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	Cloude Monet (1840-1926)	해돋이인상 (1872년작)	Cloude Monet(by Renoir,1875)

"...두 사람은 같은 시대에 가장 영광스럽고 확실하게 그림과 조각의 두 분야를 구현한 삶들이다...."
옥티브 미르보 <파리의 메아리>(1889년 6월 25일)
Photograph of Cloude Monet (28세, 1868년)	어째서 로댕을 인상파 화가인 피사로나 르느와르 또는 드가와 비교하지 않고 모네와 연결시켜 생각하는가? 물론 로댕과 모네가 생년월일이 이틀밖에 차이가 나지 않는다는 점을 지적할 수도 있을 것이다. 비록 점성학적으로 두 사람의 인생과 작품에 대해 어떤 유사성을 설명한다 하더라도 그것만으로 두 사람의 이름을 나란히 거론하기는 어려울 것이다. 두 사람을 같이 취급하는 것은 전혀 다른 이유에서이다. 우선 두 사람은서로 존경하며 깊은 우정을 나누었을 뿐만 아니라 단체 전시회에 함께 참여한 경우가 많았다. 마지막으로 1889년 아주 특별한 사건이 벌어졌으니 조르쥬 프티 화랑에서 모네-로댕 합동전시회가 개최되었다. 1889년은 에펠탑이 건립되고 파리 만국 박람회가 개최된 해이기도 하지만 그 당시의 위대한 예술가가 만난 해이기도 했던, 예술적으로 아주 중대한 시기였다. 모네와 로댕이 처음 만난 날짜를 정확히 꼬집어 내기는 힘들다. 가장 신빙성있는 얘기는 옥타브 미르보, 비평가 귀스타브 제프로아, 畵商 뒤랑 뤼엘 등과 함께 여러 친구들과 휩싸인 상태에서 첫 대면이 이뤄졌을 것이라는 가정이다. 모네는 1884년 뒤랑 뤼엘의 소개로 미르보를 알게 되었다. 두 사람은 원예에 관해 모두 관심이 깊었으므로 쉽게 친해졌다. 2년 뒤 모네가 브로타뉴 벨 일에 머무르고 있을 때 제프로아를 알게 된다. 파리로 돌아온 모네는 봉 코자크 만찬에 자주 참석했는데, 거기에는 르느와르, 로댕, 엘리외, 리쉬팽 등 문인과 화가 및 조각가들이 많이 참석햇다. 1887년 여름, 로댕은 모네가 1년 전 머물렀던 케르빌라우앙 마을에서 미르보와 함께 2주간을 보냈다. 이 때 로댕은 처음으로 바다 구경을 했다. 미르보에 의하면 로댕은 바다의 장엄한 광경을 보고는 "마치 모네 그림을 보는 것 같다!"고 감탄했다고 한다. 로댕은 같은 해 봄 조르쥬 프티 화랑에서 전시된 모네의 그림을 보았었다. 로댕의 이와 같은 찬사는 곧 모네에게 전해졌다. 두 사람이 만난 것도 세즈가(街)에 있는 조르쥬 프티 화랑에서 국제 전시회가 열렸을 때였는데. 그 화랑은 1882년 당시로서는 이례적으로 화려한 전시회를 개최한 바 있다. 모네는 1885년 그곳에서 열린 제 4회 국제 전시회에 처음 참가했다. 그 다음 해 모네는 르느와르를 그 전시회에 끌여 들여 화상 뒤랑 뤼엘에게 큰 손해를 입혔다. 1886년에 개최된 제 6회 국제 전시회야말로 가장 유명한 두 인상파 화가가 참가한 전시회였다. 그들과 달리 로댕은 처음으로 일단의 조각 작품을 조르쥬 프티 화랑에서 전시했다. 그 때 출품된 작품 중에는 <이브>, <나는 아름답다!>, <여인상왕>, <안드로메다> 등이 있다. 1887년 모네와 로댕은 르느와르 및 라파엘라와 함께 국제 전시 위원회에 참가했다. 제 6회 국제 전시회에 로댕은 <입맞춤>, <지옥의 문>의 일부, 3점의 <칼레의 시민>을 출품하고 모네는 벨일, 네델란트, 보르디케라 등에서 그린 풍경화 15점, 르느와르는 <목욕하는 여인글>을 각각 출품하였다. 피사로, 시슬리, 베르토, 모리조, 휘슬러 등도 출품했다. 모네는 로댕의 작품 중 <벨 일의 바다 풍경>은 케르빌라우앙에서 본 풍경에 대한 모네와 로댕 두 사람의 경탄이 담겨 있다. 모네는 로댕의 작품을 갖기를 원해서 로댕은 모네에게 2개 작품 중에서 선택하도록 했다. 모네는 그에 대해 1888년 5월 20일 "당신은 아주 친절하지만 약간 나를 당황하게 만드는구료. 당신이 내게 보여준 2개 조각 모두가 너무 아름다운 것이군, 그렇지만 <늙은 여인>이 더 나를 감동시키네, 정말 고맙네....!!!"라고 대답했다. 그는 또 곧 미르보와 신문 기자 테오도르 뒤레와 함께 로댕을 지베르니로 초청했다. 며칠 후 모네는 로댕에게 조각 작품을 보내준 것에 대해 감사를 표시했다. "친애하는 로댕씨, 당신이 보내준 아름다운 조각 작품 때문에 내가 얼마나 행복한지를 얘기하지 않을 수 없군. 나는 그 작품을 항상 볼 수 있도록 아틀리에에 갖다 놓았네. 또 자네 집에서 본 <지옥의 문>과 다른 작품을 보고 아주 감동했네...... 대단히 감사하네...!!!!" 동시에 새로운 전시 계획이 조르쥬 프티 화랑에서 기획되었다. 그런데 그 때는 모네, 로댕, 르느와르, 휘슬러의 작품만 전시하려는 계획이었다. 이에 대해 르느와르가 모네의 의중을 떠보았으나 모네는 이를 거절해서 1888년 제 7회 국제 전시회에는 로댕만 참가하게 되었다. 국제 전시회라는 것은 지금도 화가가 주최 화랑의 기준네 맞추어야 하는 성격이다. 모네는 애초에 참가자의 수를 로댕, 휘슬러, 르느와르와 자기 자신 등 4명으로 제한하려 했으나 이 계획은 이루어지지 않았다. 그러나 깊이 생각해본 모네는 1889년 다른 계획을 떠올렸다. 즉 조각가 로댕과 현대 화가인 자신 둘만의 전시회를 여는 것이다. 그래서 열린게 조르쥬 프티 화랑에서 개최된 두 사람의 합동 전시회였다. 이 전시회에서 로댕은 36개의 조각을 출품했는데, 그 중에는 <칼레의 시민>이 포함되어 있었다. 그리고 모네는 1864년부터 1889년까지 25년 동안 그린 작품 145점을 출품했다. 이 들의 전시회에 대한 소개문은 당시의 가장 훌륭한 두 비평가가 썼다. 모네의 작품에 대해서는 옥타브 미르보가, 로댕의 조각에 대해서는 귀스타브 제프로와가 각각 담당했다. 에펠탑과 기계전시가 압도하고 한쪽에서는 고갱과 그의 친구들이 '상징적이고 종합적인' 그림을 볼피니 카페에서 전시하고 있던 파리 만국 박람회에서 열린 <모네-로댕 합동 전시회>는 그 당시 대중들에게 두 사람의 재능을 한껏 뽐낼 수 있는 기회가 되었다. 옥타브 미르보는 이 전시회를 "조각과 그림 두 장르의 에술을 가장 영 광스럽고 확실하게 구현하였다"고 평하였다. 1890년부터 19세기말까지는 로댕과 모네의 우정은 순탄하기도 하고 음모 속에서 굴절을 겪기도 하였으나 사람들의 관심을 끌만한 일이 여러번 있었다. 예를 들면 1892년 11월 로댕이 파리 시청의 장식을 담당하는 위원회 위원이었을 때 커다란 풍경화 제작을 담당했던 쥘 브르통이 사직하자 로댕은 모네를 그 후임으로 적극 추천하였다. 조각가 브라크몽을 비롯, 3명이 모네에게 표를 던졌으나 정통화법으로 그리는 젊은 화가 피에르 라갸르드가 10표를 얻어 모네를 물리쳤다. 그래서 아깝게도 근세기의 위대한 조각가인 로댕과 인상파의 대가인 모네와 함께 일할 수 잇는 기회가 사라지게 된 것이었다. 그러나 모네와 로댕은 모네가 지베르니에 멀리 떨어져 있었기 때문에 정규적으로 만나지는 못했지만 다른 친구들과 동행해서 만나는 일은 종종 있었다. 특히 모네의 부인이었던 카미유 모네의 죽음은 이 들 두 사람이 가깝게 만날 수 있는 계기를 마련해 주었다. 오귀스트 로댕이 여배우 마들렌의 잔소리를 피해 마음을 식히기 위해서 가끔 방문했던 장소도 바로 모네의 작업실이었다. 그곳에서 로댕은 모네의 부인 카미유의 죽음을 위로하면서 그들 나름대로의 서로의 마음을 추수려 주곤 하였다. <오귀스트 르네 로댕과 클로드 모네 사이에 오고간 서신 내용> 당신이 보내준 당신의 아름다운 청동상을 받고 제가 얼마나 기뻤는지 알려 드리고 싶습니다. 그것을 제가 항상 볼 수 있도록 제 스튜디오에 갖다 놓았습니다. 감사합니다. - 1889년 모네가 로댕에게 - 당신 전시회의 성공은 지금의 저처럼 박해받고 있는 모든 예술가들에게 새롭고 커다란 힘을 줍니다. 안개에 휩싸인 성당! 지금까지 그 누구도 이루지 못한 너무나 멋진 효과를 기대합니다. - 1889년 로댕이 모네에게 -


