 받으며 죽음이 기다리는 영국군 진지를 향해 행진하는 모습이다.
14세기 영국왕 Edward3세는 영불전쟁 때 칼레시를 점령하면서 시민 전체의 목숨을 담보로 6명의 시민대표가 시의 열쇠를 가지고 영지로 와 항복하고 사형을 받을 것을 요구하였다. 작품은 죽음의 길로 자신의 발걸음을 옮기는 6명의 영웅들의 비장한 모습이 잘 나타나 있다. 이 작품은 로댕이 칼레시의 위촉을 받고 제작하였으며 전처럼 사람들의 비난은 받지 않았다.

유스따슈 드 생 피에르(Eustache de St Pierre)(69×31×26)(1885년, 브론즈, 파리 로댕 박물관 소장)

로댕이 영감을 받았던 칼레시(市)에 대한 영국군의 포위를 기술한 중세사가(中世史家) 프라사르에 의하면 이 사람은 칼레시에서 가장 부유한 인물이었다. 그러나 그는 영국의 포위에 떨고 있는 사람들을 구하기 위해 제일 먼저 희생할 것을 결심한 사람이다. 로댕은 유스따슈를 6명중 가장 연장자로 묘사했다. 그러나 선조들의 영웅적인 행동을 미화시키기를 바라는 칼레 시민들은 유스따슈가 너무 체념한 표정을 하고 있다고 생각하였다. 원래는 칼레시(市) 당국에서 칼레시의 귀족출신이었던 유스따슈 드 생 피에르의 영웅적 활동을 기념하려고 그의 기념동상을 세우려 했으나, 생 피에르시(市) 주민들의 반발로 서민들의 대표 5명을 함께 제작하였다.

앙드리에 당드르(Andrieus D'Andres)(61×22×42)(1885년, 브론즈, 파리 로댕 박물관 소장)

첫 번째 모형을 제작할 때부터 로댕은 이와 같이 절망적인 자세로 움직이지 않고 있는 형태를 선택했다. 사형의 시기가 다가오자 머리를 감싸며 괴로워 하고 있는 앙드리에 당드르. 이 작품에서 어디를 봐도 시당국이 요구하는 그러한 영웅적인 모습은 간데없고 한 사람의 나약한 인간의 왜소한 모습을 진실되게 잘 표현하고 있다.  이 작품에 대해 당시 칼레시(市) 어느 신문은 다음과 같이 썼다. "절망감을 못 이긴 나머지 이 불행한 인물은 너무 몸을 수그렸기 때문에 자신을 기다리고 있는 고통의 늪 속으로 빠져 버릴 것만 같다." 이런 결점은 후에 수정되었다.

자끄 드 위쌍(Jacques de Wissant)(68×22×34)(1885년, 브론즈, 파리 로댕 박물관 소장)

옷자락이 아름답게 흔들리며 걸어가고 있는 모습을 하고 있는 이 작품은 기념상에 적합한 자세이나 이 작품을 만들기 위한 습작은 남아 있는 것이 없다. 영국 왕이 제시한 항복조건을 들은 시민 중에서 가장 부유한 유스따슈 드 생 피에르가 먼저 지원을 하자 그의 용기에 감탄한 나머지 시민들도 함께 동참하게 된다. 자끄 드 위쌍 형제들도 시민들을 위하여 과감하게 목숨을 바칠 것을 약속하고는 목에 밧줄을 건 채 에드워드 3세 진영으로 묵묵히 걸어 가고 있다.

피에르 드 위쌍(Pierre de Wissant)(70×29×29)(1885년, 브론즈, 파리 로댕 박물관 소장)

현세의 행복을 포기해 버린 듯 팔을 구부리고 있는 독특한 형태로 구성된 이 작품은 비장감이 매우 짙게 감돌고 있음을 보여준다.

장 드 피엥스(Jean de Fiennes)(28×19×18)(1885년, 브론즈, 파리 로댕 박물관 소장)

그는 여기에서 너무 허망한 표정과 모습을 하고 있어 조국 프랑스와 칼레 시민들에 대한 애증을 잘 나타내고 있다. 그는 피에르 드 위쌍과 형제지간이다.

쟝 데르(Jean d' Aire)(1885년, 브론즈, 뫼동 로댕박물관 소장)

<칼레의 시민> 중 한 사람인 Jean d' Aire(쟝 데르)가 목에 밧줄을 걸고 칼레시의 열쇠를 쥔 채 비장한 표정으로 걸어 가고 있는 모습이 사실적으로 표현된 작품이다. 몸 전체에 슬픔의 빛이 가득하고 눈 가장자리에 울퉁불퉁 솟아 있는 것은 영웅에게는 용납되지 않는 슬픔의 눈물이라고 하여, 비판자들의 비난을 받았다. 로댕은 이 후 사람들의 이러한 비난을 염두에 두고 최종 작품에서는 장 데르를 야성적인 힘이 넘치는 강인한 인물로 묘사하였다.

< 이들 인물들에 대한 자세한 설명과 사진자료들은 위쪽 <칼레의 시민>의 'LINKS'를 클릭하시면 자세히 볼 수 있습니다.>

순교자 (1885년, 브론즈, 파리 로댕박물관 소장)

로댕은 <지옥의 문> 안쪽에 이 '지옥에 떨어진 영혼'을 배치하였는데 이 작품은 성스럽게 희생된 순교자의 모습을 나타내었다. 안타깝게 밑으로 떠어지면서 위를 바라보며 절규하는 순교자의 모습에서 비애와 고통으로 가득찬 인간의 처절한 모습을 잘 나타내고 있다.

님프를 깨우는 아이리스 (1885년, 브론즈, 미국 브루쿨린 미술관 소장)

  로댕은 물의 요정 및 박카스신(神)의 여사제(女司祭) 등을 상기시키는 주제에 항상 관심을 가지고 이었다. 그 중 다른 많은 작품들처럼 전에 제작된 작품 중의 한 부분을 모델로 삼은 작품이다.서로 얽혀 있는 두 여인은 어우러진 님프와 아이리스의 모습을 재현하고 있다. 이 브론즈상은 굽은 선과 굴곡을 좋아하는 19세기 말의 새로운 예술 사조와 매우 부합한다. 두 여인의 아름다운 육체로 상징되는 인간 환상은 관능(官能)과 서정적(抒情的) 정서(情緖)로 인해 더욱 빛을 발하고 있다.

명상 (1885년, 브론즈, 파리 로댕박물관 소장)

  이 나체 여인상은 로댕이 가장 많이 사용한 형상 중의 하나이다. 그중 <팔이 없는 사람의 명상>이란 제목도 있다. 비스듬히 굽어진 몸체와 왼쪽 다리의 특이한 자세때문에 힘찬 생명력이 엿보이는 이 작품은 로댕 작품의 특유의 볼륨감이 잘 나타나 있다.

늙은 창부(娼婦) (1885년, 브론즈, 파리 로댕박물관 소장)

이 작품은 로댕이 Francois Villon의 발라드에서 착상해서 제작한 것이다. Mirbeau는 Edmond de Goncourt에게 로댕이 80세에 가까운 이 늙은 모델을 사용하게된 경위를 말하였는데, 이 늙은 여인은 이탈리아 출신으로서 파리에서 미술활동을 하고 있는 자신의 아들을 그녀가 죽기 전에 마지막으로 얼굴을 보려고 북이탈리아에서 파리까지 도보로 걸어 왔으다가 아들인 미술가가 그의 어머니에게 로댕의 모델을 서지 않으면 그냥 내던져 버리겠다고 협박을 하여 하는 수없이 로댕의 모델을 섰는데 그러나 정작 로댕은 그 사실을 몰랐다 한다.

