Portrait of Auguste Rodin1 (1854년, 연필화, 파리 로댕 박물관 소장)

  로댕이 14세 때 장식미술학교(Petite Ecole)에 입학하여 르콕 드 보아보드랑과 화가 벨곡에게 직접 사사를 받으면서 화가의 길에 대해 관심을 갖게 되나 차츰 조각에 눈이 띄면서 점차 전문적인 교육의 필요성을 느끼게 된다. 그러나 에콜 데 보자르에 지원, 세 번이나 낙방의 쓴 잔을 먹는다. 장식미술학교에 다니면서 틈틈이 그린 이 조그마한 연필 자화상은 로댕이 17세의 소년기의 모습을 연필로 그린 것이다. 이후 사랑하는 누이 마리아의 뜻하지 않는 죽음에 충격을 받아 성령회 수사로 수도원에 들어가게 된다.

 

 

 Study of Nude Model (1857년, 연필화, 파리 로댕 박물관 소장)

  로댕은 장식미술학교(Petite Ecole)에 다니면서 근처 루브르박물관을 수시로 방문하여 기존 작가들의 그림을 보고 모사하는 등 그들의 기본적인 표현 수법 등을 배우곤 하였는데 이 작품에서는 그 당시 화가들의 그러한 고전적인 수법이 잘 나타나 있다. 살아 움직이는 듯한 근육의 흐름과 특히, 세밀하고 섬세한 표현력과 함께 남성 모델에서 느끼는 강인한 포름과 딕테일이 눈이 잘 띄인다.

 

 

 

 Portrait of Auguste Rodin2 (1858년, 연필화, 파리 로댕 박물관 소장)

  로댕이 18세 때 그린 이 조그마한 연필 자화상은 뚜렷한 18세기적 감각을 지니고 있다. 아직도 앳되고 수염도 거의 나지 않은 소년기의 모습 그대로 이다.
 

 

 

 

 로댕의 어머니 (1860년, 캔버스 유화, 파리 로댕박물관 소장)

  이 작품은 로댕이 20세 때 그린 작품으로 실물보다는 좀 더 크게 그린 것이다. 현재까지 알려진 그의 유일한 어머니의 모습을 그린 유화 작품이다.

 

 

 Horse (1864년, 캔버스 유화, 파리 로댕박물관 소장)

  로댕은 동물을 주제로 한 그림은 별로 그리지 않았으나 1864년경 파리 Lebrun 96 가에서 그림공부를 할 때 주변에 있는 Saint-Marcel market을 지나면서 우연히 말에 관련된 그림을 발견하면서 로댕은 그 후부터 그와 같은 작품을 제작하였다. 

 

 

 설교하는 성 요하네 (1870년, 펜화, 파리 로댕박물관 소장)
 
 몸은 <걷는 사람>으로 하고, 얼굴은 그의 친구 Danielli를 모델로, 몸가짐은 이탈리아 사람을 모델로 한 작품으로 원래 어깨에 십자가를 메도록 구상하였으나 전체적인 동작이 깨지게 되어 로댕은 그것을 없앴다. 이 작품은 로댕의 화실에 모델이 되겠다고 찾아왔던 농부 세자르 피냐텔리를 보고 영감을 받아 제작한 작품이다. 피냐텔리는 전혀 모델 경력이 없었던 농부였지만, 로댕은 꾸밈없는 그의 자연스러운 자세가 오히려 마음에 들어 그를 모델로 삼았다고 술회하기도 하였다.

  이 작품은 비슷한 시기에 제작된 <청동 시대>, <걷고 있는 남자> 등의 작품과 함께 로댕의 인체 해부학에 대한 진지한 탐구를 잘 보여준다. 그는 과거의 거장들이 과장되게 근육을 묘사하였던 것과 달리 사실성에 기초한 조각을 제작, 동시대 화가들과 마찬가지로 조각 분야의 리얼리즘을 선도하였다.