Portrait of Cloude Monet (Renoir)(35세, 1875년)


Photograph of Cloude Monet (37세, 1877년)


Photograph of Cloude Monet (82세, 1925년)


Photograph of Kamiu Monet(Cloude Monet's Wife:1871년) 클로드 모네 부인이었던 카미유 모네

클로드 모네 작품에 나타난 그의 사랑하는 여인, 카미유 모네와의 열렬한 사랑......
		카미유는 둘째아이 미셀을 출산한 후 극도로 허약해졌다. 1879년 9월 5일 모네는 친구에게 이렇게 썼다. "아내가 오늘 아침 사망했습니다........ 불쌍한 아이들과 홀로 남겨진 저 자신을 발견하고 저는 완전 낙담해 있습니다............ 우리가 몽 드 피에테에 저당 잡힌 메달을 찾아주십시오 . 그 메달은 카미유가 지녔던 유일한 기념품이라 그녀가 우리곁을 떠나기 전에 목에 걸어주고 싶습니다." 아내가 죽은 그 달 9월 26일 실의에 잠긴 모네는 피사로에게 편지를 보냈다. "저는 극도의 슬픔에 빠져 있습니다. 어떤 길로 나아가야 할지, 두 아이를 데리고 내 삶을 어떻게 꾸려 수 있을지 아무 생각도 나지 않습니다. 비통함이 뼈에 사무칩니다." 클로드 모네가 직접 제작한 이 작품에서는 젊은 날의 동반자로서 고락을 함께해온 아내를 잃은 슬픔이 절절이 배어 있다. 안개 같은 검푸른 색채 속에 감싸인 채 죽음의 순간을 맞는 카미유의 얼굴이 애처롭다. 그가 젊은 날부터 연구했던 빛의 분광, 그 현란한 색채의 아름다움마저 아내의 죽음 앞에선 숨을 죽였다. 오른쪽에서 들어오는 엷은 잔광이 카미유의 얼굴 윤곽을 살려내고, 그 주위로 마치 그녀가 당하고 있는 죽음의 고통을 표현하듯 검푸른색을 비질하듯 거필게 표현했다. 내게는 너무 소중했던 한 여인의 죽음을 기다리고 있으며, 이제 죽음이 찾아왔습니다. 그 순간 저는 너무 놀라고 말았습니다. 시시각각 짙어지는 색채의 변화를 본능적으로 추적하는 제 자신을 발견했던 것입니다. 어찌 보면 이제 영원히 우리 곁을 떠나려 하는 사람의 마직막 이미지를 보존하고 싶은 마음 자연스러운 발상이었습니다............그 특징을 잡아내야겠다는 생각이 떠오르기도 전에 저의 깊숙한 본능은 색채의 충격에 반응하고 있습니다." 아내가 죽음을 맞는 비통한 순간에도 모네는 직업적으로 죽음주위에 머물며 순간순간 변해가는 색채를 보았다. 뒷날 벌판의 노적가리와 루앙 대성당과 영국 국회의사당의 연작 속에 아침, 낮, 저녁, 기후 조건을 따라 대상(사물)이 변하는 빛의 분광을 보았던 것처럼 말이다. 그러나 다른 한편, 아내의 죽음 보는 순간 결코 놓쳐서는 안 될 사랑하는 사람을 곧 잃게 된다는, 자신의 내면에서도 점차 빛이 꺼져가는 절망을, 자신의 심리적 변화까지 화가는 본능적으로 추적하고 있었던 게 아닐까. 인상파 화가 중에서 가장 성공(?)한 화가로 인정받고 있는 모네. 그에게 가장 큰 정서적 안정을 제공한 사람은 바로 그의 아내 까미유였다. 화가인 남편을 위해 죽는 순간까지 모델이 되어주었을 뿐만 아니라 그림자처럼 조용히 남편을 위해 살아간 여인이었다. 그러나 그녀의 행로는 슬픔이 많은 인생 그 자체였다. 모네가 25세, 까미유가 18세였던 1865년, 그 둘은 화가와 모델로 만났다. 그당시 마네의 [풀밭 위의 식사]에 자극을 받는 모네는 2년 후 비슷한 구도의 [소풍](1865)을 그리고 이듬해[초록 드레스의 여인](또는 [카미유]로 불림)을 완성했는데, 그 작품에 카미유가 그의 모델이 되어 주었다. 둘은 곧 연인관계로 발전되었다. 그리고 곧 사랑에 빠져 함께 살기 시작했고, 2년 뒤에는 까미유가 큰 아들 장을 임신했다 하지만 모네의 가족의 반대로 둘은 결혼할 수 없었고, 이듬해 카미유는 모네의 아들 장을 낳았다. 그는 장의 대부(代父) 인 바지유에게 "먹을 것이 없이 지내는 애 엄마를 생각하면 가슴이 미어터지네" 하며 도움을 청하기도 했다. 화가의 호주머니는 늘 빈털털이었다. 