사색 (1886년, 대리석, 파리 로댕박물관 소장)

이 작품은 그때 로댕의 제자이자 정부였던 Camille Claudel의 감수성이 강한얼굴 표정이 잘 나타내고 있다. 이때 Camille는 22세, 로댕은 46세였다. 재능있는 여류 조각가이며 극작가였던 Paul Claudel의 동생이었던 Camille는15년 이상 로댕과 함께 정염을 불태웠다. Camille의 아름다움과 비타협적인 태도, 그리고 강한 개성은 로댕의 작품세계에 상당한 영향을 주었다.

키스(입맞춤) (1886년, 대리석, 파리 로댕박물관 소장)

로댕은 <지옥의 문> 오른쪽 아래에 서로에 대한 감정을 깨닫는 순간의 두연인을 재현하였고 이렇게 뜨거운 숨결과 부드러운 사랑이 함께 어우러진 이 작품은 <신곡>에나오는 'Paolo와 Francesca'(육욕의 이야기)로 13세기, 젊고 잘 생긴 시동생 파올로에 반한 형수 프란체스카의 불륜 이야기를 나타낸 것이나, 로댕은 그 모습을 너무나 아름답고 우아하게 표현하여 아담과 이브를 상징케 하는 작품이다.
원래 <지옥의 문>을 위하여 제작하였으나, 나중에 작품의 전체적 분위기에 어울리지 않아 그냥 떼어내고 살롱전에만 출품하였다. 이 작품이 1887년 파리와 브뤼셀에서 <입맞춤>이라는 제목으로 전시되자, 비평가들은 파올로와 프란체스카를 곧바로 연상시키는 의상이나 장면의 요소가 아무것도 없는데 놀라움을 표했습니다.

  이 작품에 대해 그 당시 작가 Léon Riotor는 이렇게 썼다고 한다. " 이것은 두 사람이 바로 사랑의 전략이 그 무기를 던지고 뜨거운 숨결과 부드러운 속삭임으로 바뀌는 순간을 잡아낸 것이며, 힘과 우아함이 마침내 서로 진압되어 서로간의 포기를 입술로 인정하는 순간을 잡은 것이다." 라고......

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Paolo와 Francesca (1887년-1889년, 브론즈, 파리 로댕박물관 소장)

이 작품은 <신곡>에 나오는 유명한 두 연인인 Paolo와 Francesca를 표현한 것이다. <지옥의 문>에서 로댕은 이 한 쌍의 연인을 왼쪽 문의 영겁의 벌을 받고 있는 인물들 사이에 배치하였다. Francesca가 그녀와 Paolo를 맺어 주는 포옹자세를 늦추지 않은 채 죄와 죽음 및 영원한 욕망이라는 영겁의 벌에 휩싸이는 사랑의 힘을 로댕은 그리고 있다.

시벨레(Cybele) (1887년, 브론즈, 미국 부르클린미술관 소장)

  머리없는 여인이 앉아있는 이 작품은 <지옥의 문>에 있는 작품을 확대 제작한 것이다. 모델로는 그 당시 예술가들 사이에 잘 알려진 <아브뤄쩨찌>양이라 한다. 퀴벨레(시벨)는 프리지아의 신화에서 자연, 대지, 동물 등의 여신이었으나, 그리스 신화에서는 대지(大地)의 여신이자 모든 신들의 어머니인 '마그나 마테르' 즉, 대모신(大母神)으로 불렸던 여신이다. 또한 이 여신은 제우스(Jeus)의 어머니인 레아(Rhea)와 동일시되는 신이기도 하다. 이 작품에서는 섬세하면서도 조용한 자세를 통해 인체가 지닌 관능적 아름다움을 표현하였으며, 거친 질감과 함께 풍부한 볼륨감을 지닌 여성의 부드러움을 잘 나타냈다. 여기에서 여체는 하나의 덩어리(Mass)로서 육중하게 자리하고 있기 때문에 로댕의 다른 작품에서 볼 수 없는 격렬함이 상대적으로 완화되고 있으며, 또한 상반신을 토르소로 표현하여 인체가 지닌 선의 리듬보다 풍요(豊饒)와 다산(多産)의 숭배란 고전적 품격을 강조한 작품이라 할 수 있겠다. 로댕은 이 작품의 제목을 붙이기 전에는 종종 모델이름인 <아브뤄쩨찌>라 칭하기도 하였다 한다.

Fugit Amor (달아나는 여인) (1887년, 석고, 파리 로댕박물관 소장)

단테의 <신곡>에서 비극의 애인들, Paolo와 Francesca이다. 원래는 중간 크기로 만들었으나 나중에 이를 축소하여 광선과 그늘이 이 얽힌 육체들을 가장 잘 살리도록 훌륭하게 <지옥의 문>의 문쪽에 배치하였다. 뒤에 로댕은 이 남자의 모습을 <방탕한 자식>의 모델로 사용하였다. 관능적인 인간의 사랑을 느끼게 하며, 달아나는 여인을 붙잡기 위해 속절없이 뻗치고 있는 남자의 두 팔을 보면 붙잡아두고 싶지만 잡을 수 없는 여인의 아름다운 매력을 더 느끼게 한다. 같은 주제로 로댕은 많은 브론즈 작품을 제작했고 대리석으로 만든 작품도 있다.

영원한 우상 (1889년, 석고, 파리 로댕박물관 소장)

로댕에 관한 책을 쓰기 위해 파리에 온 Maria Rilke( 그는 잠시 로댕의 비서로 일한 적 있음)는 이 작품을 보고 이렇게 썼다. "매혹된 힘이 솟았다가는 꺼지고 꺼졌다가는 다시 솟아오른다.젊은 여자가 무릎으로 서서 아름다운 육체를 뒤로 젖히고 있다........아무도 감히 여기에 어떤 뜻을 부여하지 못하였다. 이것은 수천가지의 의미를 지닌 작품이다."라고 평할 정도로 이 작품의 아름다운 자태에 눈을 띠지 못하였다.

이 작품은 카미유 클로델의 1888년작인 <사쿤달라>와 비슷한 성격으로 전체적인 구조와 동적인 포즈 및 긴장된 동작 속에서 느껴지는 격렬한 에너지성의 육감적인 특징 등이 너무나 유사하며, 또한 그 구도조차 똑같아 로댕이 이 작품에서 자신의 제자인 카미유 클로델의 작품의 아이디어를 몰래 빌린게 아닌가 생각한다.

탕아 (湯兒) (1889년, 브론즈, 파리 로댕 박물관 소장)

무릎꿇고 몸을 쭉 뻗은 형태의 이 작품은 회개하는 방탕한 아들이 아버지의 발에 몸을 던진 성서의 탕아 이야기를 묘사하고 있다. 제목도 처음에는 <이 시대의 아들>이었다가 <탕아>로 바뀌었다. 비통한 몸짓의 이 인물은 <지옥의 문>의 오른쪽 문짝 아래에 있다. 작품의 제목은 확실히 복음서의 비유를 상기시킨다. 그러나 1894년 처음 단독 작품으로 출품되었을 때 사람들은 이 작품을 '세기의 아이'라 칭하였다. 그밖에 '버려진 아이의 기도' 혹은 '죽어가는 군인' 등으로 불리었다.

이 모든 이름들은 로댕이 표현하기를 원했던 절망에서 오는 긴박한 심리를 잘 나타낸다.
구성면에서 보면 조각에 나타난 청년은 가엾은 탄원의 몸짓으로 하늘을 향해 구원의 손길을 요청하기라도 하듯 팔을 뻗치고 있다. 이 작품은 로댕이 자신의 작품을 부분적으로 수정하기도 하고 다른 작품에 다시 응용하기도 한다는 것을 잘 보여 주고 있다.

깔레의 보자르미술관에는 팔이 약간 수정된 청동작품이 있으며, 이는 1900년에 샤를르 르보가 로댕에게서 구입한 것이다. 한편 단 하나의 석재작품으로 존재하는 <탕아> (코펜하겐 니 칼스버그조각관)는 특별한 주의를 기울여 모델링된 확대작품이다.