 

 

 

 벨기에 풍경 (1874년 경, 콩테화, 파리 로댕 박물관 소장)
 로댕이 1871년 경부터 벨기에 브뤼셀에 거주하며 건축장식 일을 맡는 동안 틈틈이 부뤼셀의 농촌풍경을 주제로 회화 작품을 제작하곤 하였다.

 

 

 

 스케치 (1875년, 연필 및 펜화, 파리 로댕박물관 소장)

   로댕이 1875년경 이탈리아를 여행하는 도중에 그린 연필 및 펜 스케치화로 1930년에 두꺼운 마분지 위에 종이로 그린 스크래치화와 그 밖의 여러 스케치나 스크래치화 등을 모아 붙인 것이다.

 

 

 십자가에 못 박힌 그리스도 (1871년-1877년 사이에 제작, 캔버스 유화, 네델란드 안티워프 왕립박물관 소장)
 
  로댕은 틈틈이 루브르박물관에 전시 중인 벨기에 플랑드르 화가인 루벤스<Rubens, Peter Paul>(1577~1640)의 작품을 모사하기 시작하였다. 이 작품도 로댕이 모사한 루벤스 카피 작품(Copy after Rubens)으로, 로댕이 장식미술학교인 프티트 에콜(Petite Ecole)에 다니면서 기회 있을 때마다 박물관에 직접 방문하여 그린 유화 작품이다.

 

 

 Small sand pit in the forest of Soignes (1871년-1877년 사이에 제작, 유화, 파리 로댕박물관 소장)
 
  이 작품은 초기에 제작된 여러 유화 작품 중의 하나로 그림을 배우면서 기존 작가들의 표현기법을 하나 하나 습득하려는 의지가 강하게 엿보이는 작품이라 할 수 있겠다. 여러 유명 작가들, 특히 영국의 풍경화파의 화풍과 표현방법 등을 그대로 답습하여 그들로부터 영감을 받아 엄청난 상상력으로 밝고 낭만적인 풍경화를 그리기 시작했다.

 

 

 

 세브르산(産) 도자기 (로댕작, 1879년, 파리 로댕박물관 소장)

  파리 서남쪽 교외의 세브르풍의 도자기로서 로댕이 파리를 떠나 Sévres(세브르) 도자기 제작소에서 일을 하고 있을 때 도자기에 자신의 그림을 직접 그려 구워낸 몇 안되는 작품이다. 이 꽃병은 Sévres(세브르) 도자기 제작소에 의해 로댕에게 양도된 것으로 여기에는 아기를 안고 있는 여인의 모습과 여러 어린 아이들의 모습을 활기차게 표현하였다.

 

 

 두 명의 여인과 함께 있는 켄타우스 (1880년, 펜, 밤색 잉크, 수채화, 파리 로댕박물관 소장)

  왼쪽 맨 위에 펜과 밤색 잉크로 '…vieux centaure/jeune faune'(늙은 켄타우루스. 젊은 목신)이라고 씌어져 있는 이 강렬한 드로잉은 1897년 < 켄타우루스의 축제 >라는 제목으로 『구필 앨범』을 위해 고른 작품인데, 1900년 이전에 여러 번 인쇄되었으며 오귀스트 르페르가 판화로 만들기도 했다. 이 드로잉에서는 로댕의 작업 방식이 분명히 드러나 보인다. 우선 그는 선 스케치를 했으며 종이 가장자리에 눈에 간신히 보이는 글귀를 첨가하였다. 이후 그는 종이를 커다란 종이 위에 덧붙였고, 이 위에 잉크색조를 입히고 묘사의 일부를 두드러지게 하는 가필과 힘찬 윤곽선을 첨가했으며, 입체감과 명암 처리로 마무리하였다. 이는 상상의 장면을 그린 로댕의 드로잉들이 충동적인 스케치가 아니라 심사숙고와 수정작업을 거친 것임을 보여준다.