그러나 당시 창녀와 비슷한 대우를 받았던 모델이 직업이었던 까미유를 모네의 식구들은 받아들일 수가 없었다. 함께 살 수는 있었지만 그들은 너무나 가난했다. 등잔불을 켤 수도 없었고, 양식과 물감을 살 돈조차 없어서 작업을 중단할 때도 있었다. 심지어는 아기를 위한 젖이 나오지 않아 까미유는 구걸을 하러 다녀야 할 때도 있었다. 그럼에도 그들은 서로를 사랑했고 행복했다. 사랑하는 아내를 앞에 두고 그림을 그릴 수 있었던 모네와 사랑하는 사람을 위해 모델이 되어줄 수 있던 까미유는 마냥 행복하기만 했다. 모델이란 그림을 그리는 동안 내내 꼼짝달싹 못하는 힘든 작업이지만, 그 당시 모네가 그렸던 모든 그림 속 주인공들은 거의가 그의 아내 까미유였을 만큼, 그녀는 남편이 아름다운 작품을 만들 수 있도록 열심으로 도왔다. 그로부터 카미유와 함께 산 아홉 해, 모네는 아내와 아들 장을 모델로 많은 그림을 그렸다. 붉게 타는 양귀비 꽃밭으로 산책 나온 아내와 아들을 그린 [양귀비](1873), 아내가 모델이 된 [독서하는 소녀]와 가족의 식사 뒤 정원 풍경을 그린 [오찬](두 그림 모두 1873년경), [정원의 모네 가족](1874)등, 틈만 나면 짬짬이 그는 아내와 아들을 모델로 끌어들였다. 생활은 늘 힘들었다. 양식이 떨어지고 물감 살 돈이 없어 작업을 중단해야 할 때도 있었다. 동료화가 르누아르와 마네에게 도움을 청하기도 여러 차례였다. 1870년 프랑스와 프러시아가 전쟁을 시작하자, 군대에 끌려가고 싶지 않았던 모네는 5년 만에 아내와 결혼식을 올린다. 그리고 이 부부는 전쟁을 피해 영국으로 피신을 하게된다. 이렇게 되자 그의 가족들도 어쩔 수 없는 상황 앞에서 할 수 없이 그들의 결혼을 인정하게 되었다. 그러나 결혼 생활이 10년도 되기 전인 1879년, 까미유는 세상을 떠나고 만다. 그녀의 병명은 자궁암이었다. 힘들고 어려운 무명시절의 모네 곁에서 갖은 고생을 다하며 지내었기에 생긴 병이었을 것이다. 그러나 그녀를 힘들게 한 것은 육체적 어려움 뿐만이 아니었다. 모네가 또 다른 여인을 곁에, 그리고 마음에 두기 시작하면서부터 까미유의 병은 더욱 깊어만 갔다. 모네의 또 다른 여인은 미술품 수집가이자 모네의 경제적 후원자였던 사람의 아내였다. 전쟁 등으로 인해 경제 사정이 나빠져 가세가 기울게 되고, 남편마저 사망하자 그 여인은 모네의 집에 얹혀 살기 시작했다. 그리고 그 세 사람이 한 지붕 아래 살기 시작하면서부터 이런 저런 말들과 복잡한 일들이 생겨나기 시작했다. 부유한 집안에서 충분한 교육까지 받아 지적이고 교양있는 알리스 오슈데란 이름의 이 여인 앞에서 까미유는 병든 자신과 비교하며 아픈 감정의 상처를 겪어야 했을 것다. 그러나 알리스는 까미유를 정성껏 간호해주었고, 그녀의 임종까지 잘 지켜주었다. 그리고 홀로된 모네를 잘 돌보아 주며 그가 그림을 포기하지 않도록 도왔다. 그 뒤 1892년 알리스와 모네는 결혼을 하게 된다. 사실 까미유가 죽는 순간까지도 그녀의 얼굴 빛과 그림자의 변화를 관찰하며 작품을 만들었던 모네에게 있어, 그녀의 죽음은 큰 슬픔이었다. 어쩌다 까미유를 그리워하며 알리스를 앞에 두고 그림을 그린 적도 있기도 하였지만, 여전히 모네는 인물화 보다는 정물화나 풍경화를 더 많이 그렸다. 그것도 화면전체를 아주 우울하게...... 까미유가 죽은 뒤, 인상파는 몰락되었다는 말이 있을 정도로, 모네의 작품 속 가장 큰 빛은 까미유, 그녀 그 자체였다. 가장 사랑하는 사람의 작품 속 주인공의 삶… 쉽지 않은 인생이었지만 그 무엇보다도 의미있는 삶인 것 같다.
<카미유, 녹색의 의상 (1866)> 그의 아내 까미유를 모델로 하여 그린 첫 작품이니다. 이 작품을 준비하면서 그들은 사랑에 빠지기 시작하였고 모네는 불과 나흘 만에 이 작품을 완성했다고 한다. 짙은 녹색의 드레스를 입고, 모자의 리본을 오른 손에 쥔 채 상체를 약간 화가 쪽으로 돌린 포즈가 독특하다. 마치 그녀의 움직임들 중에서 순간을 포착한 것 같다.