이 작품에서 로댕은 “나는 내가 생각한 마음의 상태를 표현할 수 있는 선들을 보다 강조했다.”라고 하였고 “…나는 고민을 반영하는 근육의 부풀음을 강조했다. 여기저기에서 … 나는 기도의 열정을 강조하는 힘줄을 과장했다.”라고 말하였다.

                             지옥의 문 (1880~1917년, 브론즈, 파리 로댕박물관과 미국 필라델피아 로댕박물관 소장)

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<세 망령>,<카미유 클로델>,<순교자>,<생각하는 사람>, <우글리오>,<명상> 등 여러 작품들을 한데 모아 구성한 기념 작품으로 로댕이 사망하기까지 오랜 세월을 두고 심혈을 기울어 제작한 대표작으로 끝내 로댕 생전에 완성을 보지 못하고 그의 사후에 완성된 작품으로 <지옥의 문>의 주제는 단테의 <신곡> 지옥편(Inferno)과 보들레르의 <악의 꽃>으로부터 영향받은 것으로, 애초에는 서술적 흐름에 따라 이야기가 전개되는 방식으로 구상되었으나, <지옥의 문>을 위한 장식미술관 계획이 취소되자 자신의 작업실에 놓아두고 지속적으로 수정, 보완하거나 덧붙여서 나중에는 이야기 흐름이 끊어진 채 어정쩡한(?) 내용의 작품으로 되었다. 이야기의 흐름은 명료하지는 않으나 내용이 극적이면서 풍부한 감수성을 지닌 인물들이 소용돌이 치는 한 편의 대서사시로 발전하였다.
  이 문의 주인공인 <생각하는 사람>은 작품의 중심의 팀파늄에 앉아 지옥의 참상을 내려다보며 깊은 상념에 잠겨있는데 그는 지옥을을 바라보는 단테 혹은 조각가 자신이거나 아니면 로댕의 말대로 사고(思考)하는 인간에 대한 상징으로 해석할 수 있다. 이 문의 전체구조에서 가장 중요한 지옥은 프랑스 제 2제정의 부패와 퇴폐는 물론 모순된 그 시대의 고통과 격정을 그대로 반영한 것으로도 이해할 수 있다.

지옥의 문 (1880~1917년, 브론즈, 파리 로댕박물관과 미국 필라델피아 로댕박물관 소장)웹지기가 파리 로댕박물관 정문 안쪽의 정원 벽에 위치한 <지옥의 문>의 실제 작품과 함께 서 있다. 웹지기의 모습을 비교해 보면 <지옥의 문>의 크기(실제 높이가 약 6미터 정도)를 가름해 볼 수 있을 듯.......!!!! (2002년 1월 8일 촬영)

지옥문은 높이 7.57m,너비 4m나 되는 부조의 청동문인데 186명의 인물들이 지옥의 형벌을 받으며, 고뇌하고 몸부림치는 장면이 새겨져있다. 프랑스 정부에서는 장식미술관을 세울 예정으로 미술관의 현관이 될 거대한 청동문의 제작을 8000프랑으로 계약하고 단테의 신곡을 나타내는 부조로 된 청동문 제작을 위촉했다. 이 작품의 제작기간은 원래 3년으로 예정되었으나 결국 평생을 매달리게 되었다.<생각하는 사람><키스><다나이드><우골리노><세 망령><아담><이브> 등은 지옥문에서 나온 작품이며, 로댕의 1880년 이후의 작품은 직접, 간접적으로 모두 지옥문과 관련이 있다.

절망 (1890년, 브론즈, 대리석, 파리 로댕박물관 소장)

주제에 더욱 접근하기 위해서 로댕은 점점 더 힘든 자세의 몸의 습작을 계속 제작하였다. 그리고 그는 두 개 이상의 자세(포즈)를 결합해서 그의 작품의 큰 특징인 행동과 운동의 효과를 나타내곤 하였다. 이 작품은 아무래도 대담할 수밖에 포즈로 표현되어 있고 이 다부진 영혼은 죽음을 상징화하고 있는 느낌이 든다. 또한 이 작품은 여러 가지로 변형된 형태로 나타나곤 한다. <지옥의 문> 오른쪽 문짝에 있는 형상과 매우 흡사한 모습이며, 로댕이 가장 좋아하는 강한 동적인 포즈로 되어 있다.

머리가 있는 신의 사자 아이리스 (1890-91년, 브론즈, 파리 로댕박물관 소장)

성적(性的)으로 가장 대담하게 표현한 작품으로 받침대의 도움없이 공중에 뻗은 팔다리에 의해 전체적인 균형이 잘 잡혀 있다. 이런 특징을 가진 작품을 제작함으로써 로댕은 젊은 예술가들에게 새로운 지침을 제공하였다. 이 작품은 빅토르 위고 기념조각에서 분리된 매우 도발적이고 관능적인 작품으로 몸을 움츠린 채 발을 붙잡고 목욕하는 여인의 모습을 표현한 것이다. 이와같이 로댕은 농염(濃艶)한 관능미(官能美)를 내뿜고 있는 여체조각을 많이 제작하곤 하였다.

이 작품은 <비상(飛翔)을 포함하여 가장 대담한 작품 중의 하나로 받침대의 도움없이 공중에 뻗은 팔다리에 의해 전체적인 균형이 잘 잡혀 있다. 이런 특징을 가진 작품을 제작함으로써 로댕은 젊은 예술까들에게 새로운 작품 제작 방향을 제시하였다고 볼 수 있다.

Victor Hugo 상 (1890년, 브론즈, 대리석, 파리 Henri-Martin街와 Victor Hugo街의 교차되는 지역에 설치됨)

빅토르 위고는 로댕을 위해 포즈를 취하기를 거부하였지만 로댕은 모든 각도에서 급히 스케치를 하여 충분히 주제인물을 닮은 상을 만들 수 있었다. 원래 빅토르 위고가 등 뒤에 3명의 뮤우즈像을 거느리고 벌거벗은 상태로 Guernsey의 바위에 앉아 명상에 잠겨 있는 모습을 표현한 작품이었으나, 빅토르 위고의 전투적이고 낭만주의적 분위기의 작품을 원했던 파리시당국의 거부로 7년 뒤에 다시 제작된 작품에서는 3명의 뮤우즈가 2명으로 줄어 들었다. 머리 위의 뮤우즈는 <비극의 뮤우즈>를 나타내었고, "내면의 소리"라는 두번째의 뮤우즈는 그의 옆에 위치해 있다.

웃는 발자크 (1891년, 브론즈, 파리 로댕박물관 소장)

로댕이 프랑스 사실주의 문학을 대표하는 위대한 대문호(大文豪)인 발자크를 조각하기 위해 만든 여러 습작중 하나로 젊었을 때의 발자크의 초상화에서 영감을 받아 석고, 테라코타 등으로 조각한 작품 중의 하나이다. 전체적인 모습이 완성된 그러한 형태가 아니라 작품에서 풍기는 힘이 작지만 자연스럽게 잘 나타난 작품이다. 로댕이 제작한 작품들 중 드물게 웃고 있는 표정의 작품이라는 사실이 또한 흥미를 끈다.


팔짱을 끼고 있는 나신의 발자크 (1892년, 브론즈, 미국 부르클린미술관 소장)

  로댕은 발자크 사후 파리문필가협회(회장:에밀 졸라)로부터 발자크상 제작에 대한 의뢰가 들어오자 방대한 양의 발자크 문학작품과 그의 해설, 전기, 사진 등을 수집하고 그의 고향인 투르와 그 주변을 여행하면서 그곳 사람들로부터 발자크에 관한 이야기와 그의 신체적 유형 등을 연구하였다. 로댕은 단순히 발자크의 외형을 재현하기보다는 그의 정신세계를 작품에 부각시키기 위해 다양한 형상의 석고 두상들을 제작하였을 뿐 아니라 발자크가 생전에 드나들었던 양복점을 일부러 찾아가 그가 즐겨 있던 외투를 특별히 주문하여 자신이 직접 입어보면서 그의 체격에 대해 지속적으로 연구하는 열성을 보였다.