 

 

연옥에 떠다니는 영혼들(Souls in Purgatory)(1880년, 연필과 잉크화, 파리 로댕박물관 소장)
  다른 작가들처럼 로댕도 연옥과 천국의 이미지보다는 지옥의 이미지에 더욱 끌렸다는 것은 주목할 만하다. 팔을 높이 들고 원무를 추고 있는 누드의 남자 영혼들을 날개달린 천사들이 맞이 하고 있는 모습을 표현하고 있다.
왼쪽 상단에 펜과 갈색 잉크로 ' âmes du purgatoire'(연옥의 영혼들), 오른쪽 하부에 'Mario'(마리오)라고 씌어져 있으며, 뒷면에 흑연으로 'personnages nus'(누드 인물들)이라고 씌어짐.

 

 

Eve (1880년, 목탄과 잉크화, 파리 로댕박물관 소장)

오른쪽 다리에 무게를 실고 서있는 모델의 포즈는 그의 조각 <이브>를 생각나게 한다. 펜과 목탄으로 음영 처리한 이러한 수법은 1880년대 판화가로서의 로댕을 상기시키고 있다. 이 훌륭한 드로잉이 흥미로운 점은 팔의 배치와 얼굴각도에 대해 조각가가 고심한 흔적이 유난히 잘 나타났기 때문이다. 이처럼 로댕이 드로잉할 때 심사숙고하면서 작품을 제작한 것이 별로 없었기 때문이었다.

 

 

 청반쯤 누워 있는 세 개의 머리를 가진 누드 여인(1880년, 수채, 파리 루부르 박물관 소장)

  오른쪽 바닥에 흑연으로 Cerbère로 씌어져 있는 드로잉 작품으로 케르베로스(Cerberus:Semi-elongated Nude Woman with Three Heads)는 『신곡』의 <지옥편> 제 6곡에 나오는 이야기로 “잔혹한 개 케르베로스는 저주받고 갇힌 자에게 그 세 개의 머리로 완강하게 짖어댑니다. 거칠고 피로 물든 털, 부푼 배, 피부를 뚫고 사람들을 찢고 공격하는 발톱으로 무장한 이 괴물의 불타는 눈을 보고 공포에 떨지 않는 사람은 없습니다. 나의 안내인은 몸을 구부려 두 손으로 흙을 잡고 그것을 굶주린 입에 던졌습니다. 음식이 던져지자마자 그것을 급히 먹어치우는 케르베로스는 세 개의 입에서 나오는 날카로운 울부짖음으로 형을 받는 자들을 귀먹게 합니다.”(제 6곡, 탐욕이 처벌되는 세번째 장, 케르베로스는 탐욕의 상징)고 하였다.

 

 

 

 청동 시대 (1880년, 펜화, 파리 르부르 박물관 소장)

  그의 유명한 조각상인 <청동시대>를 제작하고자 18개월 동안 수없이 그린 스케치 작품 중의 하나이다.  원래 제목은 <패배자>였으나, 나중에 그 명칭이 <청동시대>로 바뀌게 된다.

 

 

 청악마와 성 프란시스 사이의 기돈 백작 (1880년, 펜화, 파리 루부르 박물관 소장)