<붉은 케이프, 마담 모네 (1873)> 다소 어두운 실내와 화사한 커튼의 문 뒤로 모네의 아내가 붉은 망토를 거친 채 건너편에 있는 화가를 물끄러미 바라보고 있다. 까미유의 얼굴은 다소 우울해 보이고, 화가는 그녀의 얼굴을 제대로 쳐다보는 것 같지 않다. 이 때 즈음부터 알리스 오슈데라는 여인 때문에 이들의 부부 생활에 금이 가고, 까미유는 병이 들기 시작했다고 한다. 서로 어긋난 시선이 그 사실을 암묵적으로 보이고 있다.


<개양귀비 꽃 (1873)> 광활한 초원에 붉은 개양귀비꽃이 무수히 펼쳐져 있다. 이 작품에서도 역시나 사랑스런 아내와 아들이 등장하고 있다. 붉은 꽃과 푸른 하늘, 그리고 초록색 들판이 너무나 경쾌하고 생기있게 느껴진다. 또한 화려하면서도 나름대로 인상파적인 해석이 느껴지는 빛과 색채의 표현이 잘 살아있다.


<La Promenade(산책:1873)>-까미유 모네와 그녀의 아들 장 일명 <파라솔을 든 여인> 이란 제목으로도 불리고 있는 이 작품은 모네가 부인을 모델로 그린 작품 들 중에 가장 자연스러운 작품이다. 산책 도중에 잠깐 놀란 듯 동그랗게 눈을 뜨고 화가를 바라보는 그녀의 얼굴이 사랑스럽다. 까미유 뒤에 서 있는 아이는 그들의 아들 장으로서 모네는 이 아이를 지극히 사랑했다고 한다. 따뜻한 햇살 아래에서 사랑하는 가족들을 그리고 있는 화가. 세상에 더 부러울 것이 없는 느낌이 든다.