누드 습작 (1893년, 브론즈, 파리 로댕박물관 소장)

로댕이 제작한 발자크 포즈의 여러 가지 스케치와 습작 가운데서 최종적인 작품상의 포즈로 사용한 자세가 이 작품이다. Edmond Werdet는 자신이 쓴 <Portrait Intime de Balzac>라는 저서에서 로댕은 "씩씩한 운동선수"란 말에 언더라인을 그었다고 한다. 이 작품의 포즈는 로댕 작품의 가장 전형적인 포즈이며, 그의 작품인 <칼레의 시민>에서 장 대르(Jean d'aire)의 포즈에서도 이와 흡사한 포즈를 발견할 수 있다.

발자크의 습작 (1893-97년, 석고, 파리 로댕박물관 소장)

19세기 프랑스 사실주의 문호였던 발자크의 작품을 위해 습작들을 여러개를 제작하였다.
로댕은 기념조각 제작을 위해 분석적인 접근을 시도하였고 이를 현실화하기 위해 발자크와 체격이 비슷한 모델을 고용하여 실물에 가깝게 상징성을 지닌 작품을 구상하였다.

  로댕은 발자크의 진실한 모습을 작품으로 나타내기 위해 발자크의 사생활에 대해 많은 관심을 가지고 그를 연구하였다. 발자크가 생전에 거주하였던 <레이누아르>를 자주 방문하였으며, 그곳에서 발자크는 자신의 빚을 갚기 위해 많은 작품을 썼고 힘들거나 피로할 때면 자신 삶과 별 다를 것 없는 일반 서민들의 모습을 지켜보았으리라 생각하곤 하였다. 그리고 그 당시 빚에 쪼들려 살았던 발자크는 항상 빚쟁이들이 기다리고 있던 앞문을 피해 뒷문으로 잠옷이나 아니면 옷을 걸칠 틈도 없이 도망가는 장면을 생각하면서 그 때의 모습을 작품화하려고 하였다. 그래서 비현실적인 영웅으로서의 발자크의 모습보다는 발자크의 짧은 다리와 불룩하게 튀어나온 배를 내논 채 허둥지둥 도망가는 발자크의 모습을 그 나름대로 사실적으로 표현하려고 노력하였던 것 같았다.

빅토르 위고(Victor Hugo) 기념상 제작을 위한 빅토르 위고의 조각상.(1895년, 석고조, 파리 로댕박물관 소장)

앉은 빅토르 위고 기념상은 판테온(Panthéon) 미술위원회에 의해 인수가 거부되고, 1909년에 이르러 로얄궁전(Palais-Royal)의 정원에 놓이게 된다. 홀로 앉아 "세상의 모든 소음을 침묵시키는" 시인의 모습이 잘 나타나 있다. 로댕은 생전에 단테, 발자크, 보들레르, 위고와 같은 작가들을 좋아했다. 『레미제라블』, 『노틀담의 꼽추』등으로 알려진 빅토르 위고는 1802년 브장송에서 나폴레옹 휘하의 장군의 아들로 태어난 프랑스 낭만주의 문학의 대표적인 거두였다. 로댕은 위고가 죽은 이듬해 프랑스 정부에서 위고를 기념하는 조각제작을 의뢰받고 위고가 살아 있을 때 모습을 스케치해놓았던 자료들을 바탕으로 작품을 구상하였다.

빅토르 위고(Victor Hugo) 흉상 (1897년, 브론즈, 미국 부르클린미술관 소장)

  이 작품은 빅토르 위고의 기념비의 브론즈 모델로서 팡테옹에 설치하려 했으나 제작 기간이 늦어져 설치하지 못했다. 당대 위대한 문호(文豪)였던 그는 주위의 끈질긴 권유로 그의 기념상을 만드는데는 동의하였지만 모델로 포즈를 취하는데에는 반대하였다. 그래서 로댕은 그를 만날 때마다 그의 얼굴을 기억하거나 아님 담배종이에 대략적으로 급하게 스케치하여 위고도 모르게 어렵게나마 그의 작품을 제작하였다.

발자크상을 위한 마지막 습작 (1897년, 브론즈, 파리 로댕박물관 소장)

1898년 5월 살롱에 공개된 발자크 상은 파리 전체를 들끓게 했다. 문인협회에서는 발자크상을 인정하지 못한다는 결정을 내렸다. 로댕의 발자크상은 생전에 주조되지 못하고 사후에 두개가 주조되어 하나는 안트베르펜 박물관에 소장되었고 다른 하나는 몽파르나스 거리 모퉁이에 세워졌는데 제막식날 천을 벗기는 영예는 로댕의 제자 마이욜과 데스피오에게 돌아갔다.

자세와 옷의 주름에 대한 다양한 실험을 끝마치고 로댕은 마침내 실감나는 주름으로 장식된 폼이 넓은 옷을 입은 발자크상을 제작하기로 결심했다. 또한 무거운 직물, 작품 구조, 재질 등은 다른 작품을 모방하지 않고 힘차게 제작하였다. 여기에서 옷은 발자크의 볼룩하고 추한 배를 감추기 위한 일종의 교수복(敎授服)이라 할 수 있다.

발자크의 기념 두상 (1897년, 브론즈, 파리 로댕박물관 소장)

발자크상의 머리를 세부적으로 재현한 이 작품에서 로댕은 발자크의 신체적인 모습을 표현하기 보다는 그의 인격과 본질 자체를 살리려고 노력하였다. 과장되고 도식화된 발자크의 얼굴 모습에 머리는 창조적인 천재성을 상징적으로 나타내고 있다. 발자크의 투쟁적인 성격은 뻗친 머리칼에 따라 어느 정도 나타나며 깊숙한 눈은 거의 예언자적인 시각의 힘을 불러 일으킨다.

발자크 두상 (1897년, 브론즈, 파리 로댕박물관 소장)

발작크상은 로댕의 모든 작품 중에서 가장 중요하고 가장 인상깊은 작품이다. 문학가협회로부터 이 위대한 소설가의 상을 만들어 달라는 위촉을 받은 그는 완벽을 기하려고 얻을 수 있는 그에 관한 모든 자료들을 섭렵하여 얼굴과 자세의 습작들을 부분적으로 제작해 나갔다.

Balzac상 (1892~1939년, 석고 및 브론즈, 파리 Moutparnasse가(街) 위치)
발작크상의 제작에 대한 위촉을 받은 로댕은 발작크에 대한 자료가 부족하여 사방 팔방으로 뛰어 다니면서 몇 사람의 증언과 발작크가 잘 다니던 양복점에 들려 발작크의 몸치수나 인물의 특징 등을 얻었으나 명확한 판단을 유보하고 여러 모습의 작품을 만들어 가능하면 발작크와 가까운 작품을 제작하려고 노력하였던 것 같다. 청동상은 로댕의 사후에 제작되어 Moutparnasse가와 Raspail가가 만나는 모퉁이에 세워지게 된다.

발자크상 (1939년, 브론즈, 파리 Moutparnasse가(街) 위치)

로댕은 그가 죽기 전 Charles Despiau에게 이 상을 Egypt인들이 자기네 불멸의 여러 신상을 만들 때 사용한 화강암이나 섬록암으로 조각해 달라고 특별히 부탁했으나 결국 로댕이 원한 것과는 다르게 별로 특별하지 않은 녹청색의 브론즈로 주조되었다. 조각이 완성이 되고나서 1939년 7월 2일 Moutparnasse가와 Raspail가(街) 만나는 모퉁이에 청동 발자크상이 제막되었다.