  단테는『신곡』의 <지옥편> 제27곡에서 교활함 때문에 화염 속에서 고통을 받는 우르비노 백작 기돈 드 몬테펠트로를 만난다. 노장군인 그는 성 프란시스에게 회개하려 했으나 악마는 그의 영혼을 성 프란시스로부터 낚아챘다. 기돈백작은 이렇게 말했다. “내가 죽었을 때 성 프란시스는 나를 위해 왔습니다. 그러나 악마의 부하중 하나가 그에게 외쳤습니다. ‘당신은 그를 가질 수 없다. 나를 방해하지 말라. 그는 나의 노예들과 와야만 한다. 그는 불건전한 충고를 했다. 그 이후 나는 그를 나의 지배하에 두었다. 당신은 뉘우치지 않는 자를 용서할 수 없다. 죄짓는 동시에 후회를 하는 것은 불가능하다. 그것은 모순이다.’ 아, 그가 나를 끌고가며 이렇게 말했을 때 얼마나 슬펐는지. ‘당신은 내가 논리적일 줄은 생각치 못했다!’ 그리고 나서 그는 나를 미노스의 발치에 던졌다. 지옥의 판관 미노스는 꼬리로 자신의 곧은 허리를 여덟 번 감싸며, ‘너는 죄를 태워버릴 불길 속으로 갈 것이다.’고 격노하여 외쳤다. 이 작품은 기돈 백작이 청악마와 프란시스 등의 여러 인물들이 둘러쌓인 모습을 흑연 및 펜과 갈색 잉크로 제작한 드로잉이다. 찢어지고 얼룩진 종이를 사용하였고 받침종이의 왼쪽에는 펜과 갈색 잉크로  "le comte guidon/ 1 le diable 2 Saint François"(기돈 백작/1 악마 2 성프란시스)라고 쓰여 있다.

 

 

 우골리오의 향연(ugolino feast) (1880년, 펜과 연필화, 미국 필라델피아 로댕박물관 소장)

  이 작품은 <지옥의 문>을 위한 최초의 습작들 중에 포함되는 밑그림으로서 Dante의 <신곡>에서 자기 자식들과 함께 옥에 갇힌 우골리오가 주변의 수 많은 군중들이 공포스럽게 쳐다보고 있는 가운데 그의 죽은 아들을 게걸스럽게 뜯어 먹고 있는 장면을 스케치 한 것이다. 13세기 이탈리아 두 도시국가들간의 전쟁에서 생포된 우골리노 델라 게라르데스카는 반역죄를 선고받고, 두 아들 및 손자 두 명과 함께 피사에 있는 기아의 탑에 투옥이 되었다. 탑의 열쇠는 강으로 내던져졌고 그들은 서서히 아사상태에 이르렀다. 이렇게 되자 아이들의 죽음을 목격한 우골리노는 죽기 전에 그들의 시신을 먹었다. 교회가 금기시한 이러한 행동 때문에 그는 지옥으로 보내졌다. 이 내용은 단테의 <신곡>의 지옥편에 나오는 내용이다.

 

 

 포옹(Embracing Couple) (1880년, 칼라연필, 파리 로댕박물관 소장)

이 한 쌍의 남녀는 그의 조각 <입맞춤>을 상기시키고 있다. 『신곡』의 <지옥편> 제5곡에서 프란체스카 다 리미니는 시동생 파올로 말라테스타와의 금지된 사랑이야기인 'Paolo와 Francesca'(육욕의 이야기)로 13세기, 젊고 잘 생긴 시동생 파올로에 반한 형수 프란체스카의 불륜 이야기를 나타낸 것이다. “어느 날, 우리는 재미로 란첼로트의 연애담을 읽고 있었습니다. 이야기를 읽으면서 우리는 여러 번 울기도 했고 얼굴을 붉히기도 했는데, 한순간에 우리의 운명이 결정되었습니다. 아름다운 여주인공이 달콤하게 미소짓는 연인에게 입맞춤한 장면을 읽었을 때, (나로부터 절대로 떨어지지 않았던) 파올로는 떨면서 나의 입술에 입을 맞추었어요... 그날 우리는 더이상 읽을 수 없었어요.", 그리고 그것을 쓴 인물은 또 다른 갈라하드를 표상합니다. 그날 우리는 더 이상 읽을 수 없었어요.”(애욕에 빠진 인간들이 처벌되는 제 5곡의 두번째 장) 여기서 주목할 점은 스케치한 종이를 또 다른 큰 종이 위에 붙이고 나서 밤색 색조를 밑까지 스며들게 한 화가의 기법이다.