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<아들과 간병인(알리스 오슈데-후에 모네의 후처가 된다.)이 함께 있는 카미유 모네>


<임종을 맞은 Camille Monet(1879)> 눈을 감는 순간까지 아내의 모습을 화폭에 담았던 화가와 그를 위해 마지막 미소를 보내고 있는 아내. 그런 아내를 바라보며 화가는 안타까움과 미안한 마음 뿐이었을 것이다. 죽어가는 아내에 목에 걸기 위해 목걸이를 찾아달라고 친구에게 부탁했던 일은 유명하다. 창문으로 들어오는 햇살로 인해 그녀의 얼굴 빛은 시시각각으로 변하고 있고, 모네는 그 빛의 변화를 감지하며 붓으로 그것을 표현하고 있다.

클로드 모네(Claude Monet 1840∼1926 ) 소개

<모네의 자화상(1917)>	프랑스 인상파의 대표적 화가. 파리 출생. 5세 무렵 전 가족이 르아브르로 이주하여 센강 하구에 있는 항구도시에서 소년시절을 보냈다. 모네는 파리에서 태어났지만 5살때 부모를 따라 르아브르에 정착하여 유년기와 청년기를 그곳에서 보냈다. 그가 사춘기 때 처음에는 마을 명사들을 그린 캐리커처로 그 지방에서 선풍적인 인기를 끌었다. 노르망디의 바다와 구름 낀 넓은 하늘도 훗날 그에게 지대한 영향을 미친다. 십대 후반에 만난 해안화가라고 불리우는 으젱 부댕(1824-1898) 덕분에 모네는 화가의 길을 걷게 된다. 그는 부댕으로부터 유화를 배우면서 <옥외에서 풍경이나 바다경치를 그리라>는 말을 들은 후에는 풍경화가 그의 주된 관심사가 되었다. 부댕의 "실제적으로 있는 장소에서 직접적으로 그린 것은 아틀리에에서 완성한 작품에 없는 박력이 있고 생동감이 있다."는 말을 믿고 그와 같이 노르만디의 해변 풍경을 사생하면서 다녔다. 그래서 이들을 외광파(外光派 Pleinairisme)라고 하기도 한다.
그는 19세 때에 파리에 가서 아카데미·쉬쓰에 드나들면서 화업(畵業)을 닦는 한편 같은 인상주의 화가인 피사로를 만나기도 한다. 1859년 파리에 온 모네는 아카데미즘에 반대하는 아르망고티에 의 아틀리에에 들어간다. 그는 입대하였다가 신병으로 제대하고 다시 르·아브르에 돌아와 부댕과 같이 쌩따드레스에 가서 작업을 하기도 하고, 또 용킨트를 만나 큰 영향을 받고, 그 해 11월에 다시 파리로 나와 그레이르·아틀리에에서 르노와르, 바지유, 시슬레 등과 交遊하게 된다. 1863년 봄에 모네는 이들과 같이 퐁텐블로 숲에서 외광을 받고 있는 풍경을 그리기도 하고, 또 파리에서 사실주의 거두였던 쿠르베와 함께 그 당시 무명의 조각가였던 오귀스트 로댕을 만나는가 하면, 샤를르·프랑소와·도비니와 만나 같이 일도 하였다. 그는 1865년 "까뮈·녹색(綠色)의 의상"(1688)을 살롱에 출품하여 소설가 에밀·졸라에게 칭찬을 받았다. 그는 1867년에 "정원의 여인들"(1689)이 살롱에서 낙선되었으며, 그해 장남 쟌이 출생됨과 동시에 빈곤에 허덕이고 있다가 고디베르의 원조를 받고 그렇게도 그리기 싫어한 그 부인인 카미유 모네의 초상화(1690)를 그리기도 하였다. 1870년에 보불전쟁을 피하여 런던으로 가서 도비니와 다시 만나 그의 소개로 인상파의 성립과 그 보급에 힘쓴 폴·듀란류엘(Paul Durandruel 1831∼1922)이라는 파리의 화상을 만나 그 후 모네의 큰 도움이 되었다. 이 戰火로 피난 온 피사로와 다시 만나 같이 미술관을 돌아다니면서 영국 풍경화파 화가인 컨스터블과 터너들의 작품을 보게 되어 자기들의 진로에 대한 확신을 얻게 되었다. 모네는 사실주의 화가인 밀레, 쿠르베, 바르비종 화가들을 비롯하여, 코로, 들라크루아, 용킨트 등에게 경외심을 느낀다. 이때 F.바지유·A.시슬레·P.A.르누아르 등 인상파 화가들과 알게되어, 이들 네 사람은 때때로 퐁텐블로 숲에서 작업을 함께 했다. 62년에는 르아브르 근처에서 네덜란드 풍경화가 J.B.용킨트를 만나 물과 대기와 빛의 묘사에 크게 감화되었다. 65년 살롱에서 2점의 바다풍경화가 입선되고, 66년의 살롱에서도 2점의 작품이 입선되었다. 그는 점점 빛의 효과나 물의 반영에 민감해졌고 색조도 60년대 말에는 한층 밝아졌다. 70년 프로이센―프랑스전쟁이 일어나자, 피난차 런던으로 건너가 C.F.도비니를 통해서 화상 뒤랑―뤼엘을 알게되었다. 71년 프랑스에 돌아와 파리 교외 센강변의 행락지 아르장퇴유에 거처를 정하고, 차츰 근대화·공업화 물결을 다고 있던 이 지방의 여러 정경을 그렸다. 그는 자연을 그 변화상에 따라 그리려고 때로는 아틀리에용으로 마련한 배를 센강에 띄우기도 했다. 이들은 퐁텐블르로 숲에 가서 작업한다. 모네는 때로 노르망디로 가서 부댕, 용킨트와 함께 작업하기도 한다. 초기에는 G.쿠르베나, E.마네의 영향을 받아 인물화를 그렸으나 점차 밝은 야외에서 풍경화를 그렸다. 70년 프로이센-프랑스전쟁 때 런던으로 피신, 이때 J.터너, J.콘스터블 등의 영국 풍경화파의 작품들에 접했다. 이것은 명쾌한 색채표현이란 점에서 커다란 기술적 향상을 그에게 가져다주었다. 72년 귀국, 파리 근교의 아르장퇴유에 살면서 센 강변의 밝은 풍경을 그려, 인상파양식을 개척하였다. 74년 파리에서 ‘화가·조각가·판화가·무명예술가 협회전’을 개최하고 여기에 12점의 작품을 출품하였는데, 출품된 작품 《인상·일출(日出)》이란 작품 제명에서 인상파란 이름이 모네를 중심으로 한 화가집단에 붙여졌다. 어느 신문기자가 모네의 작품 ‘인상, 해 뜨는 광경'을 본 후 그가 느꼈던 시각적 인상을 전달하기 위해 사용한 단어였던 것이다. 하지만 당시 이 용어의 의미가 내포하는 뜻은 매우 부정적이었다. 전통적인 회화 양식의 표현 수단을 상실한 모네를 비롯해 많은 인상주의 예술가들을 공격하기 위한 반감이 담겨져 있었던 것이다.