발자크상 부분 (1939년, 브론즈, 파리 Moutparnasse가(街) 위치)

1881년 에밀 졸라가 회장으로 있는 <프랑스 문필가 협회>로부터 발자크의 초상제작을 의뢰받아 작품을 제작하였으나, 로댕의 예술적 감성이 농축된 이 작품을 본 협회 사람들은 문인의 지적인 감정과 자세가 전혀 안 나타난 '유령'같고 '이름도 없는 조잡한 덩어리', 그리고 '거대한 태아'라고 비난하며 작품 접수를 거부하였으나 그래도 그의 작품세계를 잘 이해하였던 에밀 졸라만은 그를지지하였다. 1898년 파리 상 드 마르스에 있는 한 화랑에서 그의 <입맞춤>과 <발자크>상이 전시되었을 때, <발자크>상만은 야유와 조소 속에 사람들은 로댕 자신이 정신착란에 빠졌다는 비난을 하였으나, 그 군중들 속에서 그의 제자인 에밀 앙트완 부르델(Bourdelle, Emile Antoine:1861-1929)은 "바로 저것, 그는 우리 모두에게 길을 보여주었다!"라고 감탄하였다.
석고상태로 뮈동의 작업실에 방치되다시피 했던 <발자크>상은 훗날 브론즈로 주조되어 파리 시내에 세워졌다. 로댕은 여러 번에 걸친 습작을 통해 마침내 하나의 덩어리처럼 표현된 발자크의 모습을 딕테일 대신 거친 표면이, 영웅적 자세보다는 고뇌하는 한 인간의 진실된 모습을 보여 줄 수 있다는 것을 보여주었다.

야경에 아스라하게 보이는 발자크상(1908년 9월에 Edward Steichen가 촬영).......

  Edward Steichen은 로댕의 조각에 매혹되어 이 조각가와 그의 작품을 촬영하기 위해 자주 Marbres와 Meudon을 찾아왔다. 로댕은 그에게 달빛 아래에서 일련의 습작들의 사진을 찍어 달라고 부탁했다. 1908년 9월 어느날 밤, 위의 유명한 발자크상의 사진을 찍었다. 다음날 아침 식탁에서 Edward Steichen은 자신의 네프킨 밑에 당시로서는 거액의 사례인 2000프랑(한화로 약 50만원 정도)의 지폐가 깔려 있는 것을 보고 놀랐다고 한다.

신의 손 (1897년, 대리석, 파리 로댕박물관 소장)

모든 전통을 깨고 로댕은 여기서 사실적인 묘사가 아니라 보다 상상력에 호소하는, 당시의 보통 조각가보다는 훨씬 대담한 개념의 작품을 만들었다. 로댕은 대리석을 거친 상태로 사용하는 기법을 지나치게 쓴다는 비판을 받았던 작품이다. 이 작품을 잘 보면 어머니의 자궁 안에서 신의 손에 의해 창조물이 잉태되면서 서서히 그 몸체를 드러내고 있는 듯한 모습을 보여 주고 있다.

젊은 남자의 토르소 (1901년, 브론즈, 파리 로댕박물관 소장)

힘이 있으면서 강한 근육질의 젊은 남자의 이미지가 잘 표현된 작품이다.로댕은 이 작품을 그리스 조각의 복제품인 Praxiteles의 Satyr를 보고 비슷한 포즈의 토르소를 제작하였다 한다.

빅토르 위고의 기념 흉상 (1901년~1902년, 브론즈, 미국 부르클린미술관 소장)

   로댕이 처음에 계획한 빅토르 유고의 기념조각은 두 뮤즈에 둘러싸인 채 바위에 앉아있는 나신의 위고였지만 이 계획은 기념조각 선정 위원회로부터 호응을 얻지 못한다. 시인이자 공화주의자로서 위고의 삶에 대한 경의가 조각에서도 나타나기를 희망했던 위원회의 기대에 충족시키지 못하고 계속 수정작업하다가 마침내 1897년에 완성이 되었고, 이를 살롱전에 출품하였으나, 끝내 이들로부터 인정을 받지 못하였다. 이 작품은 위고와 군상을 이루었던 뮤즈를 제거하고 바위에 비스듬히 기대앉은 채 한 손을 뻗고 있는 위고의 모습을 흉상으로 따로 제작한 것이다.

구름 속의 파올로와 프란체스카 (1905년, 대리석, 파리 로댕박물관 소장)

혹은 <입맞춤>이라고도 하는 이 작품은 로댕이 단테가 묘사한 대로 바람에 밀려 떠다니는 파올로와 프란체스카의 주제를 사용해 서로 다른 대리석 조각들을 만들었다. 여기에 전시되는 것은 첫번째 대리석 작품이다. 1907년에 칼 야콥센은 이와 동일한 복제품을 입수하여, 이듬해 코펜하겐에 있는 니 칼스버그조각관의 ‘로댕 관’에 옮겼다.
현재 워싱턴의 코코란현대미술관에 소장품된 두번째 복제품은 1910년 2월 뉴욕의 외젠느 메이어가 구입하였는데, 1886년 <지옥의 문>에 배치되었던 작은 군상을 독립적으로 만든 것이다.
연도미상의 세번째 대리석작품(로댕미술관, S. 1423)은 분명 이보다 후에 만들어진 것으로, 가로 누워있는 두 연인이 거대한 대리석 덩어리 위에 놓였기 때문에 앞의 것들보다 덜 자연스러워 보인다.
이 작품에서 보이는 로댕의 생각은 매우 평화스러워 보인다. 눈을 감은 파올로와 프란체스카는 냉혹한 운명에 공포를 느끼는 아이들처럼 서로를 꼭 껴안은 채 주위와 고립시키는 효과를 주는 구름으로부터 망령처럼 등장한다.
안개낀 듯한 구름 처리, 광택나는 신체, 거칠게 조각한 배경 사이의 질감 대조는 이런 다양한 구성 요소들간의 상이한 속성을 암시하고 있다.

프랑스 (1904년, 브론즈, 파리 로댕박물관 소장)

미국과 캐나다간의 국경에 있는 Champlain 호숫가에 세워진 기념 동상을 위한 습작으로 얼굴 모델을 Rose로 할까 Camille로 할까 망설이던 로댕은 Camille의 초상으로 결정하고, 그 머리 위에 성모 마리아의 전통적인 프리지아 풍의 모자를 씌웠다.
이 작품에 영감을 준 모델은 까미유 끌로델이다. 그녀는 1898년 로댕과 교제를 끊었다. 로댕은 1889년 모네와 합동 전시회 때 출품했던 생 죠르쥬상을 본떠 이 작품을 제작했다. 1906년 로댕은 이 브론즈 고각상을 그에게 명예박사학위를 수여했던 글래스고 대학에 헌정했다. (확대한 작품사진은 밑의 카미유 클로델의 모델란에 있음)

파올로와 프란체스카 (1905년, 대리석, 파리 로댕박물관 소장)

단테의 {신곡} 제 5곡에서 베르길리우스와 단테는 육욕의 죄를 지은 사람들이 바람 속에 절규하는 지옥의 두 번째 장을 통과한다. 그 곳에서 단테는 비극의 연인인 파올로 말라테스타와 프란체스카 다 리미니를 만난다. 시동생과 형수의 사이로 금지된 사랑에 빠졌던 두 연인이 프란체스카의 남편에 의해 살해, 지옥에 떨어진 것이다. 단테는 이 연인들이 지옥에서 구름에 밀려 떠다니는 것으로 묘사하였는데, 로댕은 이들을 매우 아름답게 시각화하였다. 무서운 공포 속에서 그들은 눈을 꼭 감은 채 서로를 부여잡고 있다. 로댕은 대리석의 매끄러운 부분과 거친 부분을 대조시켰는데, 이때 마치 미완성으로 남겨 놓은 효과를 내고자 대리석 표면을 다루는 방식에 특히 주의를 기울였다. 우툴두툴하게 거칠게 의도적으로 깎인 대리석 덩어리는 그 자체로도 추상적인 느낌을 자아낼 뿐만 아니라, 표면에 반사되는 빛의 효과도 다양하게 연출한다. 로댕은 이 시기 대리석 표면을 다루는 방식에 관심을 가지고 있었는데, 이 작품에서도 인물들은 아주 작은 부분만을 구성하고 있을 뿐 대리석 덩어리 자체에 큰 비중을 두고 있다.