로댕은 그의 조각 <지옥의 문> 오른쪽 아래에 서로에 대한 감정을 깨닫는 순간의 이 두연인을 재현하였고 이렇게 뜨거운 숨결과 부드러운 사랑이 함께 어우러진 이 작품은 그 모습을 너무나 아름답고 우아하게 표현하여 아담과 이브를 상징케 하고 있다.

 

 

 

 지옥의 문을 위한 스케치(1) (1881년, 펜과 연필 채색화, 파리 로댕박물관 소장)

  <지옥의 문>을 위한 최초의 습작들 중에는 로댕이 1875년 이탈리아 여행 중에 Florence에서 볼 기회를 가졌던 Lorenzo Ghiberti가 제작한 Battisteria의 두 개의 유명한 문 조각에서 받은 영향이 여기에 잘 나타나 있다.

 

 

 

 지옥의 문을 위한 스케치(2) (1881년, 펜과 연필 채색화, 파리 로댕박물관 소장)

 위에 있는 드로잉의 세부작으로서 로댕은 이 작품의 드로잉을 그가 이탈리아 여행 시 피렌체 세례당에 있는 로렌조 기베르티 (Lorenzo Ghiberti)의 <천국의 문>에서 영감을 받아 그렸다 한다.

 

 

 

 The Genius of Sculpture (1883년, 펜·물감화, Los Angeles County Museum of Art 소장)

  이 작품은 <조각의 천재>이라는 주제의 작품 테마로서 그가 밑그림으로 제작한 여러 습작 중의 하나이다. 여러 동작의 포즈를 한 인물들을 자유로운 필치로 운동감있게 스케치한 스크래화이다.

 

 

 

 Portrait of Victor Hugo (1884년, Drypoint 판화작품, 파리 로댕 박물관 소장)

  Victor Hugo의 기념상을 제작하기 위해 그의 모습을 스케치하여 제작한 판화작품으로서 로댕은 생전에 단테, 발자크, 보들레르, 위고와 같은 작가들을 좋아했다. 『레미제라블』, 『노틀담의 꼽추』등으로 알려진 빅토르 위고는 1802년 브장송에서 나폴레옹 휘하의 장군의 아들로 태어난 프랑스 낭만주의 문학의 대표적인 거두였다. 로댕은 위고가 죽은 이듬해 프랑스 정부에서 위고를 기념하는 조각제작을 의뢰받고 위고가 살아 있을 때 모습을 스케치해놓았던 자료들을 바탕으로 작품을 구상하였다.

 

 

 Allegory of Spring (1884년-1888년, Drypoint 판화작품, 파리 로댕 박물관 소장)

 로댕의 작품 중 드로윙 외에 판화작품으로는 별로 알려진 것이 없다. 이 작품은 <조각의 천재>이라는 주제의 작품 테마로서 그가 밑그림으로 제작한 여러 습작 중에 판화로 제작한 작품들 중 하나이다. 여러 동작의 포즈를 한 인물들을 자유로운 필치로 운동감있게 스케치하여 드라이포인트로 제작한 오목판화작품이다. 종이는 Oriental Paper를 재료로 사용하였다.

 

 

 아름다움 (1887년-1888년, 연필과 펜화, 파리 로댕 박물관 소장)

  로댕의 데생은 인체에 대한 관심으로 출발되었던 것이 점차 여체의 아름다움에 대한 특별한 탐구가 되었다. 그의 드로잉은 처음에는 섬세함에서부터 시작하여 점차 드로잉의 기법에 익숙해지면서 서서히 단순함과 더불어 과감한 형과 색채를 사용하기 시작한다. 로댕은 자연을 관찰하고 그에 매혹되는 시각적인 이단아였으며, 인체 세부를 분석하느라고 헤매는 대신 로댕은 기본적인 구조를 열심히 표현하고자 하였던 조각가적 시각을 지닌 화가였다.