하지만 모네는 이에 굴하지 않았다. 모네만큼 빛을 사랑하고 동경한 화가는 일찌감치 없었다. 희뿌연 아침 안개와 빛으로 물드는 일출의 바다, 수많은 은비늘처럼 태양의 빛에 반짝거리는 포플러 가로수, 신이 내리는 빛의 변화에 시시각각으로 옷을 갈아입는 자연의 모습은 모네에게 영원히 깨어날 수 없는 마법을 걸고 말았다. 그는 언제나 사물의 원형에 가까운 형태의 창조보다 빛에 의해 변화되는 사물의 아름다움을 찬양했다. 1866년 모네는 살롱에 초상화 <카미유>를 전시한다. 이작품으로 그는 성공을 거두고 전도양양한 작가로 부상하지만, 그동안에 진 빚과 1867년 <살롱>낙선으로 인하여 생활고를 겪는다. 1870년 보볼전쟁의 피해 피사로와 함께 런던에 간 모네는 터너를 통해 영국 풍경화의 새로운 스타일을 접하고 반해 버린다. 이 시기에 그는 영향력 있는 화장이자 콜레터인 뒤랑, 뤼엘을 만난다. 조금씩 사람들의 마음을 끌기 시작하며 인상파의 지도자가 된 모네는 1872년부터 아르장퇴이유에 머물면서, 연못과 다리 등 세느강 유역의 풍경을 즐겨 그린다. 르누아르와 마네도 아르장퇴이유로 그를 방문하여 종종 함께 작업했고, 이 시기에 모네는 자신의 작품들 중 태양광을 통한 가장 밝은빛의 영향을 연구하면서 작업하였다. 당시의 전통에서 벗어난 화풍을 보이는 인상파 화가들은 <살롱>에서 계속 낙선한다. 그래서 이들은 심사위원과 상이 존재하지 않는 자유로운 전시회 <앙데팡당>을 기획한다.

<Houses of Parliament(1904)>

74년에는 C.피사로 등과 함께 살롱에 대항하여 독자적 그룹전을 조직하있는데 여기에 출품한 작품의 하나인 《인상―해돋이》는 뒤에 인상파라는 호칭을 낳는다. 그는 <여러 색채는 바라보게 되었을 때 단일체로 합쳐지는 것>이라고 생각했다. 78년 초까지 아르장퇴유에 머물렀으며, 같은 해 센강 하류 베퇴유로 옮겨 살았으며, 83년에는 지베르니로 옮겨 그곳에서 여생을 보냈다. 그에게 주어진 어린 시절의 주위 환경은 자연 속에서 따갑게 내리쬐는 태양의 빛으로 온통 물들어 있었다.

어려서부터 그림에 뛰어난 재능을 갖고 있었던 모네는 동네에서도 그 실력을 일찌감치 인정받았고, 그는 종교적인 것을 믿지 않았고, 직접적인 경험에 의해서 얻은 것이 아니면 다른 어떤 것도 믿지 않는 고집쟁이였다. 모네는 화가란 대상의 존재를 단지 실제적이고, 현존하는 것만을 표현하는 사람이라고 생각했다. 따라서 상상력에 의한 변화란 그에게 어떤 방법으로든 용납되지 않았다.