  미완성 상태를 고의적으로 의도, 거칠게 마무리한 돌덩어리는 그의 후기 작품의 한 특징이다. 로댕은 <입맞춤>을 비롯하여 포옹하고 있는 두 남녀를 묘사하는 다른 작품들에서도 이 주제를 종종 썼다음)

Morning (1906년, 대리석, 파리 로댕박물관 소장)

로댕의 많은 작품 중에 이렇게 역동적이고 부드러운 느낌을 주는 작품은 그리 많지 않으리라 생각된다. 아침을 맞아 부시시 일어나는 비너스의 모습을 표현한 작품으로 이러한 포즈는 로댕이 가장 좋아하는 것 중이 하나이다. 나중에 심슨부인에게 선물로 주게 된다.

걷는 사람 (1907년, 브론즈, 리용박물관의 야외에 설치됨)

이 작품은 원래 1877년에 <설교하는 성 요하네> 이전에 만들어진 석고 습작을 다시 말년에 확대해서 브론즈로 만들었다. 특히 이 작품을 몹시 좋아하던 사람들의 요청으로 로댕은 확대한 청동 주물을 제작한다. 이탈리아 정부에 기증되어 로마의 Farnese Palace에 전시되었던 이 작품은 「설교하는 성 요하네」의 몸체로 나중에는 로마 주재 프랑스대사의 마음에 들지 않아 철거 후 지금은 Lyon(리용)박물관에 소장중에 있다.

하나꼬 두상 (1908년, 브론즈, 파리 로댕박물관 소장)

이 매력적인 일본 여배우는 당시 그녀의 홍행주였던 Loïe Fuller에 의해 로댕에게 소개되었다. 이 젊은 동양 여인의 우아함과 세련됨에 감명을 받은 로댕은 그녀를 대상으로 많은 수채화와 조각작품 등을 제작하였다. Loïe Fuller는 로댕에게 하나꼬와 함께 쟈바와 캼보디아 무용수들을 소개하였고, 또한 말년에 로댕의과 그의 정식 부인인 Rose와의 결혼도 그가 추진하였다 한다.

La Cathedrale (성당 : 1908년, 브론즈, 파리 로댕박물관 소장)

이 유명한 작품은 원래 분수의 장식을 위해 제작되었다. 휘어진 활모양의 두 손 사이로 물이 솟아 오르도록 계획되어 있었다. 조촐한 크기에도 불구하고 강한 정신적 이미지를 부여한 작품으로 로댕은 처음에는 <언약의 궤>라는 이름을 붙였으나, 단순한 구성에서 느껴지는 기념비적인 분위기는 성스러운 감정을 갖게 금하여 나중에는 이름을 <성당>으로 바꿔 부르게 된다.

로댕의 작품에는 작고 독립적인 손이 있는데, 어떤 신체 부분에도 속하지 않는 그들은 살아있음을 나타내고 있다. 초조하고 심술궂게 올라가는 손들…, 걸어가고 잠자고 깨어나는 손들…, 범죄의 손들…, 피곤한 손들.”(릴케,『오귀스트 로댕』 1928, p. 54, 55) 로댕의 손들은 또한 건축물이 될 수 있다.

오른손 두 개로 구성된 <성당>의 곡선은 교차하는 궁륭뼈대의 우아함을 모방하면서 빈 공간을 점유하고 있는데, 이 빈 공간은 어느 정도 고딕건축의 모티브 그 자체이다.
“공간의 참여는 로댕에게 항상 매우 중요했습니다.”(릴케, 1928, p. 112)1908년 매우 부드럽고 무른 석재로 조각된 <성당>은 처음에 <동맹의 아치>라고 불려졌다가 최종 제목은 1914년 로댕의 책 『프랑스의 대성당』 출판 이후

	장 밥티스트 로댕(로댕의 아버지)의 흉상 (1864년,브론즈, 파리 로댕박물관 소장) 이 흉상은 로댕의 첫 작품으로 간주되고 있다. 그 로마풍의 생김새가 너무나 뚜렷하기 때문에 제작 연도가 논란의 대상이 되어 있다. 그러나 <코가 찌그러진 남자>도 동일한 기법을 사용하고 있다는 점에서 이 로댕의 아버지의 흉상도 초기의 작품이 아닌가 한다. 로댕의 말에 의하면 그의 아버지는 작품에서 머리를 빡빡 깎아 버린 자기 자신의 모습, 특히 구렛나루를 깎아 버린 모습을 그다지 좋아하지 않았다고 한다.

	코가 찌부러진(깨진) 사나이(1864년, 대리석, 파리 로댕박물관 소장) 생 마르세구에서 "비비"라는 별명으로 통하던 이 호인다운 노인은 자기의 마스크를 만들도록 모델이 되어 주었다. 추위 때문에 찰흙에 금이 가 머리 뒷부분이 떨어져 나가자 로댕은 이 작품을 마스크로 제작, 살롱전에 출품했으나, 입선되지 않았다. 이 얼굴이 만들어진 것은 로댕의 작품 활동 초기로 생계를 이어가기가 매우 어려운 때였다. 그는 버젓한 모델을 구할 수 있는 돈이 없었기 때문에 이웃집에 사는 비비라는 가난한 노인의 얼굴에서 착상을 얻었다. 그러나 난방 시설이 없는 아틀리에는 너무 추워서 비비의 머리를 빚은 점토가 얼어 갈라졌으며 두개골은 깨지고 간신히 얼굴만 지탱할 수 있었다. 그래서 코가 깨진 이런 얼굴의 형태가 되고 말았다. 그는 이런한 얼굴을 탄생시킨 후 계속해서 시리즈로 이 작품을 제작하였는데 나중에는 대리석으로 조각한 <코가 깨진 남자>는 드디어 살롱전에 입선하였다. 그리고 이 작품은 1880년 <지옥의 문>의 제작 때 계속 사용되어 <생각하는 사람>의 바로 옆에 배치되게 하였다.

	젊은 여인의 초상 (1865년, 테라코타, 파리 로댕박물관 소장) 21세 때 처음으로 제작된 젊은 모습의 Rose Beuret의 초상으로, 그녀는 53년간의 충실한 내조 끝에 1917년 2월, 죽기 며칠 전에 정식으로 로댕과 결혼한다. 작품을 설명한다면, 장미와 백합 다발, 그리고 나뭇잎 몇 장이 소녀의 모자를 장식하고 있으며 소녀가 두른 스카프는 리본으로 묶여 있다. 테라코타로 제작된 이 흉상은 아직 앳 된 소녀티를 벗지 않은 고운 얼굴을 소박하게 표현하고 있다. 1865년에 제작된 이 작품은 로댕의 초기 작품에 속하는 것으로 로댕의 원숙기에 보여지는 남성적인 역동성보다는 유려한 선, 부드러운 모델링이 한층 더 돋보인다. 살아 있는 사람의 숨결과 인상이 그대로 느껴지는 수작이다. 이 작품의 실제 모델은 마리 로즈 뵈레로서, 평생 로댕 곁을 지켰던 그의 부인이다. 로댕과 마리 로즈 뵈레는 평생을 동거하였으나, 로즈가 죽던 해에야 정식으로 결혼하여 늦깍이 부부가 된다. 이 작품이 제작될 무렵 로댕은 처음으로 살롱에서 입선하여 정신적으로 고무되어 있었으며, 또한 살롱의 성공과 함께 흉상들의 주문으로 재정 형편도 점차 안정되어 가고 있었다. 그러한 생활의 안정은 작품 속에서 여유와 평화스러운 분위기로 표출되었다. 이 작품은 젊은 날 로댕이 그의 부인을 처음 만났을 무렵의 설레임이 엿보이는 아름다운 작품으로서 프랑스 조각가 존 밥티스트 카르포(Jean-Baptiste Carpeaux 1827∼1875)와 Carrier-Bellouse의 장식적인 부분에서 많은 영향을 받았다.