 

 

 

 Portrait of Auguste Rodin (1890년, 연필화, 파리 로댕 박물관 소장)

  이것은 로댕이 50세 때 자기 자신을 그린 자화상이다. 명암이 심한 대조를 이룬 이 그림은 의욕에 불타고 거대한 야망을 지닌 남자의 성격을 날카롭게 강조해서 표현하고 있다.

 

 

 

 베일 속에서 움직이는 누드(Nude Woman in the Movement of her Veils:1890년, watercolor and pen)

  이 작품은 로댕이 50세 때 연필로 스케치 한 다음 수채화 기법으로 그린 수채화이다. 강렬하고 대담한 색조의 극적인 대비를 통해 중년 나이에 들어선 로댕의 평면적인 표현에의 의지가 그림에 잘 나타나고 있다.그는 흑연연필로 단 한 줄만을 긋고 형태를 묘사하기 위해 엄지손가락으로 문질러 번지게 하거나, 수채물감을 선의 옆에 칠해 이차원의 평면상의 종이에서 조각가가 삼차원으로 감지한 인체의 입체감을 얻도록 하였던 것 같다.

 

 

 

 발자크 (1893년, 펜화, 파리 로댕 박물관 소장)

   발자크의 기념상을 제작하기 위해 그렸던 스케치 작품 중의 하나이다. 발작크상의 제작에 대한 위촉을 받은 로댕은 발작크에 대한 자료가 부족하여 사방 팔방으로 뛰어 다니면서 몇 사람의 증언과 발작크가 잘 다니던 양복점에 들려 발작크의 몸치수나 인물의 특징 등을 얻었으나 명확한 판단을 유보하고 여러 모습의 작품을 만들어 가능하면 발작크와 가까운 작품을 제작하려고 노력하였던 것 같다.

 

 

 세베린의 초상 (1893년, 목탄화, 파리 로댕 박물관 소장)

   로댕은 인체를 제작할 때 흑연연필로 단 한 줄만을 긋고 형태를 묘사하기 위해 엄지손가락으로 문질러 번지게 하거나, 과슈나 수채물감을 선의 옆에 칠해 이차원의 평면 종이에서 삼차원으로 입체감을 얻도록 했다. 하나의 공간상에 완벽하면서도 보는 사람들의 시각을 어지럽히지도 않으며 목탄의 특성이 잘 살아나도록 부드러운 터치를 사용하여 얼굴의 심리적 상태를 극적인 요소로서 잘 표현하였다.

 

 

 두 명의 켄타우스(1895-1898년 경, 잉크와 펜화, 파리 로댕 박물관 소장)

 일본 양피지에 잉크와 펜을 사용하여 제작한 이 드로잉 작품은 오른쪽 바닥에 ' 2 centaures/ils se déchirent/2 ombres'(두 켄타우루스가 두 망령을 찢는다)라고 씌어져 있으며, 또한 오른쪽 가장자리에는 붉은색의 연필로 '9C 1/2'라고 쓰여져 있다.
 원래 마이야르 책의 출판시 벨트랑이 판화로 조각한 싸움꾼들 형상은 로댕이 가한 수정 때문에 켄타우스로 바뀌었다. 그는 잉크 마감작업으로 허리높이에서 말과 사람을 결합시켰고, 동물 부분을 펜 선들로 완성하였다. 마이야르는 “두 켄타우루스의 신체구조와 근육은 상세하게 묘사되었으며, 모든 노력이 그의 해부학적 사실성으로 집중되었. 허리 아래가 말모양으로 연결되었으나, 이들에겐 아직 인간의 형상이 남아 있다.”라고 썼다.

 

 

 

 껴앉고 있는 두 여인 (1895-99년 경, 수채화, 파리 로댕 박물관 소장)

  이 작품은 서로 껴앉고 있는 두 여인의 모습을 부드러운 필치와 색채로서 단순하게 묘사한 그림으로 로댕이 1890년대에 들어서 채색 위주의 작품들을 제작한 시기에 그린 수채화 중의 하나이다.