1868년부터 모네는 세느강을 그의 회화에 중앙 무대로 끌어들이게 된다. 세느강은 모네에게 가장 중요한 주제가 되었고, 세느강을 통해 들어오는 형태와 색조, 리듬과 빛에 의해 투영되는 물살의 움직임에 그는 감동했다. 1874년 아르장퇴이유에서 배를 구입한 모네는 물 위에 어른거리는 빛의 움직임을 꾸준히 관찰했다. 따라서 센느강과 범선이 이 시기의 주제가 되었다. 작가는 아틀리에로 개조한 배 안에서 작업하면서, 분할된 터치를 써서 떨림과 물의 반사를 강조하고, 금방 사라지는 것과 즉흥적인 것을 포착하려 애썼다. 화상 뒤랑-뤼엘을 비롯한 애호가들의 도움에도 불구하고, 모네의 경제 상황은 악화되어 갔다. 그 때문에 1878년부터 피라와 인상파 친구들을 떠난 모네는 베퇴이유에 머무는 데, 1879년 동반자였던 부인 카미유가 죽고, 혹독한 추위 때문에 실내 작업만 계속하게 되었다.

이때 그린 꽃과 과일의 정물화는 그가 전에는 보여주지 않았던 슬픔과 절망의 색조를 띤다. 1883년 초부터는 명성을 얻기 시작했으며 경제적으로 윤택하여졌다. 1883년 봄 둘째 아내 블랑슈 오세드와 아이들을 데리고 모네는 지베르니에 정착했고, 풍광 좋은 지베르니의 아름다운 정원에 매료된 그는 1890년 집을 사게된다. 이어 뒤랑 - 뤼엘과 조르주 푸티, 두 화상의 도움으로 재정적인 어려움도 차츰 풀려 가고 프랑스와 국외전시도 활발히 진행되어 모두 성공을 거두었다. 1890년 <밀짚>을 계기로 모네는 같은 모티프를 계절, 시간, 기후, 빛 변화에 따라 묘사한 연작들을 구상한다.

모네는 인상파의 거장답게 놀라울 정도의 정확한 눈과 손놀림을 갖고 있었다. 집념 어린 관찰을 통해 그는 촌음을 다투는 자연의 변화를 꿰뚫어 볼 수 있는 능력을 기른 것이었다. 세느 강변에 앉아 모네는 순간적인 이미지를 포착하며 자연의 떨림을 재현해 내기 위해 그에 어울리는 붓터치를 터득해 나갔다. 거칠고 강한 붓터치, 극심한 색조의 굴곡은 바로 이 같은 모네의 경험적 토대 위에 형성되어진 것이었다. 하지만 모네의 이 같은 작업은 결코 쉬운 일만은 아니었다. 같은 사물을 대하면서도 빛에 의해 변화되는 일련의 과정들을 어떻게 포착할 것인가. 그가 보았던 순간의 빛, 그리고 그 빛에 의해 반사되는 사물의 형태는 과거에도 없었고, 미래에도 없을, 오직 그 순간에만 존재하는 것이었다. 따라서 그 상태를 포착하기 위한 그의 눈과 손은 항상 자연을 향해 분주하게 움직여야 했다.

<수련 (1916-1923)>

모네는 자연의 변화에 민감했고, 자연이야말로 빛과 색채의 변화를 표현하는 최상의 소재라고 생각했다. 86년이라는 긴 생애 동안 모네는 오직 자연의 빛만을 찾아 헤맸다. 수시로 변화하는 일순간의 빛들을 담기 위해 끊임없이 화폭을 메워 갔다. 그래서 모네에겐 어떤 주제를 그릴 것인가를 고민하기 전에 빛의 변화를 어떻게 표현할 것인가가 훨씬 더 중요한 과제였다. 1880년대에 그는 노르망디나 지중해 연안, 중부 프랑스, 브르다뉴의 벨릴섬 등 각지로 자주 여행하여 극적인 구도를 즐겨 그렸다. 90년대에는 여행을 그만 두고, 같은 모티프를 다루면서 시간의 추이에 따라 방법을 달리하며 그리는연작에 착수하여 《짚더미(1890∼9l)》《포플러(1891)》《루앙대성당(1852∼94)》 등의 시리즈를 냈다. 93년에는 지베르니에 수련(睡蓮)의 연못을 조성하여, 95년 무렵부터 《수련》의 연작을 시작했다. 클로드·모네는 인상주의의 지도자로 가장 긴 세월에 걸쳐 오직 시각에 충실하여야 한다는 인상주의의 원칙을 솔직하게 지킨 화가이다. 따라서 클로드·모네의 작품은 인상주의의 모든 것을 말해주고 있다고 해도 과언은 아니다. 그렇기 때문에 세잔은 모네에 대하여 말하기를 "그는 단지 눈이다. 그러나 나에게 있어서 눈이 무엇이냐!"라고 하였다. 이 에피소드는 진실을 끊임없이 추구하는 모네의 태도가 전연 형체를 무시하려고 한데 대한 증언이다.