	설교하는 성 요하네 (1870년, 브론즈, 파리 로댕박물관 소장) 몸은 <걷는 사람>으로 하고, 얼굴은 그의 친구 Danielli를 모델로, 몸가짐은 이탈리아 사람을 모델로 한 작품으로 원래 어깨에 십자가를 메도록 구상하였으나 전체적인 동작이 깨지게 되어 로댕은 그것을 없앴다. 이 작품은 로댕의 화실에 모델이 되겠다고 찾아왔던 농부 세자르 피냐텔리를 보고 영감을 받아 제작한 작품이다. 피냐텔리는 전혀 모델 경력이 없었던 농부였지만, 로댕은 꾸밈없는 그의 자연스러운 자세가 오히려 마음에 들어 그를 모델로 삼았다고 술회하기도 하였다. 이 작품은 비슷한 시기에 제작된 <청동 시대>, <걷고 있는 남자> 등의 작품과 함께 로댕의 인체 해부학에 대한 진지한 탐구를 잘 보여준다. 그는 과거의 거장들이 과장되게 근육을 묘사하였던 것과 달리 사실성에 기초한 조각을 제작, 동시대 화가들과 마찬가지로 조각 분야의 리얼리즘을 선도하였다.

	설교하는 성 요하네 2 (1870년, 브론즈, 파리 로댕박물관 소장) <청동시대>와 마찬가지로 <설교하는 성 요하네(세례 요한)>도 미켈란젤로 등 르네상스 시대의 여러 조각가들의 영향을 많이 받은 작품 중에 하나다.

	여인의 흉상 (1875년, 테라코타, 파리 로댕박물관 소장) 로댕이 제작한 테라코타 작품 중의 하나로 그의 친구인 심슨부인을 모델로 제작한 흉상 작품이다. 나중에 이 작품은 심슨부인을 위해 그녀에게 기증이 되었다. 이 작품에서 로댕은 모자 위의 장식에 특히 신경을 쓴 흔적이 보인다. 로댕은 장미꽃이나 포도잎사귀 몇 개를 보태거나, 리본 등으로 매듭을 지어 머리 전체의 느낌을 다르게 표현하곤 하였다.

	Ixelles의 전원시 (1876년, 브론즈, 파리 로댕박물관 소장) <소학원>에서 18세기의 큐피트상을 연구한 후 로댕은 자신의 독자적인 큐피트상을 만들게 되었다. 로댕은 1871년에서 1876년까지 벨기에에 있는 동안 그림을 그리고 조각상 제작은 프랑스로 돌아간 후에 기념물로 장식할 때 이를 사용했다.

	청동 시대(靑銅時代)( (1876년, 브론즈, 파리 로댕박물관 소장) 이 작품은 로댕이 만든 최초의 입상(立像)으로, 그의 가장 유명한 조각품 중의 하나이다. 1870년도 살롱전에 출품했을 때 이 조각이 너무나 완벽하게 인체를 표현하였다고 하여 무명의 작가인 로댕이 살아 있는 인체를 그대로 형을 떠낸 작품이라 하여 비난을 많이 받았던 작품이다. 사실 이 작품은 네이(Auguste Neyt)란 젊은 군인을 모델로 <패배자>란 명칭으로 제작되어 브뤼셀 살롱전에 출품하였으나, '실물에 의한 주조'로 비난을 받자 로댕은 <청동시대>로 이름을 바꿔 파리 살롱전에 출품하였다. 원래 이 작품은 헤리클레스나 프로메테우스와 같은 영웅이 아니라 보불전쟁(프로이센(독일) 비스마르크의 엠스전보사건에 대응하여 프랑스의 나폴레옹 3세는 1870년 프로이센에 선전포고를 했으나 프랑스의 패전으로 파리에 공화정이 선언되고 국방정부가 성립되었다.)에서의 패배로 패배의식이 가득한 프랑스 민중들에게 용기와 힘을 다시 불어 넣고자 제작한 비애로 가득찬 근대인, 즉 이름없는 아폴로를 형상화한 것이라 할 수 있다.

	Bellona (1878년, 테라코타, 파리 로댕박물관 소장) 로댕은 이 작품을 공화국을 상징케하는 흉상으로서 파리의 13구청에 기증하기 위해 제작한 것으로 사자의 갈기로 장식된 투구와 깊게 패인 강렬한 눈 등을 아주 극적으로 묘사하고 있다. 그러나 이 작품은 평온한 공화국을 상징하기에는 너무 고통받는 표정을 짓고 있어서 제목을 전쟁의 여신인 <벨론>으로 지었다. 이 작품은 Rose Beuret를 모델로 하여 만든 것으로, 여기서 그녀의 모습은 매우 긴장되고 상기되어 있다. 그리고 그녀의 얼굴에서는 나이와 고생의 자국이 잘 나타나 있다. 이 Rose Beuret의 초상에 나타나 있는 어떤 서러움은 로댕이 1860년에 그린 그의 어머니 마리의 모습을 연상케 하고 있다.

	무기를 들어라 (1878년, 브론즈, 파리 로댕박물관 소장) 우의적(寓意的)인 이 작품은 1870년의 보불전쟁(프러시아(독일제국)와 프랑스간의 전쟁)에서 파리시를 방어한 것을 기념하기 위한 국방 기념비로 제작된 것으로 살롱전에 출품되었으나 제대로 심사평을 받지 못하고 홀대받은 작품이다. 그러나 1916년에 이것을 확대한 작품이 <Verdum의 수비>라는 제목으로 1922년에 이르러 그 전쟁터에 세워졌다. 이 작품은 죽어가는 전사와 파리시를 상징하기 위하여 프리지아 모자(프랑스 혁명 당원들이 즐겨 쓰던 붉은 모자)를 쓴 싸우는 수호신을 나타내고 있다.밑의 털썩 주저앉은 전사의 모습은 틀림없이 미켈란젤로의 <피에타>에서 영감을 얻었을 것이라 생각한다. 즉 <피에타>의 그리스도는 이 전사의 모습인 것이다.

	무기를 들어라 2 (1878년, 브론즈, 파리 로댕박물관 소장) 1870년 프랑스와 프러시아 사이의 전쟁에서 파리시를 방어한 것을 기념하고자 파리시가 기념비 선정을 위해 개최한 공모전에 출품한 작품이다. 죽어가는 전사와 파리를 상징하기 위해 프리지아 모자(프랑스 혁명당원이 쓰던 붉은 모자)를 쓴 싸우는 수호신으로 구성되어 있다.