 

 

 

   La tempe ête ou la vague (1900년, watercolor, 파리 로댕박물관 소장)

  로댕이 말년에 이르러 춤추는 무희들의 모습에서 느껴지는 아름다운 곡선미와 격정적인 율동미에 많은 관심을 갖게 되었다. 특히 그는 이후에 Pre-Catlan에 있은 캄보디안 무용가들의 공연을 재미있게 감상한 후 그녀들을 대상으로 운동감 표현을 위한 스케치를 하곤 하였다.

 

 

 

   흑과 백의 두 누우드 (1904년 경, 수채화, 파리 로댕 박물관 소장)

 흑인과 백인의 두 여인의 어우러진 모습에서 단순하면서도 부드러운 화면의 대조를 잘 보여 주고 있다. 로댕은 조각가로써 그림을 그리기는 했지만 그의 조각을 위해 그린 것은 아니었다.

 

 

 

 6명의 캄보디안 무용수 (1906년, 수채화, 파리 로댕 박물관 소장)
 
  1906년 로댕은 파리의 Pre-Catlan에서 있은 캄보디안 무용수들의 공연을 즐겁게 관람한 후 그녀들이 연습하는 장소로 가 무용수들의 모습을 많이 그렸다.

 

 

 

 캄보디아 무용수 (1906년, 수채화, 파리 로댕 박물관 소장)

  아름다운 춤동작을 보여 주고 있는 캄보디아 전통 무용수의 무용을 보고 그는 깊은 인상을 받았다 한다.

 

 

 

 캄보디아 무용수 (1906년, 수채화, 파리 로댕 박물관 소장)

  1906년 로댕은 파리의 Pre-Catlan에서 있은 캄보디아 무용수들의 공연을 즐겁게 관람한 나머지 그는 식민지 박람회에서의 공연을 위해 Marseilles로 떠나는 이 들을 따라다니며 무용수들의 동작을 스케치에 담곤 하였다.

 

 

 

 누우드화 (1908년, 수채화, 파리 로댕 박물관 소장)

  로댕이 말년에 수없이 그린 누드화의 수채화 작품 중 하나이다. 1903년에 Cie'ment Janin은 로댕이 그리는 것을 보고 나서 그의 기법을 이렇게 설명했다. "판자 위에다 종이를 펴놓고 연필이나 펜을 들고, 그는 모델에게 언제나 불안정한 자세를 취하게 하고는 모델에서 눈을 떼지 않고 힘차게 그려 나간다. 처음 선들이 그려진 후에 로댕은 다시 손질을 하지만 그가 수정하는 것은 대개 덧 그리는데 그친다. 그리고 그가 칠하는 색채나 경계선을 넘어서 번지는 안료가 윤곽을 결합시킴과 동시에 확대되는 것에 그 밀도를 부여하게 된다"고 하였다.

 

 

 

 앉아 있는 누우드 (1908년, 수채화, 파리 로댕 박물관 소장)

   로댕이 후반기에 들어서 그린 수채화 그림 중의 하나로  전에는 J.Cladel의 수장품이었으나 지금 현재는 파리에 있는 로댕 박물관에서 전시 보관 중이다.

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 The Moon(1900년, 수채화, 파리 로댕 박물관 소장)

   이 작품도 로댕이 후반기에 들어서 그린 수채화 작품 중의 하나로서 섹시하게 앉아 있는 젊은 나부가 자신의 몸 하체의 서혜부를 가볍게 보다듬고 있는 모습으로 한 편으로는 난잡한 모습으로 보일 수 있으나, 한 생명의 탄생을 기원하는 듯한 모습과 자세로 새로운 생명에의 희구를 갈구하는 모습을 작가의 나름대로 해석, 표현한 작품이라 할 수 있다. 지금 현재는 파리에 있는 로댕 박물관에서 전시 보관 중이다.