클로드·모네의 작품의 변화상을 볼 때, 그의 작품에는 아카데미파의 역사화나 신화화와 같은 주제의 것도 없지만 그 어두운 색조나 반들반들한 형체 표현도 없다. 밝고 거칠고 시정이 담기고 빛깔의 이동으로 데포르메화하여 갔다. 뿐만 아니라 그는 만년이 되어갈 수록 시시각각으로 천변만화하여 가는 빛깔의 변동을 화폭에 싣기 위하여 연작을 시작하였다. 1876년에서 78년에 걸쳐 그린 최초의 연작 "쌍·라지르역"은 같은 소재를 빛깔의 변화에 따라 수 많은 캔버스에 나누어서 그렸다. 모네는 그 변화상을 색가(色價)의 미묘성에 크게 느끼는 바가 있어 "해빙(解氷)", "포플라", "짚더미", "루앙 대성당", "런던의 국회의사당", "수련" 들을 그렸다. 이렇게 모네가 쌍·라지르역에서 시작한 연작은 빛깔의 효과의 조직적 추구의 이론적 전개이며, 시간의 흐름세에 대한 섬세한 표현이다. 따라서 필촉은 점점 크게 야들야들 해지고 시각은 점차로 예민성과 미시성(微視性)이 불어나 하늘과 대지가 마치 그 이후의 추상화의 선구적인 성격이 강조되는 듯 하다. 더욱이 그의 "수련"은 1899년에서 1926년 그가 작고할 때까지 추구하던 최후의 연작이다. 그 중에서도 1911년 후처 아리스를 잃고, 실의에 차서 3년간이나 화필(畵筆)을 던져버리고 있었다가 그의 친우인 정치가 죠르쥬·끌레망(Georges Clemenceau 1841∼1929)의 격려로 겨우 다시 화필을 들기 시작하였다. 그것이 바로 파리의 뛸르리궁의 오랑쥬리미술관에 있는 "수련"의 대벽화이다 1890년, 노년의 모네는 지베르니에 머물면서 노년기의 예술혼을 불태운다. 이때부터 사망하기 전까지 30여 년 동안 모네가 그렸던 주제는 연못 위에 피어 있는 ‘수련'이었다.

모네가 그토록 오랜 시간 동안 수련에 집착했던 이유는 무엇일까?그는 하나의 주제를 그리기 위해 끊임없이 흐르고 있는 시간의 움직임을 붙잡아 두고 싶었다. 시간의 흐름과 함께 변화하는 빛과 색채를 그대로 그리고 싶어했고, 그것을 위해서 모네는 오랜 시간 동안 수련을 관찰하며 연작을 그렸던 것이다. <수련>을 통해 우리는 모네가 갖고 있는 몇 가지 회화 기법을 엿볼 수 있다. 첫째, 모네는 붓놀림이 매우 빠른 화가였다. 철저하게 야외에서 그림을 그렸던 모네는 그가 붓질을 시작한 첫 장소에서 무조건 그림을 완성해야 했다. 일단 시작한 그림을 마무리 하기 위해 그에겐 내일이 존재하지 않았다. 내일의 빛은 또다시 어떻게 변할 지 모르기 때문이었다. 따라서 그의 붓놀림은 필연적으로 빨라질 수밖에 없었다. 둘째, 팔레트에서 색을 섞지 않고 캔버스에서 직접 색을 혼합했다. 이는 빠른 속도로 그림을 완성시키기 위한 까닭이기도 하다. 또 색조의 선명한 효과를 위한 의도적인 행위이기도 했다. 셋째, 풍부한 빛을 표현하기 위해 애썼다. 햇빛으로부터 생동감을 부여받은 사물의 형태를 표현하기 위해 밝고 풍부한 색감을 사용했던 것이다. 그의 후기작품에서는 현장뿐만 아니라 아틀리에에서의 제작도 차츰 중요도를 더해갔다. 그는 빨리 쉽게 이를 수 있는 것에는 만족하지 않았고, 자신이 의도하는 순간의 효과를 내기 위해 몇 번이고 그림에 되돌아가 아틀리에에서 그것을 완성시켰다. 만년에 친구이며 정치가인 G.클레망소의 권고로 《수련》의 대장식화를 그렸고 뒤에 국가에 기증되어 파리 오랑제리미술관에 소장되었다. 이후 86년까지 8회 계속된 인상파전에 5회에 걸쳐 많은 작품을 출품하여 대표적 지도자로서의 위치를 굳혔다.

<루앙 대성당 (1893)>

한편 78년에는 센 강변의 베퇴유, 83년에는 지베르니로 주거를 옮겨 작품을 제작하였고, 만년에는 저택 내 넓은 연못에 떠 있는 연꽃을 그리는 데 몰두하였다. 작품은 외광(外光)을 받은 자연의 표정을 따라 밝은색을 효과적으로 구사하고, 팔레트 위에서 물감을 섞지 않는 대신 ‘색조의 분할’이나 ‘원색의 병치(倂置)’를 이행하는 등, 인상파기법의 한 전형을 개척하였다. 자연을 감싼 미묘한 대기의 뉘앙스나 빛을 받고 변화하는 풍경의 순간적 양상을 묘사하려는 그의 작화(作畵)의도는 《루앙대성당》《수련(睡蓮)》 등에서 보듯이 동일주제를 아침·낮·저녁으로 시간에 따라 연작한 태도에서도 충분히 엿볼 수 있다.

그는 물의 흐름, 구름의 진행, 빛의 떨림, 수목의 동요를 재빨리 파악하여 자연의 형태의 표현보다는 거기에 변화를 주는 빛과 색의 효과를 그리려고 했다. 시간에 따라 변화하는 빛의 표현에 전념한 그는 자기의 외향을 분명히 하기 위하여 같은 주제를 상이한 시간에 따로따로 제작한 몇 개의 뛰어난 연작을 남겼다.

이 밖에 《소풍：The Picnic》《강：The River》 등의 작품도 유명하며 만년에는 눈병을 앓다가 86세에 세상을 떠났다.