	설교하는 성 요하네 (St. John the Baptist) 두상 (1878년, 석고조, 파리 로댕박물관 소장) Pignatelli라는 이름을 가진 Abruzzi출신의 건장한 농뷰인 그는 옷을 벗고 모델 스텐드로 올라가서 똑바른 자세를 취한다. 그리고는 고개를 쳐들고 줄곳 말을 하면서 팔을 마구 휘저으며 앞으로 나가고 있다. 헝클러진 머리에 눈을 번뜩이는 모습이 마치 야만인 같은 느낌을 준다. 오귀스트 로댕은 이 모델의 모습을 보고 꼭 늑대같은 느낌이 난다고 하였다. 원래 이 작품의 제목은 <사막에서 설교하는 성 요하네>로 하고, 어깨에 십자가를 메도록 구상하였으나 동작이 깨지게 되어 로댕은 그것을 없애 버렸다. 이 작품은 <설교하는 성 요하네>의 모습 중 일부인 두상 작품이다.

	아담 (1880년, 브론즈, 뫼동 로댕박물관 소장) 로댕이 이탈리아 여행에서 돌아와 아담의 상을 조각하였지만 마음에 안들어 깨뜨려 버렸다. 처음에는「원시인 」, 「창조」라는 제목을 붙여 문 위에 <세 명의 망령>에 배치할 생각으로 제작하였다. 이 상은 흔히 "노예'의 모습과 같을 정도로 미켈란젤로의 스타일에 매우 가깝게 느껴진다. <지옥의 문> 문짝에 조각되어 있으며, '이브'와 함께 지옥에 떨어진 사람들의 고통을 상징적으로 나타내고 있다. 1875년 로댕은 이탈리아 여행 중 그리스의 조각 작품들이 아름다움과 죄에 대한 기독교적 의식을 결합시킨 미켈란젤로의 작품 <아담과 이브>를 성 시스티나 성당에서 보았다. 로댕은 그의 작품 <아담과 이브>를 제작하기 위해 미켈란젤로의 <아담과 이브>의 특징과 해부학적 형태를 정확히 기억해 냈다. 즉 앞으로 뻗친 집게 손가락은 미켈란젤로의 벽화 <천지창조> 중 <아담의 창조>에서 하느님이 아담에게 생기를 불어넣고 있는 것을 나타내며, 구부린 다리와 뒤틀린 왼쪽 팔, 어깨에 떨어뜨린 머리 등의 모습은 프랑스 바로크 시대 조각가 피에르 퓌세가 제작, 마르세이유 미술관에 소장된 <반인반수(半人半獸)>의 모습을 닮고 있다.

	세 망령 (1880년, 브론즈, 파리 로댕 박물관 소장) <지옥의 문> 맨 위에 있는 세사람은 단테의 시에서 유추해 보자면 자신의 고통을 이야기하는 지옥에 떨어진 사람들 틈 속에서 도망치는 망령들을 나타낸 것이라 볼 수 있다. 1880년 무렵 로댕이 제작한 다른 많은 작품들처럼 미켈란젤로의 영향을 많이 받은 작품이라 할 수 있다. 강건하고 근육과 약간 뒤틀린 형태는 작품 <아담(Adam)>과 함께 줄리어스 2세 교황의 무덤을 위해 미켈란젤로가 제작한 <노예들>과 비슷한 점이 있다.

	생각하는 사람 (1880년, 브론즈, 파리 로댕박물관 소장) <--이 쪽을 누르시면 자세한 내용을.. 처음 <지옥의 문>을 구상하면서 작품에 들어 갈 부분 작품들을 한 작품, 한 작품 씩 제작해 나갔다. 이 작품도 그 작품들 중 일부이다. <지옥의 문>의 중앙에 있는 인물로 지옥에 자신의 몸을 내던지기 전에 자신의 운명에 대해 심각하게 고민하고 있는 인간의 내면 세계를 긴장감있게 표현한 작품. 이 작품은 미켈란젤로의 <생각하는 사람>과 비슷한 서글프고 체념에 찬 인간의 고독과 집중적인 정열이 잘 나타나 있다. 6미터가 넘는 거대한 문의 위쪽 팀파늄의 중앙에 홀로 외로이 앉아있는 이 누드의 남성은 자신의 발 아래로 펼쳐지는 지옥의 풍경, 특히 시인 단테의 <신곡>의 '지옥'편에 등장하는 <파올로와 프란체스카>와 <우골리노와 아들들> 등 저주받은 인간 군상들을 힘없이 내려다 보고 있는 모습이다. 1880년 로댕은 장식미술관의 문을 장식할 조각을 주문 받자마자 점토로 몇 개의 모형(에스키스)을 제작하였는데 세 번째 모형부터 <생각하는 사람>의 모습이 나타나고 있음을 알 수 있다. 원래 이 생각하는 사람의 모습은 단테의 <신곡> 지옥편에 나오는 저승의 음산한 심문자, 즉 죽은 사람들의 영혼을 심문하는 미노스(Minos)의 모습으로부터 나온 것이 아닌가 생각한다. 턱을 괴고 깊은 상념에 잠긴 사람의 형상은 특히 르네상스 미술에 많이 나타나고 있는데 도상해석학적 관점에 따르자면 이러한 도상은 모두 고대 그리스, 로마시대부터 내려온 체질론 중 우울질과 밀접한 관련을 갖고 있다. <생각하는 사람>은 <지옥의 문>으로부터 분리되어 여러 개로 제작되었으며, 1904년에 대형의 석고상으로 확대된 작품은 1906년에는 브론즈로 주조해 파리의 판테옹 앞에 설치되었다가 로댕이 죽은 후 뮈동의 로댕미술관(로댕의 묘소)으로 이전되었다.

	생각하는 사람 (1880년, 석고조, 파리 로댕박물관 소장) 너무나 유명한 작품으로 정문을 통해 들어서면 오른쪽으로 돌아가면 정교하게 다듬어진 화단 안쪽에 보인다. 처음 <지옥의 문>을 구상하면서 작품에 들어 갈 부분 작품들을 한 작품, 한 작품 씩 제작해 나갔다. 이 작품도 그 작품들 중 일부이다. <지옥의 문>의 중앙에 있는 인물로 지옥에 자신의 몸을 내던지기 전에 자신의 운명에 대해 심각하게 고민하고 있는 인간의 내면 세계를 긴장감있게 표현한 작품으로 이 작품은 미켈란젤로의 <생각하는 사람>과 비슷한 서글프고 체념에 찬 인간의 고독과 집중적인 정열이 잘 나타나 있다. . (확대사진을 감상하시려면 그림을 떠블클릭 하세요~!! ^^)

로댕 작품의 올바른 이해 Ⅱ 우리 나라 삼국시대 신라(고신라)의 <금동미륵보살 반가사유상>과 로댕의 <생각하는 사람>과의 비교 설명
			우리 나라의 <금동미륵보살 반가 사유상(金銅彌勒菩薩半跏思惟像) >과 로댕의 작품 <생각하는 사람>을 비교해 보면, 먼저 <반가 사유상>은 관념적인 인간의 세계를 실존적으로 형상화 내지는 고뇌로부터 초탈하는 인간의 모습을 정신적인 사유로 나타낸 것이지만 <생각하는 사람>은 단테의 신곡을 주제로 <지옥의 문>에 여러 인간들의 고뇌를 바라보며 깊이 괴로움에 빠진 왜소할 수밖에 없는 한 인간의 외로운 모습을 서양의 이상적인 아름다운 근육미에 의해 물질적으로 나타낸 것이 아닌가 한다. 원래 서양인들은 조각에 있어서 육체와 물리적인 힘을 숭상하여 육체가 인간의 실존을 상징하는 것에 관점을 두고 표현하였고, 우리 나라를 비롯한 동양에서는 육체에 별다른 의미나 가치를 부여하지 않고 정신과 신체와의 합일 및 조화를 추구하여 서양의 이상적인 아름다움과 동양의 정신적인 아름다움의 차이를 인체를 통해 느낄 수 있다. 그리고 <반가 사유상>은 직관적 명상의 정형이라면 <생각하는 사람>은 논리적 사고의 전형적인 표현이라 할 수 있겠다.