 

 

 다리를 벌리고 앉아 있는 누우드 (1900년, 수채화, 파리 로댕 박물관 소장)

   로댕이 후반기에 들어서 그린 인체에 관한 수채화 그림 중의 하나로 과감한 나부의 포즈에서 에로틱하고 섹시한 느낌이 강하게 나타나는 작품이다.

 

 

 The Moon(1900년, 수채화, 파리 로댕 박물관 소장)

   허리를 아래로 구부리고 바닥에 머리를 대고 있으면서 다리를 교차해서 엎드려 있는 나부의 모습을 표현한 수채작품으로 로댕은 자신의 처음이자 마지막 연인이었던 카미유 클로델에 대한 연민의 정을 가지고 있엇던 것 같다. 겉으로는 냉철하고 차가운 모습으로 카미유 클로델을 대했지만 자신의 깊은 속에서는 사랑하는 제자에 대한 사랑과 연민의 정을 도저히 완전하게는 감추지 못한 것 같았다. 이 작품에서는 사랑스런 여제자의 모습을 아름다운 포즈로 형상화하려한 작품인 것 같다.

 

 

 Eros (1898년-1900년, 수채화, 파리 로댕 박물관 소장)

   로댕이 후반기에 들어서 그린 수채화 작품으로서 로댕은 후반기에 가까울수록 좀 더 에로틱한 포즈의 누드작품들을 많이 제작하곤 하였다. 그림에 있어서 한 나부가 섯 다소곳이 앉아 수동적으로 입을 맞추고 있는 다른 나부의 여인에게 한 쪽의 팔꿈치를 대고 있는 모습의 작품이다. 이 작품은 대부분의 수채화 작품들처럼 지금 현재는 파리에 있는 로댕 박물관에서 전시 보관 중이다.

 

 

 

   Satan (1900년, 수채화물감으로 문질러 표현한 작품, 파리 로댕 박물관 소장)

   한 나부가 자신의 몸을 뒤로 하여 누워 있는 모습을 나타낸 수채물감을 이용한 소묘작품으로서 지옥의 문에서 지옥의 나락으로 힘 없이 떨어지면서 고통스럽게 땅바닥에서 몸부림을 치는 사탄의 모습을 거친 질감으로 표현한 작품이다.

 

 

 창조 직전 (1900년, 수채화, 파리 로댕 박물관 소장)

   한 여인이 자신의 새로운 생명의 창조를 위해 죽을 힘을 다해 노력하는 모습으로 어머니의 아름다운 헌신이 자신의 2세에 대한 따스한 생명력을 불어 넣어 줌과 동시에 수 많은 창조의 힘을 부여하고 있는 힘을 새삼 느끼게 하고 있는 모습을 표현한 작품이다. 

 

 

 누워 있는 누우드 (1900년, 수채화, 파리 로댕 박물관 소장)

   로댕이 피곤한 모습으로 누워 있는 어느 한 여인의 자연스런 모습을 에로틱하게 나타낸 수채화이다. 다리를 벌리고 누워 있는 이 여인은 새로운 생명력의 근원인 성스런 잉태의 원천을 상징화하여 작가가 주관성을 가지고 그대로 표현하고 있는 작품이다.

 

 

 The Octopus (1900년, 수채화, 파리 로댕 박물관 소장)

   한 여인이 물 위에서 자신의 머리를 팔로 빈 채 천장을 물끄러미 쳐다 보고 있는 모습으로 이 작품은 로댕이 후반기에 들어서 그린 수 많은 수채화 그림 중의 하나이다 다리를 벌리고 천장을 응시하는 여인의 모습에서 로댕 자신이 처한 고집스런 작가의 고독하고 외로운 마음을 잘 표현하고 있다.

 

 

 

 

 

 







                
                                                  



                                                         


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